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西安 莲湖 土门 专业古典吉他教学机构培养艺术特长
（归属地：
少儿/幼儿　成人
——你了解吉他吗?吉他（Guitar）又译六弦琴，是一种弹拨乐器，通常六条弦。形状与提琴相似。&在古典音乐领域，吉他通常以独奏、重奏、协奏的形式演出。吉他在流行音乐、摇滚音乐、弗拉明戈、蓝调、爵士乐等音乐形式中，常被视为主要乐器。且古典吉他与小提琴，钢琴并列为世界三大独奏乐器。在音乐史上有着独树一帜且不可替代的地位。吉他文化正式传入中国于上个世纪八十年代，由于学习条件有限，大多数人都自行摸索来学习，期间也成就了许多优秀人才。但在教学实践中大多没有太成熟的教学系统，教学方式过于个性化不适用于大多数学习者，好多学习者苦恼吉他难学，难提高。对于吉他老师而言，弹琴是艺术，教学更是门艺术。在吉他教学实际过程中主要存在“怎么弹””和“弹什么”这两个主要问题。我们认为首先要解决“怎么弹”。要主动去培养学员的音乐思维，传授较科学的弹琴技法，解答演奏中较基本的意识、发力、音色等实质问题。然后配合着相应的练习曲目让学员来实践教学内容，这就是“弹什么”。我们储存了大量不同时期、不同风格、不同难度的曲目，既要顾虑不同年龄学员的学习兴趣，也要科学提高他们的弹琴技艺。——为什么学习吉他：如果你想拥有一门特长或技能，想在演出时一展身手，那么吉他是你较好的选择，它不像钢琴、古筝那样体积庞大，不像笛子、口琴只能用于演奏，也不像小提琴难以上手、学习枯燥。吉他入门快，携带方便，可以独奏，也可以合奏与弹唱，尽显才华，脱颖而出。尤其是对于青少年来说，弹吉他有利于开发智力，培养协调性，促进大脑的左、右半球技能。无数事例证实，从幼年开始学习吉他的孩子在入学后，在理解力、接受力、想象力和创造性思维能力等方面，都显著高于一般孩子。同时，演奏吉他需要相对熟练的技术、技巧，需要有规律的、科学的、恒久的训练。对于培养坚强的意志、顽强进取的品质，以及踏实、严谨、科学的作风，都有良好的作用。——师资力量与教学法：卡伐蒂娜的音乐教师毕业于西安音乐学院、四川音乐学院等专业院校，学院派的出身不同于“自学成才”的野路子教学方法，而且不同于一般的培训机构兼职老师，我们的专职吉他教师可以保证您随时约课的自由性，更加保证了专业的教学态度和教学质量！由于我们结合了高效的教学方式，五线谱并不复杂，学乐器并不困难，提高课堂效率是我们的宗旨。因此，卡伐蒂娜的30分钟吉他课相当于其他机构45分钟的课，我们的45分钟课相当于其他机构的60分钟课，我们不会为了收费而拖长学生的课程，我们每节课内容都有丰富而明确的内容，无形中，为学吉他的学员缩短了学习的时间而且节省了一大笔学费！——课程安排课目：古典吉他 民谣吉他&尤克里里试听课：想要学习吉他的朋友或同学请拨打咨询电话或添加微信，即可获赠一节免费试听课，由学院派老师耐心讲解关于演奏吉他的基础知识和入门学习的技巧与正确练习方法。小组课：5人同进度教学 &60元/节 &共20节课时小&&课：2人同进度教学&&100元/节 &共20节课时单&&课：一对一教学 &&&&120元/节 &共20节课时——培训目标针对6-12岁的学龄儿童从较基础的古典吉他演奏技法和乐理知识开始，循循渐进的教会儿童如何持琴、弹拨、按弦，学习五线谱和音阶，学习演奏儿童类乐曲。在课程结束时达到基本的吉他演奏能力，并且加深对吉他和音乐的理解能力，为更深入的学习器乐演奏或其他门类的音乐艺术提供扎实的基础。针对12-18岁的在校学生根据学生对吉他及音乐学习的基础情况，有针对性的提供合适现阶段学习的教程和练习的教材。在学习基础矫正与强化的同时，有的放矢的开始全新阶段的吉他教育过程。根据学生年龄特点，逐步提高练习与演奏的技巧和能力，在课程结束时具备吉他考级的能力。针对18周岁以上针对吉他爱好者，提供系统的学院派教学方案，包括卡尔卡西、索尔、卡路里、阿瓜多、塔雷加及巴里奥斯等多部著名演奏家练习曲的学习，达到快速视奏和较高水平的演奏技巧，具备演奏大型古典吉他名曲的基本能力，提供古典吉他中高级考级曲目的教学指导。针对成人吉他爱好者可根据学习情况培养其成为我中心初级吉他教师。在获得初级吉他教师资格后，除正常薪资及奖励外，可享受免费学习的待遇，为成为一名合格的吉他教师和优秀吉他演奏者提供更多便利条件和学习捷径。土门学区地址:&土门西二环十字南500米路西艺腾国际六层开远门学区地址:团结中路西二环西500米翡丽城1-3-503
