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醉了：为何国产剧多是5毛特效？
来源：作者：丁立责编：弥尘
霍建华、赵丽颖主演的电视剧《花千骨》正在热播中，网友欢乐吐槽的点不是“画骨恋”，而是奥特曼怪兽的乱入和CG特效做成的包子，当然动画制作而成的“糖宝”也令人瞠目结舌。《花千骨》中的特效包子花千骨养的“灵虫”糖宝在打嗝同样特效被吐槽的还有被期待已久的网剧《盗墓笔记》。南派三叔在开播前坦言，“本身故事的叙述方面和人物的魅力远远强过了对特效的需要”，“我不相信会出现‘五毛钱特效’这样的情况。但毕竟中国网络剧的影视制作还是会有一个瓶颈在，还是有一个工业水平的发展过程，我们耐心等待就可以了”。开播后，网友们吐槽“比五毛钱特效更毁人的五分钱特效出现了”（不过比起粗糙的剧情，特效还不是最大的问题）。《盗墓笔记》先导集中，一只打火机飞过，车炸开了花“小哥”张起灵的血如今被观众称为雷剧的，不是因为故事情节的夸张，就是因为特效渣出新境界。特效在剧集中占的比重越来越大的同时，名声却越来越差，甚至有了“五毛钱特效”这样的词来专门形容电视剧制作的“粗制滥造”。国产剧运用特效技术已经几十年了，为何还屡屡被称为“五毛特效”？是缺钱，还是缺技术？什么是影视特效首先给大伙科普一下“影视特效”与“CG”的定义。CG的全称是Computer Graphics，是指利用计算机技术进行视觉设计和生产的一种范畴统称，既包含艺术，也囊括了当下所有的视觉艺术创作活动，如平面印刷品的设计、网页设计、三维动画、影视特效等。影视特效即是CG中的一种。1986版《西游记》中孙悟空出世早在1980年代六小龄童版本的《西游记》中，石猴出世，孙悟空的“腾云驾雾”，这些都是影视特效，大概也是大陆观众对这种技术最原始的印象。1995年，皮克斯动画工作室推出世界上第一部完全用计算机动画制作的电影《玩具总动员》，CG的概念真正开始被普遍认知。在中国，各大院校开始设立“影视后期合成特效”等相关专业大多是到了2000年以后。对于演员来说，特效的运用是好事也是难题。《花千骨》中的食人花在《花千骨》中饰演上仙夏紫薰的演员蒋欣就曾感叹，“曾经需要跋山涉水去拍摄的情节，如今只要一块绿布蓝布就可以解决问题。”但没有了“真听、真看、真感受”的表演体验，诠释角色的难度增加了不少， “CG的出现对演员的表演要求更高了，需要培养更强大的想像力和艺术创造力。”《少年四大名捕》拍摄现场，背景是绿布。经过后期处理，绿布就变成了蓝天白云。但在特效制作人眼中，特效并不能成为演员表演的“减分项”。电影《少年班》的导演肖洋是知名特效制作公司天宫异彩的创始人，曾长期从事后期工作。他并不赞同演员们对于特效制作的抱怨，认为演员的“无实物表演”早在学校读书时就该是基本功。“我不太赞同因为有了影视特效，演员更劳心的说法。”肖洋以站在悬崖边上的戏码为例，“如今可以通过后期制作来完成，演员可以不用站在悬崖上用后期制作来完成，是不是一定程度上让你更专心表演，不会产生心理上的恐惧感？”为什么效果只有“五毛”？影视特效已在国产剧中广泛运用，满屏的古装传奇武侠神话剧中，特效制作成了不可或缺的部分。国产剧观众的观赏重点，也从关注演员、剧情，转为挑剔起作品的配音剪辑，以及特别的视觉体验。但让观众目瞪口呆的，不是特效有多好，而是有多雷。《古剑奇谭》中的特效狐狸比如去年的收视霸主、电视剧《古剑奇谭》有网友曾表示，“如果去掉特效就是一群人在发疯”，不会动的瀑布、走上去没有脚印的沙滩更是被冠以了“三毛钱特效”的说法。被称为中国天庭版“诸神之战”的电视剧《石敢当之雄峙天东》，曾在开播前打出特邀纳斯达克上市IT公司特效制作团队的宣传噱头，可是播出之后，特效效果却分分钟打脸，有网友吐槽“全剧散发着一股浓浓塑料泡沫的廉价感，当神仙聚会南天门时，若不是演员在镜头前猛刷存在感真以为在看动画片”。国产剧的特效为什么会渣渣，经费是一大因素。一般而言，电视特效镜头的价格在一秒钟1500元左右，但对于大部分需要运用大量特效的电视剧而言，制作再大，预算也不够花，虽然不至于5毛一秒，但所费的成本也只能出个次品。据报道，2010年张纪中版《西游记》花了1500万元用于后期特效制作，共有14家公司参与制作10.2万秒特效镜头，也就是平均约147元一秒。张纪中透露，相比2003年版《射雕英雄传》的后期制作经费，《西游记》的增长了10倍，但数量和难度则增加了20到30倍，特效镜头的数量占了剧集镜头总数的一半多。张纪中版《西游记》剧照但这部每集有300多个特效镜头的电视剧播出后，不少观众直呼特效山寨，“抠像边缘全是锯齿，很多合成CG动画的场景都未经过校色，粗陋不堪，敢问投资都用到哪里去了？”对此，张纪中的解释是该剧的投入和美国大片没法比，国内的技术也达不到好莱坞水准。网剧《盗墓笔记》号称每集投入达500万元，总投资超过8000万元，但播出后网友们讨论的是特效水平究竟是五毛还是两毛、为什么广告时间视觉一下子就好起来了。网络剧《万万没想到》的相关负责人表示，除非剧情需要才会动用特效，“国内最好的特效团队就算徐克和光影等团队了，很多人都不愿意给国产剧做特效，要做的话一般都是一些在校学生练手做着玩。”电视剧《铁甲舰上的男人们》的特效总监、从业已有15年的许捷坦言，基础国产剧特效由学生操作并不为过，“单一重复性的特效工作很简单，我可以说两三个月就可以培养一个，但中国缺的就是技术总监式的人才”。&“特效行业本身存在的时间就不多，几乎就是在日新月异地变化中，国内缺乏这个领域的基础开发人员，所以很难跟上国外大公司的步伐。” 在Base Fx从事电影特效行业已有六年的Mr. Q说。Mr. Q认为，影视特效最大的瓶颈并不在技术，而在渲染时间上，如果想要制作细节丰富逼真的画面，渲染时间是最大的考验。但目前的电视剧制作周期和开发模式，显然容不得“慢工出细活”的工作方式。《少年派的奇幻漂流》的画面很美，但其特效公司R&H已宣布破产。“特效行业在全球都是一个不是特别成熟的行业，很多问题都还在探讨阶段。”天宫异彩的导演肖洋说。特效费钱，但是制作特效的公司未必赚钱。比如李安导演的《少年派的奇幻漂流》，特效是公认的好，但其特效公司已宣布倒闭。肖洋认为，“在中国内地，单个镜头的特效制作，国内的从业者没有问题的，low的特效还是在于制片人的选择，制片人是否尊重基本的特效工作流程的问题”。&“据我了解，市面上大家的水平还是差不多的，只是钱和时间的问题。” 电视剧《铁甲舰上的男人们》的特效总监许捷说。对于许捷的观点，资深影视评论人李星文也表示认同，“一方面是硬实力，技术的提升人才的培养，另外一方面就是资金、时间这些条件的满足”。《铁甲舰上的男人们》中的特效镜头有3600秒。“现在提倡‘后期前置’的概念，我也是当时剧还没拍就带了一个小组进组，很多道具、造型、场景后来都变成我来负责了，其实这些都跟特效紧密相连。” 许捷坦言，剧组对于特效工作的尊重会直接影响到最终的呈现效果。《铁甲舰上的男人们》剧照对于特效的好坏评判标准，基本上是各个剧组自己把握。许捷说：“目前还是处于一个大家共观赏共审核的阶段，至于你说一二三的标准，现在还没有，所以才会有行业乱象出现。”北京电影学院动画学院院长李剑平曾从教育角度分析过中国影视特效的蹒跚发展，他说，目前的特效多是数字技术，跟动画专业的培养方向比较接近，所以中国的很多特效师都是动画专业出身，亟待需要细分出特效制作专业。没有自主品牌的特效软件、没有本土的特效人才团队、中国特效师狭窄的发展空间和不够完善的教育体系都是当下中国影视特效的发展瓶颈。“市场还是很大的”，肖洋说，很多人才还在培养，“行业不缺乏单纯的执行，但是缺乏真正的指导”，中国有特效艺术家的时代可能还要再等一等，“中国人的美术概念设计、制度合作的契约精神、场景的选取等等需要继续完成，然后形成系统”。曾参与多部影视作品的他充分肯定了中国特效行业的水平，“中国的人才很多，好莱坞的特效很多也包给国内团队做，因为中国的后期制作人吃苦耐劳，但是我们的短板可能就是制片制度以及美术概念的设计很欠缺”。&“特效行业的出现、发展、成长都只是为了完成一个梦，整个影视行业都是为了造梦，所以特效、演员都是其中的一部分。”肖洋认为，国产剧的构架亟待重新梳理，“演员的表演、制片人是否尊重特效制作，都是问题，不能最后效果不好都怪到特效制作的头上”。
