对着书跟公开课视频看了一遍，收获很大，还有好多模糊的地方，还要重读的。最后几章读得很粗略，有点虎头蛇尾了。

译者: 佘志刚，李秀军
版次: 2012年4月第一版，2012年11月第二次印刷
读书笔记（开始时间:）
音乐传播方式：口口相传->乐谱->模拟->数字。
必须全身心地专注于音乐—不要将其仅仅作为其他活动的背景音乐。
交响曲（symphony）是为管弦乐队创作的音乐体裁或类型，又被划分为乐章（movements），典型的四个乐章速度分别为快速、慢速、中速、快速。
动机（motive）：是一种短而清晰的依靠自身的能量发生作用的音型。
协奏曲（concerto）是一件独奏乐器和（有时是对抗）整个乐队构成的音乐体裁。
和弦（chord）是两个或更多音高的同时发响。
音诗（tone poem）或交响诗（symphonic poem）是为管弦乐队创作的单章作品，试图捕获音乐中与故事、戏剧或个人经历相关的情感和事件。
节奏、旋律与和声是音乐的建筑材料。音乐的时间过程（节奏）是用放置在横轴的音符来表示，黑色音符要比白色音符运动更快。纵轴表示音高（旋律和和声），音符位置越高，所表示的音越高。
节奏（Rhythm）是音乐中时间的组织。节奏将时间划分为长、短段，并由此形成旋律的音高。拍子（beat）是将时间的过程划分为相等单元的均衡律动。最经常出现的拍子单位叫4分音符，是音乐中的一个基本时值。大多数音乐是2/4（4/4)和3/4拍子的。
切分音：将强音放在一个弱拍上或者拍子之间。
旋律（melody）是一系列音高的排列所组成的一个有凝聚力和令人愉悦的音乐线条。美丽旋律由四个因素构成：（1）一个稳定的调式中心。（2）向前运动。（3）一个目标或者高潮。（4）有一种安定感。
音高（Pitch）是音响或高或低的相对位置。
八度（octave）：振动频率相差两倍的两个音。
五线谱上有一个谱号（clef）来指明旋律被演奏或演唱的音高区域。升号（#）意味着将原有的音符上升到挨着它的上方键，降号（b）是降低这个音符到下方相邻的琴键上，通常都是黑键上。
听旋律是欣赏音乐最为重要的一个部分，旋律包含了作曲家想要传达的主要乐思。
旋律有一个中心音，称其为主音（tonic），旋律往往围绕着它进行，并且常常结束在主音上。围绕这一中心音的音乐组织结构被称为调性（tonality）。一个调（key）不仅表示一首作品建立起的调性中心，而且也表示它使用的音阶形式。
转调（Modulation）是从一个调向另一个调的改变。转调使音乐有了一种有力度的运动感。
大调旋律是明亮、愉快和乐观的，而小调旋律是暗淡、悲观甚至是不详的。大调常被选择来表现积极的情绪（快乐、胜利、自信、宁静、爱情等），而小调被用来传递消极的感情（恐惧、焦急、悲哀、绝望等）。
半音阶（chromatic scale）需要使用全部12个音，丰富了旋律的色彩。
旋律进行方式：1.级进（step）：从音阶的一个音到相邻的另一个音。2.跳进（leap）：从一个音到不相邻的另一个音。
和声为音乐增加了深度和丰富性。和声（harmony）被看做是为旋律提供支撑和丰富性的伴奏之声。
和弦是和声的构建块。和弦（chord）就是指两个或更多音高组合在同时鸣响。在西方音乐中最基本的和弦是三和弦（triad）。
主和弦建立在音阶第一级音上的，是最稳定的，其他和弦都朝它运动。属和弦（dominant）总是建立在音阶的第五音上，在音乐的结束句中特别倾向于进行到主和弦。下属和弦（subdominant）是建立在音阶的第四级音上，经常进行到属和弦，然后进行到主和弦，建立起IV-V-I的连续进行。和弦这样一种有目的的进行方式被称为和声进行（chord progression）。
一个三和弦中的音并不总是需要一起进入，可以在时间上先后出现。这样一种破碎的或断续的三和弦被称为琶音（arpeggio）。
刺耳、不协和的声音，称为不协和和弦（dissonance），产生愉快、和谐的声音，称为协和和弦（consonance）。
力度（dynamics）是音量的不同程度，包括强音和弱音。
色彩（color）就是由人声或乐器发出的任何声音的音质。
人声：分女高音（次女高音）-女中音-男高音（男中音）-男低音。
第6章 音乐的织体和形式
音乐的织体是指构成音乐作品的旋律线条的密度和配置。有三种主要织体：单音织体、复调织体和主调织体。
单音织体（monophony）：是没有伴奏的音乐的单一线条，是所有音乐织体中最节俭的织体。
复调织体（polyphony）：在音乐的结构中需要两个或更多的旋律线条。对位（counterpoint）就是两个或更多独立音乐线条的和谐对立。
主调织体（homophony）：各个声部或旋律线条大约都在同时运动到新的音高。主调不同于复调之处就在于声部的线条不是独立的而是互相依赖的，他们以一种紧密的、连锁在一起的方式向前进行。