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学习吉他的几个阶段？
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我是一个新手，现在正在练习爬歌，和和弦转换，也自己练些简单的弹唱歌曲，我接触吉他的初衷是能够弹唱，但是弹得不错的朋友都说到了乐理的重要性，我现在对于乐理基本上是不懂的，这样是不是很不利于发展啊？想问问各位朋友，我应该在平常怎么学习乐理知识，手指练习和乐理学习应该怎么结合？可不可以帮忙制定一个简短的练习学习计划，感激不尽！
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吉他学习的几个阶段&一&
学习吉他确实是有阶段性的，不仅是技术上的，还是感觉上的，随着不断的深入学习，会有更多的体会，也就会有更多需要了解掌握的。一般来说，刚开始学习吉他时是一个比较艰难的时段，很多朋友都有这样的问题，拍子不准，换和弦不够敏捷。
让我们先来讨论一下第一个问题，拍子不准。节奏的感觉是需要训练的，首先要弄清楚2/4& &4/4& &6/8是怎么回事，副点是怎么回事，这方面所有的吉他教材上都有，这里就不多罗嗦了，搞清楚最基本的关于节奏的概念以后，我们就应该使用我们的脚了，用你的脚代替节拍器打节奏，嘴里把你要弹的部分正确地哼出来，然后再把东西弹出来，边哼边弹，这时候注意你的脚，不要让你的脚跟这你的手走，保持脚上拍子的准确，慢一点没关系，但一定要准确，如果还是不行的话，就把拍子拆开，一小结本来是4拍，那你就每小结剁8次脚，这样正拍反拍都有了，再把手上相应的东西填进拍子里，好了，这个小结就完成了。拆开节拍的方法很行之有效，再难的拍子也可以通过拆开而变的简单。
再来说说地二个问题，换和弦的问题，其实这个嘛，多练就可以了，当然也有偷懒的办法，比如说从G到F就是换不快的话，那我们可以事先把G弹成三把位的G，因为都是E和弦指型，所以只需要把左手平移到一品就行了，可以快很多。如果有人问，为什么G还可以这样弹，那么，恭喜，你要开始研究基本的乐理了，这将是你进入吉他世界最重要的一步。再你去学习基本乐理之前，是学习吉他的第一个阶段，有一部分人就是到这个时候开始发现给个什么谱子看着和弦都能弄下来，弹唱已经是轻车熟路，可就是进步不了，自己也想写个什么东西，可就是对不上点，就算偶尔能SOLO一哈，也不知道自己弹的是什么音。
哈哈，吉他，乐器也，再牛的吉他和再破的吉他都严格遵守12平均率，都遵守相同的E(纯4度)A(纯四度）D（纯4度）G（大三度）B（纯4度）E调弦《特殊调弦不在讨论之列》。好了，构成吉他最基本的音高结构做好了，你可以去自己摸索吉他上所有的音了。从现在开始，我们进入了学习的第二个阶段了。CDEFGAB的音程是怎么样的呢？1234567如何和那些字母联系起来呢，书上都有，只是你跳过没看而已，我也不在这里罗嗦了。其实这个时候学习的乐趣是很大的，理论联系实际，把所学的用到你弹的东西里去，前面说的那个三把位G就出来了，如果你愿意，可以把F也移到8把位去。
通过几个月的学习，很多朋友都很清楚的知道吉他上音的分布，相同和弦的不同按法了，可问题又来了，没事找几个哥们玩玩琴，可SOLO一下又觉得不爽了，老是那么几个音，不说难听吧，反正也是很好听，怎么办。那好，先弄清楚你想要一个什么效果，或雄壮，或悲凉，也就是说，是用大调式还式用小调式？学习有开始了，什么是大调式，什么是小调式，什么式和声大（小）调，什么是旋律大（小）调？还是一句话，看书去，书上什么都用。哈哈，但我可以告诉你一个小诀窍，SOLO的时候，特别是用小调式的时候，为了达到悲凉的效果，多用和声小调走音阶；同样，尝试使用和声大调和旋律大调走走SOLO音阶，这时候找感觉很重要的。