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版权所有 鲁ICP备号　　当数字特效刚刚兴起的时候，有人预言，演员时代即将结束，特技时代马上来临。当数字特效已经成为诸多电影不可或缺的手段，甚至重要卖点之时，更多的声音响亮起来：电影已经不需要演员，电影可以使用数字特效完成原先需要演员表现的一切。甚至存在这样的说法：电影中出现演员本就是个误会，电影终于找回了正道。　　在电影中，特别是近年来火热的“高概念电影”中，使用数字特效协助完成表演的情况非常普遍。甚至可以说，绝大部分引人关注的“大片”中，均有数字特效的广泛存在。《阿凡达》、《指环王》、《黑客帝国》、《变形金刚》、《金刚》、《复仇者联盟》、《特种部队》、《猩球崛起》、《丁丁历险记》、《盗梦空间》、《超级战舰》、《雨果》、《黑天鹅》……然而，可以看到，在这些影片中，无论使用何等尖端设备、技术，完成角色形象塑造的主体还是人：演员。　　即使在数字特效的大本营，“技术狂”们狂热地鼓吹演员应该离开电影世界的同时，他们也都在明争暗斗，争夺能够给数字技术生命力的真正的演员。这样的演员至少出现了一位，这便是举世公认的数字特效表演的“无冕之王”：安迪?瑟金斯。　　在中国，电影中的数字特效表演也已经起步，形成了具体的案例和经验。虽然和好莱坞成熟的技术相比显得简单许多，但毕竟初步形成了系统，在这个正在形成的新世界中建立一个桥头堡，对未来中国电影的格局，影响深远。　　一、 数字空间建构中的表演　　数字特效是一个宽泛的概念，包括使用数字特效手段完成的场景、摄影、表演、剪辑等各个方面的内容。在表演方面，数字特效主要在两个方面发挥作用，一方面是人物和场景／空间关系的重构，一方面是人物表演的捕捉、变形、拆合及表现／再现。本节主要探究，人物和场景／空间关系的重构方式。　　“数字空间建构”，指使用数字特效，制作非现场搭建、拍摄的实景，最终形成电影的空间。人们所熟悉的描述方式，就是使用绿色（或蓝色及其他颜色）幕布和反射球进行的“抠像”制作法。这种电影工艺被一些声音归纳为全新制作观念的产物，实则未必。　　电影从初创之日起，便秉承务实节俭的原则和拍假如真的技巧，使用最适合的方式制作电影。传统电影工艺，从来不是搭建、拍摄全部实景，经过成本核算和精巧的设计，普遍使用前期真假结合、后期技术合成的制作方式。在前期拍摄中，普遍使用天幕背景法、动态电影背景法、局部绘景法、透视景片法，节约了大量的成本。后期制作中，使用胶片加工的手工、光学技巧，将不同时期拍摄、制作的局部空间整合成完整的电影空间，甚至于直接手绘建筑、自然前景、背景。从《党同伐异》、《关山飞渡》到《ET外星人》、《星球大战》，从《林则徐》、《青春之歌》到《骆驼祥子》、《西安事变》，此种观念、技巧由来已久。数字特效是这一传统的继承者，是此种“空间建构”观念的技术升级版，并非创造了一种崭新的观念。即使到了数字时代，某些特殊的场景，依旧需要依靠手工来处理。　　在“数字特效”时代，演员的表演与传统时代有那些不同呢？　　在“数字空间建构”的技术层面上，演员们面临的问题，分为几个方面。　　对于局部“抠像”的制作方式，演员们一般没有太大的异样感。在拍摄现场，一条“完整”的街道，和设置了若干处蓝色幕布和反射球的场面，对于演员来说，基本没有不同。因为，从来就没有什么“完整”的街道：在景区中，街道单薄的要命，除了从摄影机角度看起来一切尚如剧情所示，其他方位到处充满了和电影空间无关的各种因素，增加若干处幕布和反射球并无什么本质不同。在实景中，虽然周边景物都是真实存在的，但由于摄制组的工作内容：情节要求、技术规范、团队工作，早已让现实中的真实性面目全非，此真实空间已经转换并即将成为“电影空间”。对于演员来说，他们的工作就是在“假”的空间内演“真”戏，拍摄现场的小幅度异样，本就属于演员适应能力的范畴之内，并为特殊之处。　　当拍摄现场彻底改为“虚拟空间”时，对演员的考验便升级了。所谓“虚拟空间”，实际就是“数字特效摄影棚”（以下称“虚拟摄影棚”），在这个拍摄现场中，真实的器物大多消失，只有蓝色或者绿色的幕布，和若干专门的设备。一些现场尚有少量道具支持，一些现场则彻底空空如也。演员们存身于如此“抽象”的空间中，却要进行和某种设定的现实场景对位的表演，难度不小。　　如何在走入一个“虚拟空间”时如同走入宅门大院，或者步入深山峡谷？这个看似艰难的问题，对于大部分接受过系统训练的演员来说，却并非难事，甚至正好可以发挥科班演员的表演技术优势。世界各国表演训练方法，无论是影响最为广泛的斯坦尼斯拉夫斯基体系，还是中国学派、布莱希特学派、格洛托夫斯基学派、哥格兰学派、彼得?布鲁克学派、梅耶荷德学派，以及各国家民族演剧传统，对于表演艺术均秉承几个核心概念：“假定性”、“性格化”、“表现力”。各学派虽然主张不同，方法迥异，但普遍秉承由简入繁、内外结合的训练方法。在初期训练中，非常重视对于个体天性／能力的开发和解放，努力使其在“空的空间”（彼得?布鲁克，英国）中重新建立人与空间／世界的关系。无实物练习，信任练习，空间练习，想象力练习，不同方式的训练方法的任务之一，就是在锤炼演员传达出个体和世界之间关系的信息量。因此，在初期训练中，训练场中很少有环境和道具的依托，通过种种具体丰富的训练手段，使得演员能够建立起在“空的空间”中进行“现实空间”中的行动，塑造规定的人物形象，这一能力是之后各个阶段表演训练的基础，也可以直接对接在电影“虚拟空间”中的表演。　　实际上，中国演剧学派中，京剧和各种民族戏曲的训练／表演方法，已经建立了在“空的空间”、“虚拟空间”中表演的要素。他们用精湛的声腔艺术和形体技巧，在相当简单的环境中，塑造出极为丰富的人物形象，表现出大观世界之万象，其艺术价值为世界尊重。但是，多年来，这些民族演剧方法（及其在电影、话剧中的沿展部分）的宝贵成果，被所谓的新观念不断抛弃和禁绝。敝帚自珍人之本份，崽卖爷田不知心疼。　　经受过系统训练的演员，在“虚拟空间”的拍摄中适应性很强，能够很快进入拍摄状态。成熟演员／熟练演员具备的拍摄经验也会发挥作用，因为，他们长期在各种临时的、借用的、拼接的现场拍摄，对于环境的适应性极强，用能力用自己的演技比较准确的展现出空间的各种信息量。这一特点，作为观看者是比较难以意识到的。　　新工艺与新习惯给表演技术带来了新的课题。　　在《阿凡达》、《雨果》一类影片中，电影技术和创作方式甚至已经发展到将动态画面中的各种因素全部拆分，一一拍摄或制作，后期合成。同一画面中的人物，分别在“虚拟摄影棚”中拍摄，彼此互不知晓，“交流”、“判断”等基本元素的支撑物已归零。此时，恰恰是表演训练技巧发挥了关键作用：“心象”（焦菊隐，中国）、“潘多拉的盒子”（伊特金?贝拉，美国）、“有魔力的假使”、“情绪记忆”、“喷泉”（斯坦尼斯拉夫斯基，俄罗斯）、“间离效果”（布莱希特，德国）……这些表演艺术的宝贵方法，成为了演员们在几无外部支撑的条件下完成人物塑造的关键技巧——哪怕仅仅是《雨果》天桥上的一个行人。　　在形形色色的动作片中，演员们在蓝色幕布前的打斗场面已经司空见惯。建构空间已成基本工作，在大批动作人员的协助下——他们很多时候穿着和虚拟背景颜色相同的隐身衣帮助演员完成动作——借助“威亚”等特殊器材，飞天入地地进行表演，则是一项艰难的工作。在展现动作技巧的同时，捕捉准确的人物心理状态，展现准确的空间感受，契合未来合成后的“电影空间”要求，对演员素质要求甚高。对于表演技术外部技巧的要求更高。“肌肉记忆”（斯坦尼斯拉夫斯基）是基本的原理，对于身体系统的、专门的训练，无论演员培养过程中的训练，还是针对具体电影项目的针对性训练，都将对表演的完成产生重要的作用。　　二、 动作捕捉系统与表情捕捉系统　　“动作捕捉”（Motion Capture，简称Mocap）技术的出现，使得电影制作有了新的可能。对于这种技术直观的描述，就是演员穿着专门颜色的紧身衣，衣服上缀满了感应点，数字设备（包括摄影机、数字摄影机、数字照相机等）全方位记录处于身体不同位置的反射球的运动轨迹，经过复杂的数字处理，最终制造动态的人物形象。这种初始时的动作捕捉原理一直贯彻至今，连续升级后的技术、工艺已经相当成熟与复杂，并已形成系统。　　可以发现，使用“动作捕捉系统”的制作目的，往往是捕捉特殊形态的形体动作，所以，对于演员的要求高于一般演员。当然，对于演员的挑选也异于一般的电影。矫健如猎豹的运动员，本领高强的武林高手，技术高超的舞者，稚嫩可爱的孩子，这些都对形体训练提出了特殊的要求，有些形体能力尚不为专业演员所能完成。假如拍摄一个不断跨越障碍的飞人，有哪位专业演员的能力可以超过刘翔呢？　　为什么数字技术不抛开演员？自行运用数学方式建立各种动作的指标？　　因为，时至今日，数字技术单独制造的动作效果，远不如人类演出的自然生动、细节丰富、质感强烈。因此，动作捕捉技术不仅仅需要演员，更需要优秀的、专门的演员。实际上，在“虚拟摄影棚”中，演员们并非需要夸张、放大的表演，而是需要和常态表演基本类似，但在特殊局部有所变形的表演。此种分寸很难把握。假如演出只是一场夸张的狂欢，对于大部分演员来说并非难题；如果演出和普通电影全部相同，也难不住镜头前表演经验丰富的演员们。在动作捕捉技术面前，演员们失去了一些特性，又要强化另外一部分特性，这种微妙的差异和实操中的控制能力，是表演艺术面对的一个重大课题。　　比如，在大获成功的《阿凡达》中，男女主演的形体表演便不算成功。他们扮演的是外星系的生物，生理、情感类型和人类有相同之处，也有不小的差异。在认知、判断、反应、动作中，均应设计和普通人不同的差异性，如此，既增加人物的表现力，又为影片增添风格因素。但是，两位演员的形体表演，和纽约街头的青年并无二致，只是通过动作捕捉技术套上了外星生物躯壳的地球人。　　虽然一些观众会说：“嘿，这并不重要”。但电影艺术和技术说：“不，这很重要”。　　表情捕捉（Face Capture）技术，可以理解为缩小、精密版本的动作捕捉技术。