很多朋友这个时候已经在考虑买电琴了，问题也随之而来，买什么琴好呢？
这方面就交给思想兄弟搞掂好了，他是专家级的，我就不误人子弟了，嘿嘿。
通过一段时间和乐队的磨合，我们已经达到了另一个层次了，已经可以出去干活了，哈哈哈哈，可大多数朋友的目标并不是这个，而是成为一个艺术工作者。
那好吧，我们又要拿起书本了，再学学乐理吧；再把以前的唱片拿出来分析一下，想想人家在这个地方推的这个音为什么就那么爽；在这个小结突然把吉他贝司都收了是为了达到一个什么效果。研究，模仿，再研究----这个阶段大家常干的一件事情，嘿嘿，模仿没什么，模仿是为了找到自己的风格，自己的音色。为什么一听你就知道是SLASH在弹琴，就是因为他的音色和风格，我觉得，自己的风格比较难弄，这需要不断的丰富自己的阅历，但音色却简单的多，不要盲目崇拜那些经典音色，那都是别人正在用的。
做一个又特点的吉他手，找一个你听着舒服的，可以让你爽快的音色放在你的效果器里，以后别人一听就知道是你在弹琴了。
时间还多着呢，朋友们慢慢来吧，循序渐进，切忌浮躁情绪。最后还有一句话想送大家共勉——音乐是生活的一部分，但不是全部，还有，摇滚不等于长发。
[ 本帖最后由 quakejc 于
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```我滴``受益匪牵啊
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版主确实有见地，讲的很好！结合我的经验，我觉得还有以下几个地方可能大家在学习中都会碰到：
1）初学期：进步很快，每天都发现自己比前一天进步很多，欣喜中
2）上升期：进步没有那么快了，开始学习一些乐理，会碰到一些瓶颈，这个时候最典型的瓶颈就是大横按和和弦转换，很多人因此放弃，尤其女孩子，我见过好多……对于此，个人的建议是：坚持！所谓坚持就是胜利，曙光一定有的！
3）平台期：突破了上个阶段，你会发现自己一般的小曲都可以弹奏了，也可以和人合作表演，于是开始弹奏各种各样的歌曲……可是这个时间的你却发现自己进步速度慢了，甚至，很长时间都没有进步（或许半年，或许一年甚至更长），开始产生一些焦躁的心态，觉得自己水平只限于此了，于是，很多本来可以继续上升吉他手由于心态不好或者方法不对，也就停留在此了……对于此，个人建议是：坚持！还是坚持！！坚持的意思是要坚持不懈的学习乐理，学习各种吉他技巧，学习音阶，多听多弹（多听各种风格音乐，多弹一些经典编配的歌曲并从中学习）。虽然进步仍然不会很快，但是当你一段时间以后（比如一年）回头看，你就会看到自己的进步，并发现自己的视野开阔了……
4）发展期：这个时候的你已经算上高手了，可以开始发展自己的风格，弹出自己对吉他的理解了，不过还是要坚持学习，练习……
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原帖由 lidazui 于
08:57 发表
版主确实有见地，讲的很好！结合我的经验，我觉得还有以下几个地方可能大家在学习中都会碰到：
1）初学期：进步很快，每天都发现自己比前一天进步很多，欣喜中
2）上升期：进步没有那么快了，开始学习一些乐理 ...
赞同！！^7
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很高兴能够得到大家的悉心指点，谢谢斑竹，谢谢各位，我一定坚持练习，哈哈！:) :)
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受益匪浅，把这段话打印下来粘到书的第一页去
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版主确实有见地，讲的很好！结合我的经验，我觉得还有以下几个地方可能大家在学习中都会碰到：
1）初学期：进步很快，每天都发现自己比前一天进步很多，欣喜中
2）上升期：进步没有那么快了，开始学习一些乐理，会 ...
音乐是生活的一部分，但不是全部，还有，摇滚不等于长发。
& && && && & 受教了·&&，，，，，，很有道理。
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沟通：详细内容古典吉他学习指南 14:43:31&古典吉他学习指南第一卷很多人想学吉他苦于不知如何起步，还有很多人经过刻苦练习达到一定水平，但是却难以进一步提高。市面上理论书籍和教材玲琅满目，不过大多言语生涩难懂或是缺乏一个整体的音乐观，因此我决心对吉他学习的澄清一下初学吉他的常见问题和误区。第一卷主要介绍古典吉他的历史和乐器选购，主要针对想学其他还未起步的人.第二卷则是写给已经开始弹奏的演奏者,针对0-3级的初级爱好者。&第一章古典吉他的历史吉他的祖先可以追溯到公元前两三千年前古埃及的耐法尔，古巴比伦（两河流域的苏美尔文化）和古波斯的各种古弹拨乐器。考古学家找到的最古老的类似现代吉他（一样具有内弯的琴体）的乐器，是公元前1400年前生活在小亚细亚和叙利亚北部的古赫梯人城门遗址上的&赫梯吉他&。8字型内弯的琴体决定了吉他属乐器特有的声音共鸣和乐器特点，这也成为吉他与其它弹拨乐器。在十三世纪的西班牙，由波斯语逐渐演化成的西班牙语吉他（Guitarra）一词就已经形成，在当时种类繁多的乐器中，已经出现了&摩尔吉他&和&拉丁吉他&。其中摩尔吉他琴体为椭圆形背部鼓起，使用金属弦，演奏风格比较粗犷；拉丁吉他琴体为与现代吉他类似的8字型平底结构，使用羊肠弦，风格典雅。 文艺复兴时期是吉他的鼎盛时期。十六世纪四对复弦的吉他和它的近亲&&用手指弹奏的比维拉琴，在演奏与创作方面都达到了很高的水准。吉他和比维拉琴不仅深受民众喜爱，而且还常常成为宫廷乐器。当时的吉他、比维拉大师有米兰（Luis milan）、纳乐瓦埃斯（Luys de Narvaez）、穆达拉（Alonso mudarra），以及十七世纪时五组复弦的巴洛克吉他时代大师桑斯（Gaspar Sanz）、科尔贝塔（Cor betta）、维赛（Vi see）等。他们的许多作品现在仍是现代古典吉他曲目中的不朽财富。当时吉他、比维拉琴等乐器所使用的记谱方法还不是现在的五线谱，而是用横线来代表各弦，用数字或字母表示音位和指法，与现在民谣吉他中使用的六线谱类似的图示记谱法。 当时十分兴盛的乐器还有古钢琴和鲁特琴（Lute）。鲁特琴前身是阿拉伯的乌德琴（UD的原意是木头）。我国琵琶、胡琴等也是汉朝时由当时的阿拉伯国家即西域传入的。当时著名的鲁特琴大师道兰（Dowland）和魏斯（Weiss）等人的作品经后人改编，在今天的古典吉他曲目中也占有重要的位置。伟大的巴洛克音乐集大成者巴赫所创作的不朽作品如大提琴、小提琴组曲、奏鸣曲的吉他改编曲，在古典吉他曲目中的地位举足轻重，尽管有学者对巴赫有没有创作过鲁特作品提出疑问，但他所传世的四首鲁特琴组曲和少量鲁特作品，首首都具有不朽的价值。巴洛克时期的其他一些作曲家如维瓦尔弟的鲁特琴、曼陀林协奏曲，和D.斯卡拉第的古钢琴奏鸣曲的吉他改编曲都在古典吉他曲中占有重要位置。十八世纪后期鲁特琴和比维拉琴逐渐退出了历史舞台，五对复弦和其后出现的六对复弦的吉他也渐渐完成了它们的历史使命。1800年前后，全新的六根单弦的吉他以其清晰的和声及调弦方便等优点很快得到了几乎全欧洲的青睐，古典吉他的黄金时代终于到来了。十九世纪初，活跃在当时吉他音乐中心巴黎、维也纳还有伦敦的最著名的吉他大师有索尔（Sor），阿瓜多（Aguado），朱利亚尼（Giuliani），卡罗利（Carulli），和卡尔卡西（Carcassi）。其中索尔和朱利亚尼除了是吉他大师外还是出色的音乐家，他们以杰出的才华为六弦古典吉他创作了包括协奏曲在内的第一批大型曲目，为六弦吉他日后的发展奠定了基础。尤其索尔在创作上承袭海顿、莫扎特的古典音乐传统，除写作歌剧、舞剧音乐外，还为吉他创作了包括系统的练习曲、教程在内的大量优秀作品，被音乐评论家称为&吉他音乐的贝多芬&。阿瓜多、卡罗利、卡尔卡西的重要作品和他们所作的大量练习曲与吉他教程至今仍是古典吉他中的经典。在十九世纪还有不少音乐家喜爱并演奏吉他，如舒伯特、韦伯和柏辽兹，小提琴魔王帕格尼尼不但擅长演奏吉他，而且还曾放弃提琴演奏，献身于吉他达三年之久，为吉他写下了大量作品。