此种技术对于演员的要求更高。试想，在人类面孔的狭小面积上，装载上百个感应点，并且被无数照明器材和摄影机围绕，保持基本的生理能力都有困难，更不用说在电影中表演了。　　优秀的演员能够对付这个难题，比如，在《极地特快》中，汤姆?汉克斯便有不错的发挥。借助表情捕捉系统，他一人分饰五角，突破了传统化妆术的技术限制——功力深厚的演员，面对新技术，总会有超乎日常的发挥。　　时至今日，动作捕捉技术和表情捕捉技术，依旧使用在一小部分特殊形态的影片制作中。虽然声势不小，但是对于大部分电影制作来说，它们并非不可或缺之物。有人称之为“穿上棉袄洗澡”，形象而生动。如今，它们还面临着不少问题，制作成本昂贵，适用题材狭窄。更为重要的一点是，没有几个真正能够在动作捕捉技术和表情捕捉技术的支持／限制下，展现角色魅力的优秀演员。绝大多数传统演员并不那么适应数字特效制作的条件和环境，在“虚拟摄影棚”中的表演并不精彩。由于原本制造明星效应的本人的身体和面孔的缺席，他们原本具有的魅力也减损了不少。新技术令一些明星的能力显得捉襟见肘，也为世间许多优秀的表演者提供了展现才华的舞台。必须找到、培养专门应对数字特效时代的电影演员。　　好在，电影世界遭遇了等待已久的安迪?瑟金斯。　　毫不夸张地讲，正是安迪?瑟金斯，令动作捕捉技术和表情捕捉技术具有了真正的生命，也令这项事业获得了发展进步的支撑。　　英国人安迪?瑟金斯（Andy Serkis）是一位戏剧演员。在高手如云的英国戏剧世界中，他并非科班出身，也不是非常知名的一位。漫长的演出和训练，使他具备了扎实的表演功底和独特的艺术表现力。在英国，这样的演员不少；安迪?瑟金斯，第一个在“新世界”中开天辟地。　　《指环王》是一部新概念的电影。安迪?瑟金斯扮演咕噜姆。他精湛的演技，丰富的表情和形体表演技巧，为这个丑陋的双重自我小角色注入了独特的生命力，令这个影片中的小配角一跃成为全球观众瞩目的性格人物。他的表演，得到业内外的高度评价，不仅成为世界第一的“虚拟表演”艺术家，更为这项事业的持续发展开辟了道路。　　《金刚》中的金刚是安迪?瑟金斯的又一个角色。接受这个角色之后，他按照表演创作的基本程序和规律，到动物园和大猩猩相处数月，观察“人物”，取得经验。这只是工作的一部分，他表演技术的主体仍旧是在英国舞台上摸爬滚打的经验和技巧。《金刚》中的表演多数使用动作捕捉系统，表情捕捉尚少，安迪?瑟金斯的表演是影片中最激动人心的部分。　　《猩球崛起》的制作，可以说是动作捕捉系统和表情捕捉系统的一次整合和升级。技术的进步，给演员提供了更加宽阔的创作空间，也对演员的表演技术提出了更高的要求。安迪?瑟金斯扮演的凯撒是一个令人难忘的形象，那一声“不——”的表演，是人类表演史上的经典场景之一。事实上，安迪?瑟金斯是一位传统表演技术的集大成者——而并非一位离经叛道者。他的表演技术在传统表演理论中均有迹可循，在新开辟的世界中，以一种崭新的方式展开、立足，获得喝彩。当然，数字特效不仅仅是数字化妆术，它也给演员表演增添了新的质感，甚至直接的修正。比如，被拍摄的真实猩猩的表情，也被部分移植到了角色的面孔上。这或许也是奥斯卡的评委们不肯将奖项颁给他的原因。　　《丁丁历险记》是一部新概念的动画片，安迪?瑟金斯扮演性格暴烈的阿道克船长。对于他来说，这只是一项轻车熟路的工作而已，因为角色和他本人的能力都已经成为著名的品牌，只要找准借口，他们的合二为一便牢不可破。　　咕噜姆，金刚，凯撒，阿道克船长，这些优秀的角色形象居然为一个演员所塑造。安迪?瑟金斯的表演艺术和技术，打破了所有那些“数字特效将使电影制作不再需要演员”的梦呓。他单枪匹马给出了全部答案：数字特效所不能完成的，所欠缺的，最为关键和核心的东西，只有人类的演员能够完成。数字特效所需要的强大的“心脏”，正是安迪?瑟金斯这样伟大的、属于未来的演员。　　三、 华语电影中的数字特效表演　　在世界先进水平面前，华语电影中的数字特效还只是刚刚起步的小老弟。动作捕捉系统和表情捕捉系统实践很少，也没有形成市场；绝大部分数字特效停留在“数字空间建构”的层面上。但以华龙、先涛等公司为代表的技术力量已经初步形成了生产力，在华语电影的整体格局中，初步站住了阵脚。　　华语电影中，数字特效条件下的表演都是由传统电影演员完成。其工作也并不复杂，对于演技基本没有太大的考验。由于没有压力和动力，中国还没有出现安迪?瑟金斯一般的专门的表演人物，或许有潜质的演员存在，但是产业还没有提供一展身手的机会。　　比较早出现“数字空间建构”的影片，是灾难片《惊涛骇浪》。这部影片中，出现了大量洪水来袭屋毁房塌、百姓奔逃的情景，大部分由数字特效制作。在这些段落中演出的大多为动作演员，有着强健的身体素质和控制能力，能够完成影片要求的人物动作。在《太行山上》中，则出现了在“虚拟摄影棚”中拍摄，经过数字特效加工的，日军将领乘坐飞机俯瞰战区的镜头。类似的处理又出现在《建国大业》中共代表团飞往重庆谈判的镜头中。由于演员基本都是静止状态，并无太多表演技巧可以参与创作。　　在《云水谣》中，出现了一些和主要演员关系更为密切的数字特效镜头。如陈坤扮演的秋水乘船过海的场景，就是在特技棚中拍摄的。类似的处理也出现在了之后的《一个人的奥林匹克》李兆林扮演的刘长春船上训练和《建国大业》姜文扮演的毛人凤船上被吹飞帽子的表演中。　　《无极》中的特技镜头比较多，每一位演员都参加了“虚拟摄影棚”的拍摄，大量动作段落借助威亚等设备完成，表演中的位置关系、力度控制都比较严格，幻境的制作则体现了当时的数字技术水平。对于真田广之、张东健、谢霆锋、张柏芝等久经考验的演员来说，此种表演难度不算很高，但拍摄程序复杂，时间漫长，有时一个工作日仅能完成一个镜头。　　《少林足球》、《功夫》、《长江七号》中都有大量数字特效镜头。周星驰电影的一个方便之处是，由于其表演风格更加夸张、怪诞，演员们可以使用无厘头的方法遮掩技术上的一些粗疏和简单，构成影片的整体性。至于类似于《黑客帝国》的个体复制效果，则以香港电影一贯的务实精神，基本以组织实际拍摄进行了替代。　　《画皮》的数字特效镜头在泰国制作，重点包括人皮剥离和人头碎虫等，许多观念和好莱坞惊悚电影相似，工艺水平也不错。但这些特效镜头大部分并未出现在最终的成片中，只作为素材在专业内部交流。　　《建国大业》中有不少数字特效段落，如东野先头团攻到北京城下的场景，借用王佐基地外景悬挂幕布拍成，演员葛优和王宝强面对幕布表演，后期替换成了北京城城墙。西苑大阅兵的场景，则是在南苑机场实景拍摄，后期增加远景处的人马数量——这一处理甚至没有安置幕布，直接利用反射球数据计算后“生抠”。对于演员来说，此片和传统拍摄中的表演要求区别不大。《建党伟业》中数字特效镜头更多，一些段落使用了经《建国大业》检验成熟的技术，如五四运动游行中大场面的部分，和西苑大阅兵使用的数字特效类似。南湖游船在棚内拍摄，游船全比例搭建，船外景色后期合成。码头送别的场景拍摄，则和好莱坞制作方式类似，分片、分段、分层，多次加工、合成，完成最终影片中的镜头。演员们在“虚拟摄影棚”内的演出，多少还是要考验信念感和想象力的。　　《孔子》、《狄仁杰之通天帝国》使用数字特效营造了完整的古代都市、自然环境的宏大景象，但内景拍摄大部分使用拍摄基地实景拍摄，只有少量涉及特技，因为比较成熟的景区很利于拍摄，在成本上也更合算。　　在《唐山大地震》中，唐山、汶川两次地震和震后救援的场景很多使用了数字特效镜头，制作的过程比较复杂，演员们在接近于真实的场景中表演，利用传统手段制造地震中飞砖、断木、扬灰、落雨等效果，再将此小场景嵌入拍摄、制作的大场面，再增加各种地震的特殊效果，形成电影中最终的段落。《让子弹飞》也有不少数字特效段落，由于影片在制作形态上仍旧属于传统方式，演员又都普遍久经考验，拍摄过程非常正常。　　《飞天》进行了一次数字特效制作的全面尝试。由于题材为中国载人航天的壮举，制作过程中势必涉及大量特殊场面，需要在“虚拟摄影棚”中使用“数字空间建构”的原理制作多个电影空间。影片中各种特训、进入外太空失重状态下的段落，大多使用数字特效合成，演员们努力使用间接经验，演出宇航员们面临的各种特殊和紧急状态。由于外国同类影片素材颇多，演员们也深入中国航天生活体验生活，乃至受训，演出完成得比较顺利。但由于制作成本的限制和技术水平的实际情况，这一次挑战并没有上难度，只能算是未来复杂工艺的一次预演——工艺二字中既包括数字特效，也包括表演。　　近期的华语电影中，有一定规模的普遍使用数字特效，有些属于创作要求，有些纯属凑个热闹。但华语电影中，总算有了和最新科技对接的平台。这些相对简单的制作技术和制作要求，对于演员来说，比较轻松便可以完成。因此，也还不能展现更高的技巧。或许，在不久的将来，更加复杂的“数字空间建构”，乃至动作捕捉系统、表情捕捉系统的更加广泛、深入的开发、使用，才会令华语电影表演产生新的内涵。
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　　这种帖是没人看的。
　　技术贴，记好。睡前详读。　　
　　如果不来支持下赵老师的帖子，都对不起那个叫秋香的叮嘱。　　今天先报个到，过两天再来正儿八经的支持。