十九世纪后期著名的吉他音有乐家考斯特（Coste）、默茨（mertz）、卡诺（Cano）、雷冈第（Regondi）等，他们为吉他创作的很多优秀作品都成为了十九世纪吉他音乐的经典。但是不可避免地，在钢琴、管弦乐、歌剧音乐发展的巨大冲击下，吉他在十九世纪中期以后渐渐失去了往日的辉煌，演奏与创作一度处于低潮，这种情况一直持续到十九世纪末吉他才再度复兴。吉他在十九世纪末再度复兴的生命力是在西班牙获得的。吉他能在二十世纪蓬勃发展并达到前所未有的辉煌，在很大程度上应归功于&近代吉他之父&泰雷加对吉他从制做、乐器性能、演奏技术直至曲目等各方面的深入研究和革新。泰雷加和他的老师阿尔卡斯一直致力于与吉他制作家托雷斯（Torres）合作，并最终生产出了琴体扩大、音量增大、乐器性能明显改善的现代古典吉他。毕业于马德里音乐学院和声与作曲专业，并且是位出色钢琴家的泰雷加尽管公开演出不多，但一生潜心研究吉他，创立了全新的演奏方法，创作了大量糸统和科学的练习曲与出色发挥吉他乐器性能的不朽名曲，他还选择改编了许多适合吉他演奏的古典音乐名曲，以扩大吉他的目曲范围。泰雷加的杰出贡献以及他的学生、后继者柳贝特（Llobet）、普霍尔（Pujol）等人的不懈努力，终于使古典吉他在十九、二十世纪之交重新获得了新的生命，为二十世纪吉他的辉煌打下了坚实的基础。二十世纪古典吉他强大的生命力是由伟大的吉他大师－－塞戈维亚（Andre Seqovia ），以其近七十年的演奏和探索一步步推向高潮的。塞戈维亚以他超凡的天才、坚定的信念和坚持不懈的努力，使吉他最终摆脱了沦为酒店、咖啡馆民间乐器的命运，使古典吉他作为音乐会独奏乐器的魅力被音乐界与世人所公认，最终使吉他克服了种种偏见，成为了和钢琴、提琴一样被人们广泛喜爱的高雅乐器。塞戈维亚还为吉他改编了大量著名音乐作品，如巴赫的无伴奏小提琴作品《恰空》等，大大丰富了古典吉他的曲目，最终使古典吉他的曲目在二十世纪无论在数量和质量上都达到和其他重要乐器一样的水平。在本世纪初几乎没有一个音乐学院开设吉他专业，塞戈维亚不但积极从事教学工作，培养了大批年青的吉他演奏家，他还鼓励世界各大音乐学院开设吉他专业，并鼓励他的学生们从事教学，而到现在世界上几乎没有几个著名的音乐院校不把古典吉他列为重要的专业。这是塞戈维亚对古典吉他的又一巨大贡献。现在活跃在世界各地音乐舞台上的无数优秀的吉他演奏家，几乎没有一个不直接或间接受过塞戈维亚的教诲或影响的。虽然大师已经离开了人世，但是每当我们演奏起吉他、或是学习吉他、或是观赏吉他演奏、聆听吉他音乐，甚至仅仅是谈论起古典吉他时，我们实际上都是前进在大师以毕生的功绩铺就的宽阔大道上和不朽的光辉中，尽管我们末必能时刻意识到这一点；但世界上不时响起的古典吉他那迷人的乐声，则是对大师最好的纪念和赞颂。&乐器的材料吉他的面板材料一般采用Spruce(白松）或者Cedar（红松）。白松琴的发声更为集中，而红松琴发声更为敏捷。白松面板是传统的面板木料。我们所说的白松，通常是产自捷克斯洛伐克地区的&德国白松&（German Spruce）。还有一些Spruce经实践证明是很好的吉他制作材料，比如某些日本的Spruce（Hokkaido Spruce）或者美国的Englemann、Sittka Spruce。红松面板的历史较短，则是Ramirez III率先使用一种叫做&西部红松(Western red Cedar) &的木材在面板上。古典吉他的背侧板一般使用玫瑰木，玫瑰木的硬度较大，具有很好的声音反射性能，同时，这种木材拥有非常高贵美观的木纹，是制作手工吉他的上等材料。玫瑰木有很多种类，常见种类有巴西玫瑰木、印度玫瑰木、洪都拉斯玫瑰木等。巴西玫瑰木硬度大，外观也比其他种类的玫瑰木美观，但是加工比较困难。同时目前巴西政府禁止砍伐巴西玫瑰木，市面上的巴西玫瑰木都是库存货，巴西玫瑰木的价格也因此变得非常昂贵。印度玫瑰木也可以具有美丽的外观，但是硬度不如巴西玫瑰木。吉他的指板一般是用乌木(ebony)，在一些低档吉他上面可能使用印度玫瑰木或者其他代用品。乌木应该是不经油漆就呈现出乌黑的颜色。吉他选材除了注重木材的种类，还注重木材的等级。判断木材的等级是一门学问，并不是越漂亮的面板材料等级越高。