　　赵老师，能否把这个姓唐的清理出去，烦人
　　好贴留个记号
　　@秋香姐拜托了 5楼 　　赵老师，能否把这个姓唐的清理出去，烦人　　-----------------------------　　秋香，我到底在哪里把你得罪 了，你要这么烦我？是你自己不来赵老师的帖子下发言的，你还不准其他人发言，还看不惯，你怕是也太专横跋扈了吧。看来冯小刚那段话真是说对了，损人不利己的事情，有些人就喜欢干，这是胎里带来的，传承有序。　　反正赵老师如果听你的话把我清理出去了，我就另外注册个账号。没有关系。
　　本来我是打算过两天再来支持这个帖子，考虑到我是有可能被清理，算了，在我下线之前就再支持下吧。反正现在这个社会也是小人无赖当道，我早就看透了，那些造谣生事，随便对网友人身攻击的人都可以堂而皇之的呆在论坛上，我只是话有些多，“不合时宜”的过多支持了一下国产电影以及电影人赵老师就是犯了死罪。昨天看了那个传说中被禁的《盲山》，没有想到连我想象中淳朴的农民伯伯也不淳朴了，月底一定要去看《温故1942》。不仅想看到我们民族的苦难，也很想看到冯小刚所说的那个人心。　　再说这篇文章，一个过去没有注意的名词“动作捕捉技术”，初看感觉很抽象，不明白什么叫动作捕捉技术。但是赵老师一提到英国 那个伟大的演员安迪.瑟金斯
，我似乎明白了一些。但又说不怎么清楚，不过他的确是一个让普通人望尘莫及让同行自叹不如赞赏有加的表演：　　星球崛起中的猩猩：　　　　丁丁历险记中的格鲁姆：　　　　还有他扮演的《金刚》中的 猩猩，据说他在拍摄金刚时，导演为了让他更接近猩猩，居然让他与一雌性猩猩同住一年，期间还遭到骚扰。　　能够做出这样的表演，的确需要非同寻常的演员，有普通演员没有的一种素质，但是又需要刻苦训练，瑟金斯模仿猩猩的表演让我想到中国的另外两个演员，一个是戏曲演员，扮演《西游记》中孙猴子的六小龄童，还有就是 在舞台上扮演孔雀的舞蹈演员杨丽萍，他们天赋高，但是也都运用过仿生学的原理，对猴子和孔雀进行过长期的观察模仿，然后融入到自己的创作中，最后才达到了非常逼真的效果。　　中国是否能培养出像瑟金斯那么出色的电影演员么？感觉不管是外国的还是中国的电影演员，出色的都是戏剧演员出身，有很深的舞台经验和功力。
　　咕噜是指环王中的……
　　@秋香姐拜托了 9楼 　　咕噜是指环王中的……　　-----------------------------　　秋香姐姐，对不起哈，是我写错了，应该是指环王中的咕噜姆。
　　咕噜那副图的文字和图片内容不吻合，特此纠正：　　不 知道在中国什么时候有像安迪瑟金斯这么棒的可以由真实演员主导数字角色的伟大演员？　　指环王中的咕噜姆　　　　丁丁历险记的阿道克船长：　　　　金刚中的 猩猩:　　
　　百变安迪瑟金斯：　　　　与其羡慕外国有那么优秀的演员，还不如自己不断挑战突破迎头赶上，即使无法达到他的成就，也应该朝这个方向努力。　　我理解的传统的电影表演，好像是以能否刻画出生动鲜活的人物为标准，不是有那么句话吗？好的表演不是演戏，而是演人。　　到了电影的数字时代，电影表演不仅是要有演人的能力，还有新的要求，看了赵老师这篇文章，由于理解很吃力，所有只总结出了三个新要求，大概是1.像安迪瑟金斯那样有主导数字角色的能力，能赋予虚拟角色灵魂。2在虚拟场景也能有逼真的表演。3能够通过自身的表演传达出丰富的社会信息。　　所以对演员也有了更高的要求，需要特殊的天赋特殊的才能，特殊的气质。。。
　　特效虽然是辅助，但也必不可少。在影院里如果没有这个特效，内容再好，似乎对于很多人来说，也不过瘾。
　　在华语电影中用了特效让我印象很深的是电影《惊涛骇浪》，感觉真的要灾难片才会让我觉得用了特效。特别是那洪水来袭，百姓奔跑的场：　　
　　转发一
则文章段落，关于电影《惊涛骇浪》的背景介绍：　　数字化《惊涛骇浪》　　★投资2600万元打造中国大片。　　★花800万元在荆州习口人工搭建长800米、宽20多米的堤坝，利用水库的泄洪闸制造决口和被淹村落。　　★24个有名有姓的角色，整个拍摄动用5000名官兵，动用了四五万人。　　★在6、7、8最热的三个月，转战山西、江西、武汉、荆江等省市。　　★当时最高温度达到38.9℃，地面温度高达60℃。80%的演职人员中暑，消耗了2500多瓶藿香正气水，而翟导演拍摄时喝水最多的一天记录是12瓶矿泉水。
　　不错，专业就是专业
　　既然华语电影的数字特效，适合数字时代的表演还刚刚起步，而数字特效也只停留于数字空间建构阶段，那说明现在的华语电影中适合数字时代的表演就是在虚拟场景中也要能够有逼真的表演。专业演员做到这点应该不困难，因为平常有训练，但是群众演员能做到吗？让他们置身场景模型中，他们能做到逼真吗？　　有人说数字时代，就是各种特效大放异彩的时代，它不仅是满足视觉的需求，也可以模拟人的表情，模拟人的情感，这大概
就是人们认为的数字时代将取缔演员表演的原因吧。记得第一次看金刚时，不知道它是真人演的，就以为那猩猩是真的猩猩，而且还有人一样的动作表情，或沉默或骄傲或温存或发怒。。。连情绪的过程都有，当时感觉好神奇，就 只佩服那个特效好棒，居然能把一个动物还原成人的样子。后来知道了那是真人演的，才对那特效少了些膜拜心理。　　特效或许能够模拟一些表情动作，甚至情感。但是技术始终是技术，它怎么能像用人来传达那样细腻入微具有温度呢？
　　原来画皮的特效是在泰国做的，大部分都没有在 成品里出现，难怪现在人们津津乐道的就是水下换装，说周迅和赵薇奉献了非常精彩的表演。　　　　
　　电影《孔子》，虽然备受争议，即使你不喜欢孔子，但不可否定这部电影值得尊重，由于加入了很多战争戏，使得我们不仅看到了一个丰满立体的孔子形象，文武兼备，忧患又仁爱。。。而且还看到那段波澜壮阔的战国风云。　　《孔子》中有很多经典的特效镜头，其中拆邑（堕三都）这场戏很具有代表性。这场戏的所有镜头都有非常大的三维制作量，场面宏大，其中涉及到大量的角色互动和特技效果，几乎囊括了所有三维制作技术的难点。　　　　
　　本文提到，在华语电影里，动作捕捉系统和表情捕捉系统实践很少，也没有形成市场。不知道怎样的电影才可以让动作捕捉系统和表情捕捉系统有实践的机会？安迪瑟金斯是真人主导数字角色的伟大演员，可是怎样的角色才叫数字角色？是介于虚拟和真实人物之间的吗？　　中国是一个历史悠久文化厚重的国家，应该说有很多故事可以拍成电影，但是要拍共有的认识，大家会觉得假，如果要想个性一点，又众口难调，因为每个人都有一段历史，都有对历史人物历史事件的理解。总之把它拍成真人演的戏都让人没有了新鲜感。如果把历史故事通过动物的故事来表达可能要好点，集历史故事，动物故事，人性故事，心理故事，寓言故事于一身。就如我最 喜欢的《狮子王》，将王子复仇的故事搬上银幕，如果要拍成真人演的电影，估计会觉得很闷，但是拍成动画片，温馨而有趣。也深深的记住了它。
　　和美国相比中国电影在特效方面最关键的差距是导演。就是把美国的特效制作人员全套搬来也是拍不出美国式的电影特效的，因为掌控的人是外行。只有导演是内行甚至是技术引领者才会诞生出LZ津津乐道的所谓特效表演无冕之王。无视这点谈什么中国电影特效的崛起或发展都是苍白的，甚至是可笑的。
　　@余东风，你一快四十岁了还为生活所迫要到论坛诋毁人家产品赚五毛的老瘪三懂啥？只需要一个交配机会的猪狗和只想找个女人解决生理需求的@余东风，找个小姐出身的女人跟着你就不错了，别不满足，正常人的感情你不明白也不需要明白。还有，你像条狗一样跟在老子后面干啥呢。余东风你要做跟尾狗就要一直跟着，如果不一直跟着的话天涯论坛id为 余东风 的有儿子死儿子有女儿死女儿。 　　
　　资金和技术的关系：　　推荐一篇经济论文《资本运营和技术创新的关系》。　　电影是艺术，但电影也是技术，艺术是技术承载的内涵，而技术是艺术表现的手段，如果电影是所有创作者的产品，这个产品从设想{创意思考感悟}的产生到生产的过程{变为现实 }以及推广到市场{被观众接受}，整个过程都需要资金的支持。集合一个团队拍摄一部电影，相当于你就成立了一个公司了，你必须要有公司正常运作需要的资金，像经营一个企业那样用好这笔资金，实现它价值。有了足够的资金，才能促使人们更加重视技术创新，提高技术创新的能力，从而让电影变得更加的好看。特效就牵涉到技术的运用和技术的创新，这些都是离不开资金支持的。
　　华语电影的特效肯定还无法跟好莱坞比较，我们本来就起步晚，有些观念肯定就跟不上，就算观念跟上了资金又跟不上。而且文化不同，对一件事情的理解处理方式也就不同。这些都会影响结果的。　　不管怎样，就算我们没有可以跟好莱坞特效水平旗鼓相当的特效，但是在电影中运用特效是必然趋势，发展也不是一蹴而就，而是循序渐进。有了特效的运用，那么就得有相应的表演。