制作家一般从声音的角度挑选材料，因为每块材料的特点不完全一致，这就要求制作家根据每块木板的不同特性进行制作。因此对乐器的品质起决定性因素的是乐器的制作而不是材料。古典吉他的价位一把合格的古典吉他一般需要数百元，几十元的家具琴不能作为乐器使用。几百元的吉他一般是合板琴。一千多则可以选择面板为单板，背板侧板为合板的面单琴。面板为单板对发声有着很大的帮助。品质较好的全单板练习琴起价约为6000，面板为白松或者红松单板，背侧板应该为印度玫瑰木单板，一般由工坊手工制作。音乐会吉他起价为人民币30000左右。主流音乐会手工吉他价格在区间。某些吉他，由于历史原因或品牌效应，价格非常昂贵，例如Smallman, Hauser, Aguado等，这些吉他较有收藏价值。乐器的保养：指板清洁传统上采用柠檬油清洁指板。但是柠檬油的酸性会腐蚀指板和品丝，因此指板清洁不应过为频繁。不用琴的时候最好把琴放在琴箱内，琴箱与外界隔离，湿度和温度较为稳定，可以有效保护琴，也能保持乐器音准。琴弦琴弦是振动部件，因此衰老较快，需要时常更换。更换频率根据使用频率和琴弦本身特性而不同，一般更换频率在两周到三个月之间。音色可以靠更换琴弦调节，每种琴弦都有自己不同的特质，因此世界上没有最好的琴弦。下面介绍几个牌子的琴弦。美国达达里奥：J45/46 和其改型是最普遍的琴弦。音色中庸饱满，中庸的特性使得这一套琴弦就可以用在所有类型的音乐上。同时有数种受欢迎的改良型，EXP为低音抗氧化涂层型，LP代表低音改良型。美国奥古斯丁：奥古斯丁是最早生产尼龙吉他弦的厂商，音色传统，热情奔放。高音弦有三种，粗 中 细 ，低音弦也有三种，高 中 低 张力。注意奥古斯丁琴弦低音弦含银量较高，新弦音色非常好但是容易发黑，发黑的琴弦音色较新弦会有所下降。法国萨瓦列斯：产品丰富，编号混乱。总体上高音偏明亮，低音色彩中庸，直径粗细张力高低都可选，配合自己的琴，挑选一套各弦音色均匀的琴弦是不错的选择。琴弦寿命比达达里奥要长一些，价格也相应高一些。德国汉娜巴赫：价格非常昂贵，发烧友常用琴弦。型号非常多，总体来说音色纯净而明亮。其24K镀金弦725型号是吉他弦中最为昂贵贵的。意大利Aqulia: 除了出售尼龙弦也出售羊肠弦。其尼龙弦的音色最大限度模仿羊肠弦的音色，声音典雅古朴，甜美，价格较为昂贵。我们真正目的是在自己的吉他上表现更美妙的音乐，而乐器是表达音乐的桥梁，每一把乐器都有着其不同的灵性，乐器的声音也会随着主人的使用而有着变化。&初学吉他需要的道具砂纸推荐日本田宫牌砂纸，模型店有售，用于指甲的抛光。建议购买00 三个标号的。指甲锉用于指甲打磨指甲钳用于左手指甲的修剪脚凳或琴托建议购买琴托和脚凳各一个。节拍器进口品牌推荐精工，Krog，国货亦有小天使等不错的品牌。脚凳，节拍器和谱纸在琴行有售。&&第二章学习吉他的途径学吉他有多种途径，如果请老师教学，请选择有资质的老师。老师会为你制定好教学计划，教你技巧，纠正错误。如果打算自学，就需要收集足够的资料，多听CD，多看名家视频，认准一本教材学好，同时看看教学视频中别人是怎么弹的。有条件的不妨和琴友聚会，现场看看其他人是怎么弹琴的如果请老师教琴。在决定长期跟随某位老师学琴之前，最好和老师进行一次沟通并试着上一节课。&&第三章吉他好学吗？可以说吉他是非常好上手的一门乐器。吉他声音悦耳，简单易学，体积不大，因此受到非常多人的喜爱。吉他应该是全世界最普及的乐器了。民谣吉他，古典吉他有什么区别？一般来说民谣吉他和古典吉他构造稍有区别，民谣吉他琴颈较窄，使用金属制琴弦，适合弹唱和演奏现代流行音乐。古典吉他琴颈较宽，使用尼龙制琴弦，适合演奏早期音乐和古典音乐。我不识谱能学琴吗？当然可以！如果你打算请老师，那么老师必然会教的。如果自学，可以参考各本入门教材，入门教材必然会教识谱。我想买一把吉他，该买什么样的吉他呢？一般来说，请在经济能承受范围内购买最好的乐器，良好的乐器会让学琴之路减少许多不必要的波折。低档琴往往音准、手感都有问题，危害无穷。吉他初学者往往由于横按困难，按弦伤手而放弃，小提琴初学者往往由于受不了杀猪一样的声音而放弃。其实如果采用良好的乐器和琴弦，有着适当的指引，吉他初学者一样可以轻松横按，小提琴初学者一样可以拉出美妙的旋律。