　　CGM杂志采访《建国大业》的美术指导赵京老师{节选}，从中可以感受到特效对于一部电影拍摄的重要性 以及对资金的要求：　　CGM：您是从什么时候开始接触数字特效的电影制作工作的？　　赵京：我个人接触电脑很早，在286的时代就开始了，其间也自学了很多软件。而第一次真正接触包含CG特效的比较知名的电影作品是《天下无贼》。这部戏中90%的场景是在运动的火车上发生的。如果在真实的火车上拍摄，工作会受到空间、人物以及安全等方面的很大限制，所以，我们选择了搭景，这样一来，所有车窗外的光线、景色，还有人物的反光等都需要进行电脑处理。　　CGM：数字特效的加入使您的工作流程发生了哪些变化？　　赵京：流程上最大的变化就是数字中间片的出现。数字中间片是以2K或4K的分辨率将拍摄的电影胶片扫描进计算机，把画面转化成数字格式，而接下来的调色、剪辑、对口型、对音乐、对画面、洗印等工作将全部变成数字化的方式，也是后期特效处理的基础。　　这里有一组数据：一个好看的商业电影，一个小时内平均的电影镜头数应该有700-800个左右，而《建国大业》达到了每小时上千个。这种剪辑方式符合现代观众的观影习惯，但没有数字化手段的帮助，想要达到这样的标准是非常困难的。　　CGM：《建国大业》中，数字特效起到了哪些关键作用？　　赵京：首先，《建国大业》包含了历史上几个标志性的事件，比如阅兵和B24轰炸机轰炸延安，都是影片中的重头戏。但是B24的轰炸场景已经不可能在实际的拍摄中再现了，所以我们就需要借助CG动画的手段来完成。　　为了让画面更加真实，我们必须关注到很多微小的细节。比如做轰炸机四排发动机的时候，最开始4个螺旋桨的外观都是一样的，但我和特效总监讨论后的结果认为，螺旋桨在风速不一样的情况下应该有不同的转速，有高速旋转产生的回纹，有抖动，再加上飞机上的灰尘和不同地方的反光效果。这样才更显真实。　　另外，特效也会用于修改影片中的一些细节。比如我们排第一场戏的时候——张澜劝毛泽东在谈判的时候让步——毛泽东的痦子是粘上去的，但拍摄时灯光照在一个角度，让痦子看起来透明了，这时就需要通过后期特技一帧一帧对着镜头去修改。　　最后，为了体现共产党与国民党不同的风格，我与导演韩三平、导演黄建新、摄影指导赵晓时共同研究决定，在画面的颜色上分别以暖色调和冷色调对两个党派加以区分，这些颜色的变化都可以在后期中自由的调整。　　CGM：《建国大业》中的特效工作是否达到了您的要求？它对今后国内数字特效工作的开展产生了怎样的影响？　　赵京：我感到最骄傲的一点是，《建国大业》是我所了解的国内第一部所有特效都是由自己完成的影片。　　以前，国内在电影特效上也做了很多工作，但是都不完善。我们看过很多国外的影片，也学习了很多先进的东西，但实际拍摄起来还是会遇到大量的困难，像《集结号》的特效就是由韩国和加拿大的特效公司主导的。　　从这一点来说，《建国大业》的后期特效团队——中影集团电影数字制作基地立了一大功。虽然我们达不到美国那样非常成熟的产业链，但我们已经看到了自己的能力，不是设备上的，而是我们的制作能力。如果这部片子成功了，就可以说明我们在制作水平上、在审美理念上成功了。《建国大业》将为我们今后的制作模式提供一个最好的范本。　　CGM：《建国大业》的票房取得了轰动性的成功，您对此有何评价？　　赵京：中国的电影曾经因体制的转变而走到了边缘化的危险境地。而现在，通过一代又一代的电影人的努力，随着制作水平的不断提高，我们已经感觉到市场在回暖。而如何从根本上把更多的观众带入影院，将是我们今后为之努力的最重要的工作。
　　CG绘制的重庆朝天码头夜景　　　　《建国大业》飞机特技设想　　　　《建国大业》西苑阅兵镜头设定　　　　拍摄现场：　　
　　继续说技术和资金的关系：　　在一篇网友的 旧文里看到一段文字，大致可以了解《指环王》中那些视觉奇观是如何营造的：　　《指环王之护戒使者》对电脑特效的要求是顶级的，但还称不上独一无二，那些战斗场面，使用了数百个替身演员，如果放在现在，有特效软件帮忙，几十个便已足够。《指环王之护戒使者》不是纯用数字摄影机拍摄的，而是78%的镜头，也就是3100个左右的镜头用超35毫米的数字摄影机拍成，这在后期上色时造成了一点小麻烦。不能不提的还有，理查德-泰勒的威塔工作室也贡献巨大，制作了45000件各类道具，而服装师尼格拉-狄更是在40个裁缝的协助下做了 19000件衣服。　　到了拍摄第二三部的时候，威塔已经颇为壮大，光是威塔数字，雇员人数就翻了一倍，达到520人。顺理成章地，在第二部《指环王之双塔奇谋》中，特效镜头也增加到了799个----------------------------　　数百群众演员，如果减少则需特效软件替代。35毫米数字摄影机拍摄的3100个镜头，制作45000件道具，制作19000件衣服，这组数据大致能估算出多少成本，材料成本，人工成本{主演群演技术人员以及其他工作人员}，制造费用{水电费，维修费，固定资产摊销等}，管理费用，开发{购买}软件的资金。　　国产电影的特效肯定是无法比的了，首先资金跟不上，没有那么好的技术条件，也无法请到优秀的技术人才。
　　微博一网友对关于如何提高中国电影特效水平这个问题给出的建议：　　他认为我们的国产电影在特效制作方面的确存在很大差距，这个差距主要是基础教育没　　有跟上，他建议国家应该投巨资成立特效开发团队，调集大批数理化，机械制造，软件　　程序设计的精英人才，彻底攻克特效制作难关，将数理化知识和机械化制造渗透到电影　　制作的每个环节和领域， 像好莱坞那样，让电影制作完全工业化，这样我们的国产电　　影才有希望。　　想起一个老师的 话，国家强电影才会强。看来真是这样。
　　顶一下，好帖子。　　其实电影在不断地成长过程中，总要考虑在保证电影效果的同时尽量降低成本，因为没有投资来源，那么像电影这种集体化技术化要求很高的艺术就几乎无法完成其预定效果。　　电影之初就有了实景拍摄和摄影棚拍摄的不同手段，但是在摄影棚技术无法达到的情况下只能去考虑实景拍摄。然后随着后来后期制作的手段慢慢成熟、以及摄影基地的建立，很多拍摄就可以不用实景拍摄，而改为后期制作加工、特殊道具辅助，这样就可以在节省成本的情况下做到保证效果了。　　再后来随着数字技术的攀升，电影的拍摄就可以从拍摄到后期对成本和效果做到更为协调。　　所以我们就看了在同样成本下数字化拍摄比真实拍摄效果更加完美的片子，当然有些镜头是更本无法实景拍摄的（比如太空这样的题材）。
　　我觉得现在国产电影估计还谈不上成本控制，因为他们连基本的资金需求都无法满足，再控制的 话更达不到满意的 效果了。
　　@唐麟楼 　　我觉得现在国产电影估计还谈不上成本控制，因为他们连基本的资金需求都无法满足，再控制的 话更达不到满意的 效果了。　　-----------------------------　　好像也不能说基本资金无法满足，看着媒体报道的某某明星演员价位多少，一部电影总投资如何，似乎一点也没有很缺资金的感觉，大概还是分配出了问题，没有责任意识的结果。任何东西都要协调，相符才不至于引起过大的反感。
　　昨天去看了《一代宗师》，还是很不错的一部电影，的确像有些人说的那样，它并没有刻意的把自己打扮成3D的样子，就是那么娓娓道来平和的为观众讲述一个武术大师的传奇一生，以及对逝去的武林精神传统文化的深深缅怀。 就如戏里说的，所有的相遇都是久别重逢。
　　宗师里的面子和里子，戏里说人活一世，有的人活成了面子，有的人活成了里子，用导演的话说，活成什么，很多时候不在能耐而是时势使然。貌似面子和里子代表着境界的差距，在我看来都一样，暗事好做，明事难成，面子容易沾灰尘，这是做面子的难，做里子呢？如果藏不住，会在面子上呈现出来的，这是做里子的不易，可见做面子里子都不容易，都需要内外兼修，脚踏实地才行。
　　很喜欢《建党伟业》这部电影，那首《有一天》真的被感动了。　　　　用热血和理想浇灌的青春：　　　　志同道合的两位导师：　　　　浪漫的爱情：　　
　　分享一篇论文，论述美术在一部电影中的作用。　　从《建党伟业》看电影美术对历史的表达
作者：李婷　　本文摘自中国论文网，原文地址：/7/view-3801431.htm　　内容：如今，电影美术在电影的制作中占据越来越重要的作用，一部电影能否取得较好的视觉效果很大程度上取决于电影美术的设计，道具、服装、人物造型等都是电影美术的范畴。电影美术对影片的历史内容具有不同的表达特色，尤其是对那些具有特定历史意义的电影，特定的道具、服装等能营造一种氛围引起观众的情感共鸣。同时，结合时代新理念进行电影美术设计能够让观众获得不同的视觉震撼。本文将以电影《建党伟业》为例，探究电影美术是如何实现对历史的表达的。　　[关键词] 《建党伟业》；电影美术；场景；人物　　一部影片是由特定历史背景、特定人物与环境、特定事件构成的，因此，电影美术工作者在对影片进行造型设计时应收集历史资料，对影片讲述的历史背景有足够的了解和领悟，这样才能够利用电影美术为影片添光增彩。在进行电影美术设计时并非要真实还原历史，而是合理利用特定历史时期的元素造型，在特定环境内将其再现于银幕之上，发挥创新思维使其创作能让观众耳目一新，获得视觉上的冲击。如在电影《英雄》中讲究唯美的电影美术效果，因此其造型设计使用了诸多当时历史时期的造型元素，如青铜器、漆器、服饰等将传统东方美术追求的对称美、图案纹饰的大方美表现得淋漓尽致；在《投名状》中为将当时战争历史真实再现，在电影美术造型上尽可能利用视觉造型语言来表现战争的残酷、人物的勇敢，使影片更具有真实的历史震撼力。而在《建党伟业》中，电影美术不仅还原了那一时代的历史风貌，而且发挥创新思维重点突出了那一历史的浑厚与庄重。　　{未完待续}