挑选吉他，请尽量让有经验的人陪同。查看琴体的各个部位有无破损，以及琴颈与琴箱之间和琴桥与面板之间，胶粘处有无缝隙或开胶现象。弦轴齿轮是否旋转顺滑。查看品丝是否平整，弹一弹看是否打品或有共振杂音。 检查不同把位和不同弦音量是否基本平衡，声音清晰，和弦时振动和谐，声音持续，平稳衰减。高把位弹奏时音量衰减程度要小。 值得注意的是，有些木纹是贴皮或画上去的，还有彩色吉他看起来漂亮，但是彩色往往是为了掩盖木料上的缺陷，还有异常光亮而厚实的油漆是不会产生好的音色的。初学者很容易被醒目的颜色或厚油漆的光泽所迷惑。& 初学者可以使用一些物美价廉的吉他过渡。如果在数年内决心进一步深造，则可以考虑选用全单板的吉他。第二卷第二卷写给0-3级的初级爱好者。第一部分音乐注重感性音乐首先是来源于感性的，大脑会对每一个乐音产生特定的反应。因为人的经历不同，不同的乐音会对不同的人产生不同的反应。一般认为音乐学习和语言学习有诸多相似之处，都是抽象表达方式。如果演奏音乐的时候仅仅是照着乐谱弹而心里想着别的事情，毫无疑问这将会是非常糟糕的演奏。很自然的，演奏者在大脑中将音乐通过自己的理解而表现出来&&这就提到技术层面上来了。前人将音符之间的内在联系，总结升华为乐理。乐理，用理性思维和抽象性思维来帮助理解和创造感性的音乐。在作曲家谱写音乐的时候，首先在头脑里形成一个印象，然后这一个动机可以在乐器上试一试&&但是这不是最终的音乐，例如谱写交响乐的时候，不可能有一个乐团给演奏者身边随时随地试验每一个音。旋律往往是自然而然来的，一个没有学过任何音乐的人，也能哼出自己的旋律来。但是音符的搭配却是需要一定的训练的，乐器的搭配，和声的旋律，都需要进行学习和训练。而最终这些技巧都要回到感性上的认识来&&听觉的感受。基本技巧四点式持琴最自然的演奏姿势是最好的姿势。四点式持琴之所以称之为四点，是因为吉他有四个支撑点，左腿，右腿，胸，右臂。大家知道根据力学原理，只需要三点即可保持稳定，因此右臂仅仅是辅助作用，很多人忽视了胸部的支撑作用而大量依靠右臂来保持琴的稳定，结果是右臂的移动受到阻碍，不得不多依靠手腕移动，这样做的后果是容易受伤。弹琴之所以前倾，原因是要压住吉他。拨弦试想一个问题&为什么吉他的音色要饱满？&也许演绎索尔和朱利亚尼需要饱满的音色，但是21世纪的音乐是非常多元化的，这对演奏者提出了新的要求，多元化的风格和技巧体系。以下列举几个有用的技巧点。延音非常简单，只需要按弦的手指不放开即可。弹空弦容易浑浊，特别是下行音阶的时候，可以下一个音左手手指按弦的时候稍微倾斜一点，这样就碰到 上一根弦达到消音的目的。低音弦消音，在一个音弹完，下一个音弹响的一瞬间拇指碰上一个音的弦达到消音，之所以是弹下一个音的时候是为了掩盖碰弦带来的轻微杂音。拇指外侧碰弦消音能偶尔为之，但是容易碰出指甲的杂音。消音与否需要根据音乐的需求。如果按照音效来分，吉他音效可以分为Stacto,Detache,legato,当然三种音效不是严格划分的，而是平 缓的过渡。为了达到三种音效，有靠弦，不靠弦，Spiccato 三种基本拨弦方法。Spiccato 即手指用力拨弦后 放松，手指自然弹起，这种拨弦法比靠弦要快，但是可以达到靠弦的音效，因此这种技巧也被称为半靠弦。一个演奏者是否纯属，很大程度取决于演奏者拨弦的稳定性和丰富的色调。为了凸显一点紧张感，适当的弹性速度能瞬间让曲子出彩。适当用保留指带出一点点滑音效果，注意保持微小到让人几乎听不出的程度，会让音乐顺滑如丝绸，而滑音带来的乐音更能遮盖换把带来的杂音。横按有多种方法横按，用食指向左拧横按出力较小，但是会让其他手指难以按弦。因此横按还应尽量笔直按下较好。左手拇指不出力，依靠手臂自然下垂的重力和手臂往后拉的力量按下。如果是大横按需要更多的力量，脊椎向左倾斜，依靠身体重量辅助，如果这力量还不够，胸口顶住琴把吉他往前压。目前国内流行Pumping Nylon 的技巧手册，但是这本手册的技巧有很多不足的地方，尤其是横按。依靠肩部发力，容易导致职业病。随时随地练琴关于培养音乐感，无论何时何地，走路还是躺在床上睡觉，脑子里就反复想某个曲子的技术细节，把手指的动作在脑海里雕琢，琢磨每个细节的处理。每个细节在脑海中模拟成千上万遍以后，拿起琴来自然得心应手。这已经是很多演奏者的共识，对于日程满满的演奏家和中日碌碌的现代人十分有用。&演奏穿着关于演奏时的穿着，牛仔裤是最差的 选择，牛仔裤会让琴在腿上打滑。而且紧身的衣服也不利于发挥。弹吉他的一定要穿带袖子的衣物，让右手 臂能自由滑动。所以小提琴家穆特演出 永远是穿露肩礼服夹住琴让琴不移动，而吉他演奏家约翰威廉姆斯永远是衬衫运动服让手臂更自由地滑动。安娜维多维克在吉他上加了一个拖。右手 手臂的滑动，直接影响到可拨弦的范围。左腿的位置，有两种观点，左腿自由，可以移动琴提供更多控制 ，或者左腿固定，提供稳定性。我选择更多的稳定性，因此我腿上垫一块防滑垫，有的人把防滑垫贴在吉 他侧板上，这样就更方便了。防滑布：放在左右腿上增加摩擦力，使持琴更加稳定。袖套：套在右臂上让右臂活动自如，尤其适合夏天使用，防止汗液让手臂黏在琴上。&成人学琴的尴尬成人在此并非指具体的年龄，而是超过理想年龄学琴。任何一个能看懂本篇文章的人，都可以看成是&成人&。学琴越早越好，早期音乐教育有着无可比拟的优点。如同学习一门语言，幼儿时期学习的语言可以成为一个人的母语，而大约7岁以后学习的语言，虽然也能流利地表达，但是终究是一门外语。音乐亦如此，虽然成人学琴理解力和判断力会更好，但是长期效果欠佳。由此可见成人学琴和幼儿学琴需要不同的教学方法。在这里主要探讨成人学琴的优势和劣势。成人学琴，一般精神会高度紧张。每一次拜访老师，每一次表演，成人的紧张程度是超过儿童的。紧张不仅仅体现在与人交流上，还体现在练习中。成人往往想太多的东西，比如&这个地方要怎么连音&，&那个地方要渐强。&，&右手手型要保持好。&等等等。虽然带着目标练琴是好的，但是很多时候反而成为了练琴的负担。同时成人需要考虑的东西太多，很难投入到音乐的练习中。&对了，下周有个报告要交。&，&哎，股票又跌了。&，&家里厕所水龙头漏水记得修。&等等杂念让成人练琴更难深入思考音乐。有时候成人会尝试用语言去描述一段音乐，比如某某乐曲描绘了一幅什么样的画面。但是音乐和语言是不同的表达方式，它有着它自己的符号，想要描述音乐，只能用音乐来描述。最后成人的身体柔韧度和可塑性低于儿童，这点会在技巧练习上成为一个致命伤。以上种种问题不仅仅出现在业余爱好者身上，也出现在不少专业演奏者身上。要让演奏者回到儿童一般的状态，换句话说要从&后天&回到&先天&的状态，需要特别的理念特殊的训练方法。具体到训练方法。首先是肌肉的拉伸，不仅仅是手指，而是全身的，全身的肌肉肌腱的拉伸和延展。然后是冥想或气功训练，进行意守、排除杂念、调息和内视的训练。瑜伽的锻炼对于音乐演奏来说是非常好的，多进行锻炼对音乐家也是十分有益的。在乐器的演奏上，需要开发自己的技巧体系，寻求一种最自然的演奏方法。技巧的训练，要做到&意&到音到，而不是不知所谓地弹出一大堆毫无生命的声音。技巧上需要做到忘记技巧的存在，完全用意念去演奏。音乐上则事先在脑中计划好音乐的织体和线条，在脑中做到胸有成竹以后再动手，而不是弹的时候都不知道自己要弹什么，尤其是吉他这种有品丝的乐器，要在没有按到品上的时候已经知道这个音是什么样的效果。吟唱的音乐旋律，弹出的音乐，要有歌唱性，旋律线条要试着去唱，而不是刻意去雕琢某个音的轻重强弱。感受音符的振动。音乐的每一个和弦，都有其特定的意义，细心感受多个音符带来的振动。让每一个音符在你的身边环绕，全身心地投入音乐之中。与音符共舞，身体和心灵，要与音乐的韵律互相协调。这就离不开节奏的训练，要摆脱学琴对节拍器的依赖，而是让身体去感受音乐的律动。训练打拍子，先是用手拍，然后加入嘴跟着念拍子，然后加入脚，然后加入身体，最后节奏进入内心。训练从跟着打拍子开始，到脚打拍子手打节奏到脚，手，口，身体各控制不同声部的节奏，循序渐进。通常节奏的训练是最难的，也是往往被忽视的。在跟上节拍器节奏以后就要关掉节拍器。尤其要注意的是，不用节拍器的训练，或者仅仅用手打拍子，是不能起到节奏训练的目的的。而这一切的目的，都是为了让身心彻底放松地去演奏，用纯粹的意念去演奏音乐。唯有这样，才能让心灵直接与音乐之气直接沟通。技巧的训练，目的在于让演奏者忘记乐器的的存在，乐器仅仅是表达音乐的一个桥梁。&}