　　一、电影《建党伟业》　　电影《建党伟业》可以说是《建国大业》的前传，是为庆祝建党90周年而拍摄，拍摄机构有海南广播电视台、中影集团等，韩三平、黄建新是该影片的拍摄导演。影片由三部分组成，每部分都由不同类型的演员来演绎，阵容庞大，有178位演员出演。第一部分以辛亥革命为主线，出演的都是较著名的演员如周润发、刘德华、赵本山等；第二部分围绕十月革命后在中国由知识分子掀起的一场“五四”爱国运动展开，引领中国人民开始革命的探索，也是由实力雄厚的演员来演绎，如刘烨、冯远征、张嘉译等；第三部分为了凸显影片内容的激情与活力，由张一山、汤唯、张鉴等年轻演员来出演。《建党伟业》讲述了1911年到1921年中国革命的探索历程，围绕着李大钊、陈独秀、蔡和森、张国焘、毛泽东、周恩来等中国共产党第一批优秀党员人物来展开叙述，再现了他们为挽救中国而英勇探索的精神事迹。整部影片的美术设计是以真实历史为前提进行艺术再创造，在造型设计时为凸显当时历史的宏伟气氛会进行适度的夸张与创新，而不是仅局限于历史资料的描述上，通过新时代的新视觉来进行电影美术的造型设计，既尊重了历史又具创新，进而使影片的艺术品味得到提升。　　二、《建党伟业》中历史的美术表达　　（一）历史场景的美术表达　　在拍摄影片的历史场景时采取实虚结合的方式，即一部分的外景在实地上拍摄完成，如湖南长沙、上海车墩和盛强、浙江横店等，一部分是在摄影棚搭景完成，然后在电脑上进行后期制作，有时在实地外景中也需要利用搭景来实现拍摄效果。如影片《建党伟业》中火车站的取景可以在易县获取，但影片中需要有火车站、码头的场景，而现今这种真实场景实在难寻，为了实现拍摄效果场景美术组在火车站前搭设了一些码头货运船，最后利用电脑来实现整体场景的渲染。此外，为拍摄宋教仁在火车车厢内遇害后黄兴追击刺客的场景，美术组对现有的旧车皮进行改造，改造出三节车厢还搭设了两个火车站，使拍摄得以顺利进行。在现实中，影片的历史场景大部分已经不复存在，但为了再现当时的历史场景就需要电影美术工作者发挥作用，实际上影片中大部分场景都是在摄影棚里搭建的，如火车站及周边环境、车厢内的场景，甚至北大校园都是通过搭景的方式来实现拍摄目的的。尽管北大校园、红楼还现在，但在实际拍摄时考虑到视觉效果、经费等问题，最后还是决定通过搭景的方式来拍摄。在拍摄时，摄影组搭设了一个三千米的棚，里面既搭设了部分的北大校园，又搭设了一个四楼高的建筑物，用以充当图书馆、教室、阅览室、廊道等场景的拍摄，逼真的场景设计、实体的高度能够给观众制造一种真实感，达到很好的视觉效果，也较好地解决了许多内外景的拍摄问题。　　考虑到拍摄经费与实际条件的限制，影片中许多搭设的场景既都实现了逼真的视觉效果又得到了合理的重复使用，如毛泽东与杨开慧一起看烟花的场景实际上也是在棚里拍摄的；而影片中图书馆、教室、李大钊办公室、展厅等都是在那座四层楼建筑中拍摄的。虽然有北大图书馆与红楼的建筑，但许多重大历史事件孕育的环境（如新文化运动孕育地、早期马克思主义传播地、“五四”运动重心地等）要将其转化成视觉造型则需要根据资料来进行美术造型设计，其建筑风格都遵循着原有的历史特色，给观众营造了一种当时历史时期的氛围，烘托了当时革命的精神风貌。而对于中共一大会址与南湖场景的拍摄也存在着许多现实问题，为了不破坏历史遗迹，这两个场景的拍摄大部分也是在棚内搭景来实现。由于那时弄堂结构较为复杂，对于一大会址弄堂结构具有不同的版本，对当时会议在哪个楼开也有极大的争议，美术造型设计依据影片中的一个情景（即密探“包打听”敲门进门后就看到了会议现场）推断出会议的地点在一楼，于是将场景设置进行了相关调整。　　（二）历史道具的美术表达　　在《建党伟业》中许多场景的道具都具有历史时代特色，因此需要特别制作才能使其更好地融入影片的拍摄场景中，对道具的尺寸、颜色、质感等都有严格要求，道具的设置需要与场景、服装相结合进行全方位的配合，要考虑影片的整体视觉效果。一些大的历史道具需要通过专业的道具师来制作，但北方的道具师其设计风格与南方相比存在差异性，理解上也存在着某些偏差，如上海具有年代性的道具和陈设都偏小，讲究精致，在这方面北方设计师的做工就不如上影厂，设计出的道具不具备点睛之处，因此该影片的导演选择上海本地的道具师来进行道具设计，而且与合作过的道具师联手在道具与陈设的制作上偏差更小、效果更好，能够达到电影美术设计者的要求。此外，影片中某些道具是由电影美术设计者自己设计制作的，如片中图书馆里的吊灯，美术设计者搜寻了相关素材还借鉴了天津老房子的设计风格，最后制作出实惠又极具视觉效果的吊灯，节约了道具组的设计成本与时间。 　　在影片拍摄之前，电影美术组就要到各场地去筹备和采景，然后才能开始对场景与道具的图画设计，前后需要花费三个多月的时间。除此之外，在正式拍摄期间其场景与道具的设计来自持续的设计中，需要配合拍摄进程来进行。有时前期的道具必须要在开拍之前制作出来，以便拍摄的需要，因此在开机之前三分之二的道具已经制作成功，而不会出现因为道具的缺失影响拍摄进度。而电影美术组的工作在资金与时间上都要与投资方和导演协调好，这样才能合理地分配好时间与经费，最终达到良好的效果。
　　（三）历史人物的美术塑造　　影片中历史人物的塑造离不开服饰的衬托，服装的风格与色彩都要与场景及周边景物协调好，使之能够与场景和谐融为一体。《建党伟业》是一部历史题材的影片，因此其服装的设计要在遵循历史年代的基础上进行新时代的创新设计，如女装方面需要有新颖之处，但必须处理得恰到好处，否则就与历史现实不符；而对于军阀的服饰虽然都是统一的灰色格调，为了能够使其与场景相融合并突出创新性，设计者通过模拟意境的色版设计方式确保精准，严格控制着服装颜色的基本色调，影片中，人物的服装以朴素型为主，体现出历史时代的庄重与深沉。该部影片的服装设计师王秋萍与剧组有过多次的合作，熟悉导演的要求，因此在对毛泽东服装的设计上更有信心。此次毛泽东的角色由刘烨出演，为突出毛泽东的人物特征在化妆、服装等方面都做了较多的努力与改进，如在嘴的原本造型上添加了东西让其更加神似，但演员刘烨在后来的表演中产生不适，最后取消了这样改动，通过化妆来进行弥补和调试。　　在历史人物的美术塑造方面以毛泽东形象为例，对于毛泽东形象的塑造进行了严格的商讨。譬如毛泽东下巴上有个痦子是他留在人们心中的印象，但是从诸多材料与老照片中发现其实年轻时候的毛泽东其痦子不明显，只是在中年时期才比较突出，最后遵循大多观众对毛泽东形象的记忆保留了痦子的造型设计。而在选择演员时，导演以历史照片做依据，通过现有的资料和感觉来挑选，最后选择了刘烨，在没化妆之前观众会觉得不可思议，而影片播出之后却给了观众出乎意料的视觉效果。　　（四）历史事件的特效表达　　现今得益于数字技术的发展，许多场景的拍摄变得更加方便，而且通过特效制作能够使效果更加逼真。在特效制作上为了使效果更加精确，导演会要求先勾画出草图然后进行设计，影片场景的道具有些是真实的，有些是通过电脑后期添加的，如黄浦江码头的场景，一些船头与栏杆是在摄影棚里搭建的，其他的都是后期在电脑上利用特效软件制作而成，就连黄浦江码头上的大船也是由特效制作，呈现出前景、中景、背景的拍摄效果，再现了当时黄浦江码头的场景，让观众感受到真实感。　　影片中利用特效制作的场景很多，内外景皆有。比如南湖会议时船内外的场景是利用原有素材和电脑特技合成的效果，为了营造一种意境在特效制作中添加了水墨画的效果，从而提升了影片的意境。又如“五四运动”期间，大量学生在天安门广场集结革命的场景也是通过特效制作来完成，先是在横店拍摄一些素材然后在电脑中合成。再如火烧赵家楼的戏，根据资料显示其发生地点是在北京站斜角，可是如今已不复存在，于是只能根据资料上描述的场景来搭设，最终搭建出一个具有中西建筑风格的门脸与院墙，最后在特效制作中合成。虽然，影片中许多历史事件大多由电脑特效来实现，但并不影响影片的视觉效果，影片中营造的气氛仍十分浓厚，让观众有种身临其境的感觉。同时，这也是时代进步的体现。　　三、结 语　　在电影《建党伟业》中，我们看到电影美术对历史具有极强的表达功能。虽然电影与美术是两种不同的艺术分类，但一部优秀的电影绝对离不开美术的设计成果，电影美术兼具了电影与美术的双重特性与优势，电影美术对影片中的造型设计、服装设计、道具设计都有极其重要的作用，通过美学原理能够使影片画面更加唯美与真实。尤其是对于具有特定历史时期的电影，电影美术发挥着更大的功能，既还原了特定历史时期的风貌，又对其进行了新时代的艺术再现，给观众带来不同的视觉冲击。
　　本文说道“华语电影的特效还刚刚起步，数字特效也只停留于数字空间建构阶段”，我的理解就是：就像这部建党伟业的拍摄那样，无法真实取景的，就是根据浩如烟海的资料前期重新设计，然后后期还原，做到尊重历史，既让观众觉得真实可信，又有一定的观赏性。建党伟业的拍摄团队也的确经历了这么一个过程。比如开拍前查阅大量资料，有的就实景拍摄，如俄罗斯的列宁办公室，克里姆林宫，辽宁的老式火车站，没有的估计就是根据资料设计场景模型，然后后期还原，或者营造意境的特效运用，这部电影虽然是主旋律电影，但是里面的人物并没有用特型演员，而是用的明星演员，以恢复那些风云人物年轻时该有的模样。而这样做的后果就是扮演他们的演员由于档期问题也只能在绿幕前拍摄几个镜头，最后只能通过特效将他们与背景浑然一体。　　以前我总感觉要拍那种科幻片，或者动画片才会运用到特效，现在发现其实就是反应普通人生活的电影也需要特效，因为场景的真实需要，画面的美感需要，演员档期不配合也需要。
　　那天看了赵老师执导的入围美国赛多纳国际电影节的《国医》的片花，从那深沉低婉的音乐一想起就把我深深的吸引了，看着画面上那精到的针灸技术，浓郁的色彩，有些悬疑的感觉。也许中医的博大精深，神秘莫测在我们普通人看来就是有点悬疑。　　可惜天涯不能发视频，算了就上传图片吧，明天再传。看看壮医大师年轻时让人羡慕和惹人惆怅的爱情故事。
　　《国医》　　现在还没有机会完整的看到这部从一千多部报名参赛的作品中脱颖而出入围电影节的《国医》，只能在它的片花里一睹风采了。不知道此种行为算不算出卖机密啊，我可不想当叛徒。　　丹峰碧岭 花者华也　　我为草本 普献精华　　割股之爱 菩萨心肠　　山足灵药 事多寿人　　----
主题曲之一《 采药情》　　阳光为酒花草为杯，暖洋洋的太阳洒满大地，让人陶醉的不仅是山清水秀的自然风光，那干净时尚又带有民族风的天籁之声，还有与之水乳交融的两个清新自然的年轻人的欢歌笑语和淳朴感情：　　山清水秀：　　　　　　
　　对不起，我的相机质量不好外加照相水平太差，实在拍不出片花里的那种人间仙境般的感觉。　　再说这部电影的表演吧，对于这部小小成本的电影，它表演的难道会在哪里了？是达到那种与自然相得益彰的纯天然境界？　　就如没有表演一样。　　　　　　　　
　　另一首以民族唢呐作为情感贯穿，运用壮族嘹歌音乐元素--斯格嘹，配以现代编曲，表现男女主人公的爱情被生生破坏，内心悲痛的歌曲《哭唢呐》，也是非常动听，真的很少听到这种具有时尚气息的原生态歌曲：/1054305.html　　惹人惆怅的 画面：　　　　
　　很希望能在大银幕上看到赵老师执导的这部小小成本的电影《国医》，从远离尘嚣的宁静中好好感受下中医的神奇力量和那些在中医文化的传承过程中舍生忘死的精神。它的神奇大概可以这样形容，引用网友的话说，如水，虽无形，但是却能容纳万物，如风，虽无痕，但是却能显现万象。被它征服的人，觉得它就是一个宝藏，取之不尽用之不竭。没有走近的人估计会对它充满疑惑，它有这么好吗？　　
　　还是回到博主这篇文章里谈到的动作捕捉技术，看看瑟金斯这位伟大演员在运用表情捕捉技术主导虚拟角色时背后的技术含量：　　动作捕捉技术，从运用角度看，在表情动画系统分为表情捕捉和身体运动捕捉，从实时性分为实时性捕捉和非实时性捕捉。　　分享来自百科里的一篇论文节选：　　动作捕捉技术，英文Motion capture，简称Mocap。是近年来非常流行的动画制作方法，主要应用于大型游戏制作、动画制作、影视制作等等。本论文主要对动作捕捉技术进行一定的总结与延伸，并发表一定的看法。总之，动作捕捉技术设计技术涉及尺寸测量、物理空间里物体的定位及方位测定等方面可以由计算机直接理解处理的数据。在运动物体的关键部位设置跟踪器，由Motion capture系统捕捉跟踪器位置，再经过计算机处理后向得到三维空间爱你坐标的数据。当数据被计算机识别后，可以应用在动画制作，步态分析，生物力学，人机工程等领域的一种高端技术。典型的光学式运动捕捉系统通常使用6～8个相机环绕表演场地排列，这些相机的视野重叠区域就是表演者的动作范围。为了便于处理，通常要求表演者穿上单色的服装，在身体的关键部位，如关节、髋部、肘、腕等位置贴上一些特制的标志或发光点，称为"Marker"，视觉系统将识别和处理这些标志，如图4所示。系统定标后，相机连续拍摄表演者的动作，并将图像序列保存下来，然后再进行分析和处理，识别其中的标志点，并计算其在每一瞬间的空间位置，进而得到其运动轨迹。为了得到准确的运动轨迹，相机应有较高的拍摄速率，一般要达到每秒60帧以上。　　　　如果在表演者的脸部表情关键点贴上Marker，则可以实现表情捕捉。目前大部分表情捕捉都采用光学式。　　有些光学运动捕捉系统不依靠Marker作为识别标志，例如根据目标的侧影来提取其运动信息，或者利用有网格的背景简化处理过程等。目前研究人员正在研究不依靠Marker，而应用图像识别、分析技术，由视觉系统直接识别表演者身体关键部位并测量其运动轨迹的技术，估计将很快投入实用。　　光学式运动捕捉的优点是表演者活动范围大，无电缆、机械装置的限制，表演者可以自由地表演，使用很方便。其采样速率较高，可以满足多数高速运动测量的需要。Marker的价格便宜，便于扩充。　　　　这种方法的缺点是系统价格昂贵，虽然它可以捕捉实时运动，但后处理（包括Marker的识别、跟踪、空间坐标的计算）的工作量较大，对于表演场地的光照、反射情况有一定的要求，装置定标也较为烦琐。特别是当运动复杂时，不同部位的Marker有可能发生混淆、遮挡，产生错误结果，这时需要人工干预后处理过程。
　　技术和表演　　读了这篇论文，我才明白要拥有像瑟金斯那样由真人主导数字角色的伟大演员，也不完全是只培养演员就行，背后还要有技术的支撑。而该系统的价格也非常昂贵，工作量大要求高。也许很多人会说只要有真实的情感就行，但是随着视野的开阔，审美的提高，人们总希望看到独特的表达，这就需要技术。需要强大的工业水平。　　再回到那位给国产电影提建议的网友的话，“国家应该投巨资成立特效开发团队，调集大批数理化，机械制造，软件程序设计的精英人才，彻底攻克特效制作难关，将数理化知识和机械化制造渗透到电影制作的每个环节和领域， 像好莱坞那样，让电影制作完全工业化，这样我们的国产电　影才有希望”。
　　再说特效{技术}跟资金的关系：　　人们一听到拍电影用特效要花钱，总觉得是这些创作者的名利和拜金思想在作怪。如果了解其中的拍摄原理，亲自参与过创作，应该就能理解为何需要资金的支持了。　　今天看了一篇文章，可以帮助我们越微了解下那个过程。　　原文地址：/note//　　特摘选一则关于特效和表演如何结合以及耗费的文字：　　发生时间：1939年。　　《绿野仙踪》是早期采用三色染印彩色法（Technicolor）的代表作，而且这部童话题材的影片运用了多种机械、光学的特效、及缩微模型、背投和绘景，代表当时好莱坞最先进的特效水平。比如有场戏，让扮演巫婆的演员站在液压操控的平台上，随后平台下降让演员消失，同时释放大量干冰蒸汽制造氛围，演员下降的时候戏服被固定在原处，所以形成巫婆消失的效果。更加复杂的是飞猴的制作，这混合了缩微橡胶猴与真人的表演。　　《龙卷风》场景结合了模型背投技术和真人表演，先拍下龙卷风下的外部环境，投影到演员背后的银幕上，演员在银幕之前表演，再用摄影机拍下整个场景。这个场景耗资1万2千美元，全片总成本高达280万美元，比同年《乱世佳人》的390万也低不了多少。
　　改革　　分享一篇百科里的文章：　　数字艺术学　　数字时代产生了诸多的新的艺术形态，在形式上，一方面利用新的媒介和手法，保留或复现了已有的艺术样式，另一方面由媒介或技术导致全新的艺术展现；在效果上，通过数字媒介和数字化手段表现的艺术作品，带给人们全新的审美体验和审美感受。艺术的创作过程也发生了巨大变化,无论艺术体验、艺术构思、艺术传达，都可以导入并运用数字化。艺术的新生门类——数字艺术由此蔓延生长，逐步形成独立的学科。[[1]]　　任何一门独立的学科必须具备其他学科不可替代的要素。数字艺术既然称之为一门新兴艺术，必定有其独特的艺术创作方法和艺术表现形态。从数字艺术的学科地位论证入手，并通过数字艺术的自生成现象和CG视觉美学现象两个方面深入分析，可以揭示数字艺术的本体特征。　　数字特效，数字角色，数字表演，数字场景，数字镜头等等，都属于数字艺术学的范畴，都可以通过数字技术完成你的梦想。
　　一网友问：文化和技术的结合构成了艺术。技术革新可能模拟演员的表演，但技术终究不能替代文化。表演需要技术，但是没有文化底蕴的技术性的表演，是否又是一种新的“匠艺”呢？
　　i qaj 不错，好贴，
　　华语电影中特效很棒的这部《狄仁杰之通天帝国》　　先发张图：
　　《狄仁杰之通天帝国》是一部将动作奇幻悬疑完美糅合在一起的商业巨制，虽然制作 费用比较豪华，被称为前无古人有些夸张，但是华谊为这部电影不惜巨资，并且还追加2000万的投资，应该也是事实。否则那真实的世界又要融入魔幻的气氛，还要符合导演将古代风神和现代人文融为一体的创作风格如何实现呢？　　创意的实现途径：　　造型：　　五位主演的服装就是40多款，5000套服装，造型设计除了借鉴敦厚壁画还有来自世界顶级服装设计师约翰·加利亚诺（John Galliano）、亚历山大·麦昆（Alexander McQueen　　T型台的设计灵感。　　群众演员：6000人次。　　图纸：1000多张。　　大场景：10个。其中包括360度的通天浮屠，和花10个 月时间建造的地下鬼市，将一处溶洞重新搭建用2000吨水灌注而成。　　特效画面：500个，由韩国特效团队制作。　　所有这些细节的打磨就是为了表现出盛世大唐的气象，雍容华贵，
大气瑰丽、
　　接着上楼，耗费巨资精心打磨就是为了要打造出一个既符合大众对那个时代的想象又区别于过去展示出的盛世大唐的气象，不仅是场面大气瑰丽，还要体现出大唐时期的多元和包容，慷慨自信的一种精神面貌，主人公狄仁杰是一个文武兼修 的东方英雄，虽然有着桀骜不驯的外表，但内心又富有正义感和责任感，他也被称为东方的福尔摩斯但是又比福尔摩斯身手敏捷。里面的每个人，导演都把他们塑造得很多面，武则天不仅是倾权天下霸气十足的女皇，她也有小女人的一面。包括上官婉儿。她跟武则天心灵相通。　　一张图纸　　　　草图和实物图的对照：　　　　360度通天浮屠建造中：　　http://img3.　　　　/p　　　　/m/.jpg　　在鬼市拍摄：　　　　电影中的鬼市：　　　　鬼市的图纸：　　　　　　　　人鹿大战的图纸：　　　　皇宫：　　　　各个人物造型：　　　　最威武霸气的武则天：　　
　　在这些特效运用得比较多的华语电影里，无疑《唐山大地震》是最感人的了，特别是当所有人对汶川地震的都还有着心有余悸的印象时，通过 影像看到1976年的那场大灾难，更是有了切肤的感受。很多人尽管没有亲身经历过唐山大地震，但是那种逼真直击人心的画面和恐惧，不安等等情绪还是 会穿越时空让今天的我们为之一颤。记得当时看这部电影，没有人不哭的，不管他装得多么的坚强和淡定。　　先贴个图：　　
　　祝自己元宵节快乐，祝所有过路的网友节日快乐，最后祝亲爱的赵老师节日快乐！也希望在美国您的《国医》能够深受观众喜爱。
　　一张图片帮助你了解特效对影片拍摄的重要性，图片来自新浪微博一个叫英国那些事的网友：　　
　　&阿凡达》的特效惊为天人，很棒，难以超越，但是它的制作费也很昂贵，无以企及，2亿8千万美金，耗时5年，《唐山大地震》的特效在国内的电影中算是很突出的，有没有超过好莱坞的电影呢，不知道，但放映那会，媒体和观众都认为《唐山大地震》的特效已经超越了《2012》。并且它的制作费却只有3000万。　　资金的大致分布：1：特效素材。由韩国特技团队负责。　　2：做大楼倒塌的测试和研发，耗时6个月，设计各种灾难镜头方案，搜集资料。包括模拟各种地震波的数据，做到真实的物理反应和质感。 　　3：震中的四分钟有多少镜头虽然不知道，但是一个镜头的成本是25万美金。　　4：其他使用特效的地方，如开始的一群蜻蜓，热带鱼从浴缸里蹦出来，两次地震的救灾场面和震后的废墟全景，以及电影中人物的断手臂。
　　&太行山上》的特效：　　先上传点图片，惨烈和残酷的战争场面：　　　　　　
　　&让子弹飞》也有不少特效。那个呼啸而过的火车，以及脱轨时车毁人亡时的场面。可能都是用特效完成的吧。　　　　
　　《让子弹飞》的首批观众，就是这位好莱坞的戏王之王罗伯特德尼罗和他的家人，他当时携家人到中国私人旅行，很低调，一到北京就直奔姜文位于太庙的工作室，于是全家就作为全球的首批观众观看了《让子弹飞》，赞它幽默惊险。　　
　　&展现航天人生活和精神面貌的电影《飞天》　　先传张漂亮的图图：　　
　　《飞天》这部电影虽然是一部主旋律电影，但是它的制作过程却有着精雕细琢，精益求精的态度。在为期一年的筹划和制作过程中，有80多名人员参与设计制作和管理，其中主创就达40多人。在最初设计的1000多个特效镜头中精挑细选出了600多个。　　　　《飞天》特效主要涉及物理特效的研究与制作，数字特效两个方面。其中，数字特效包括各种大小屏幕设计制作、宇航员选拔及日常训练，洪水及泥石流救灾、救援及雨雾气氛、四季变化、俄罗斯日常场景，梦境、伊尔飞机与失重舱（绿屏抠像、加水珠、食品袋、擦威亚），野外训练（雪景）、低压舱、水槽、返回舱、太空舱、太空维修、发射场，飞机、飞船的合成，等多重场次。这些镜头分布在影片的各个段落，可以说几乎所有镜头都有用到特效。特别是三维方面，全三维镜头就达120个之多。
　　几组在绿幕前拍摄和合成后的对比图，演员在虚拟场景中表演：　　　　　　　　
　　为何要用特效？{来自百科概览}　　影视特效做为电影产业中或不可缺的元素之一，为电影的发展做出了巨大的贡献。电影电视作品中为什么要出现特效?　　1 影视作品的内容及片中生物/场景有的完全是虚构的，现实中不存在的，比如说怪物，以及特定星球等。既然不存在，但是需要在影视中呈现出来，所以需要这方面的专业人士为创造和解决。　　2 现实在可以存在，但是不可能做出某种特定效果，同样也需要特效来解决。比如说，某人从三十层楼跳下来，现实中不可能让演员这么做，这就需要电脑合成。另外就是现实中完全可以呈现，但由于成本太高或效果不好，就必须用特效来解决。比如战争片中常见的飞机爆炸等。
　　特效的神奇魅力。来自电影圈的新浪微博　　
　　国内特效行业的 现状：{文字来自百科}　　近几年国内CG特效进步明显，比较有名的公司有中影集团的华龙公司，打着美国旗号的BASEFX公司等，还有一些国外特效公司在中国的分部，比方说多特蒙德、视点特艺等。但总体来说，国内CG特效水平与前述三家公司差了几个等级。如果说工业光魔是博士生，那么国内最好的公司也就高中或中专生的水平。　　香港特效公司代表有万宽和先涛数码等，近年FATFACE也不错，主要作品有周星驰的《功夫》《风云决》《长江七号&&机器侠&等，水平介乎与大专与本科生之间。　　近年国内电影投资较大而特效比较复杂的电影如&唐山地震&、&赤壁&等，主要部分都交给香港或国外特效公司完成。除去华龙等少数几家公司，国内绝大多数影视特效制作公司靠一些相对初级的电视剧特效和低成本电影生存，特点是制作费用低，要求也不高，从业者勉强生存。　　由于近年近千家大学开设了动画等相关专业，以及北京上海深圳林林总总数百家MAYA培训机构，初级人才已远远超过市场需求，动画毕业生平均动画就业率估计不超过百分之三十，刚就业的工资也大都800-3000左右（北上广）。无数学生花掉高额学费和培训费，却无法在行业立足；而院校及绝大多数培训机构为了自身利益，不遗余力鼓吹CG行业及影视特效行业等缺口十万十五万，一声叹息。　　国内电影业种，从投资人、制片人，到导演，对影视特效的认识还处在很缓慢的发展阶段，尽管人们都看到了美国影片带来的冲击。在我们已经具备了影视制作的能力的今天，大众和媒体都表现出了极大的兴趣，但这种兴趣并不是关注整个行业，而是关注美国电影中影视特效的同时，兼顾国内影视特效行业的一种关心。除了从业人员本身，并没有很多关心影视特效工作。　　在这种大环境下，影视特效的运用基本上有以下三种情况：（1）导演对影视特效感兴趣，想做些尝试。但尝试的规模很小，不是电影生产的全过程中，所以不能达到很深刻的效果。（2）在不考虑回报的影片中，影视特效的到了比较充分的应用。如：《冲天飞豹》、《惊涛骇浪》。（3）影片创作者希望影视特效给影片增添些亮点和卖点。在《致命一击》中，用计算机辅助完成了一些很难实现或根本不能实现的镜头。　　总而言之，影视特效尚未形成一种很规范的商业操作。真正处于商业目的的实用影视特效的影片很少，所以影视特效制作行业并没有形成。缺乏专业人员的窘境也困扰着这个尚未成型的行业，从事影视特效制作的人员很少是电影行业出身，多是计算机专业和美术专业的人员。对活动影像的理解还不够，用视听语言讲故事的本领还不强。但随着时代的进步，影视特效的本质和作用逐渐被我国的电影人认可，并加以使用。
　　这是电影《阿凡达》和《指环王》特效化妆大师的杰作，让花季少女瞬间变装，图片来自　　@摄爷朱洪宇 的新浪微博　　
　　虽然电脑特效神通广大，而且经过长期的发展，现在也可谓很成熟了，但是我始终觉得电脑特效和真人的表达可能还是应该会有所差距，很微妙的东西未必是特效可以做的，也许特效化妆可以弥补这些差距：　　
　　回复一下！
　　推荐一篇精品文章：计算机成像技术对中国电影特效的影响
　　/p-.html　　看来今后这个电影圈还不能只是学文科优秀的学生，还需要数理化学科都很优秀的人才才行。这样影片的人文精神技术 含量知识含量才能更好的实现。当然硬件是必须要 有充沛的资金保障。
　　火线追凶是不是数字电影　　
　　火线追凶应该就是数字电影吧。数字也不丢人。如今电影基本都是数字电影了。
　　我一直以为数字电影就是无法上银幕，只能在通过电视才能看到 的电影。　　搜了下百科：数字电影诞生于20世纪80年代，是高科技的产物。数字电影，是指以数字技术和设备摄制、制作存储，并通过卫星、光纤、磁盘、光盘等物理媒体传送，将数字信号还原成符合电影技术标准的影像与声音，放映在银幕上的影视作品。从电影制作工艺、制作方式、到发行及传播方式上均全面数字化。可视为完整意义上数字电影。
　　那天看了一篇文章，星浩公司介绍《大闹天宫》的资金运用情况，据说仅特效部分就用了近2亿，人工费用则7000千万左右，很多都是友情出演，宣发大概也有几千万。我感觉算是将钱用在正道的电影了。
　　作为一个资深的酱油党，我们需要做的不仅仅是路过，在路过的同时还要关心楼主，鼓励楼主，在这个冷漠的时代，给予楼主温暖。酱油党莅临的地方，不仅仅是挽尊，不仅仅是消灭零回复，酱油所过暖意无边－－－－－－酱油党。只为经验，回完就跑
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