曲式（form）：是对重要的音乐内容的有目的的排列。手法：陈述、反复、对比或变奏。
五种最受人喜爱的曲式：1.分节歌形式。2.主题和变奏。3.二部曲式。4.三部曲式。5.回旋曲式。
音乐中的风格（style）指的是音乐诸多因素（旋律、节奏、和声、色彩、织体和形式）在相互作用下产生的特殊的音响。
分期：中世纪（476-1474）、文艺复兴（）、巴洛克（）、古典主义（）、浪漫主义（）、印象主义（）、现代主义（）、后现代主义（1945-现在）。
各个时期的具体特点见后面的章节。
主要是宗教音乐，声乐为主。
旋律：大多在较窄的音域内级进，很少使用音阶中的半音。
和声：大部分是单声部的，没有和声。复调（弥撒、经文歌和尚松）有不协和的乐句，终止在开放的、音响空洞的和弦上。
节奏：主要用相等时值的音符演唱，没有清晰的重音节奏。复调多写成三拍子，并使用重复的节奏型。
色彩：主要是声乐的音响（合唱或独唱），器乐幸存很少。
织体：大部分是单声部的。复调（两个、三个或四个独立的旋律线条）主要是对位式的。
形式：分节歌、三部曲、回旋曲式。
第9章 文艺复兴音乐，
旋律：在适度狭窄的音域中以级进为主，可以看到一些紧张的半音。
和声：更小心的使用不协和音，三和弦作为一种协和和弦，成为和声的基本材料。
节奏：二拍子与三拍子一样常见。世俗声乐作品和器乐舞曲中的节奏通常是活跃而多变的，经常使用切分音。
色彩：更多的器乐作品保存下来，但主导的音响仍然是无伴奏的声乐。
织体：四个或五个声乐线条的对位复调织体在弥撒曲、经文歌和牧歌中随处可闻，偶尔也有主调织体的和声段落插入，以求变化。
形式：严格的曲式不常用，大部分是通谱体，没有音乐的重复，也没有标准的曲式结构。
第10章 巴洛克艺术和音乐导论
巴洛克（Baroque），用于形容年间的艺术，起初表示变形、过分和夸张。
巴洛克音乐的特点：1.有表情的旋律：各声部不再是相等，已汇总极向性发展起来。2.通奏低音：由低音驱动的和弦的支持，它由一个或几个乐器演奏。
巴洛克音乐的元素：1.旋律：一种是戏剧性、技巧性的歌唱风格，另一种是更加机械的，充满音型重复的器乐风格。2.和声：以和弦来构思的，而且与通奏低音紧紧地联系在一起。最短小和最常用的是V-I的终止式，这样的标准和声进行的出现，为音乐增添了方向性和内聚力。3.节奏：是以一致性为特征的。4.织体：用不断变化的方式处理音乐织体。5.力度：力度的突然对比比渐强和渐弱更受欢迎。
第11章 巴洛克早期的声乐
宣叙调（recitative）：单声歌曲的最简单的类型，是一种用音乐强化的语言，歌剧的情节通过它传达给观众。
咏叹调（aria）：比宣叙调更激情、更扩展，也更动听，它也倾向于具有一种更清晰的节拍和更有规则的节奏。咏叹调表达角色对这些事物的感受。
宣叙调经常有连珠炮似的歌词，而咏叹调则用更加从容不迫的速度来处理歌词。
咏叙调（Arioso）：是介于咏叹调和宣叙调之间的演唱方式，它比咏叹调更有朗诵性，但又不如宣叙调那么像说话。
在音乐作品中持续重复的一个旋律、和声或节奏叫做固定反复（ostinato）。当这种反复出现在低音时叫做固定低音（basso ostinato）。
第12章 巴洛克中期的器乐
器乐超过声乐成为主流。作曲家开始符合特点的写作（idiomatic writing），利用了特定的人声和乐器的长处，并避免了它们的弱点。
序曲（overture）是为一部大作品，如歌剧、清唱剧、芭蕾舞或舞蹈组曲的“开场”而创作的管弦乐。
奏鸣曲（sonata）是一种器乐的室内乐。
协奏曲（concerto）是一种以独奏者和管弦乐队之间友好竞赛为标志的音乐作品。
旋律模进（melodic sequence）是指一个音乐动机相继在音阶较高或较低的音级上的重复。
早期和中期巴洛克特点（）
旋律：级进运动较少，更大的跳进、更宽的音域和更多的半音反映了炫技性独唱的影响。
和声：通奏低音演奏稳定点的自然音和弦支持旋律，清晰而明确的和弦进行开始发展，调性减少到大调和小调。
节奏：有规律地重复的、有驱动力的节奏。
色彩：音色变得丰富多彩看，力度的突然转换（阶梯式力度）反映了巴洛克音乐的戏剧性。
织体：和弦式的主调织体占主导地位，顶端和底部的旋律线条是最强的。
形式：咏叹调和器乐作品经常运用通奏低音的手法，回归曲式在大协奏曲中出现，奏鸣曲和管弦乐组曲的大部分乐章采用二部曲式。
第13章 晚期巴洛克 巴赫
并没有发明新的形式、风格、技巧或体裁，而是对他们的音乐前辈所建立的那些东西进行精炼和提高。
赋格曲（fugue）：一首两个、三个、四个或五个声部演奏或演唱的作品，开始于一个主题，由各声部加以模仿（呈示部），接着是对自由对位的转调部分（插部）和主题进一步的出现。
持续音（pedal point）：通常是一个低音，它持续或重复一段时间，同时围绕着它的和声产生变化。
华彩乐段（cadenza）：协奏曲乐章的尾部由独奏乐器单独演奏的展示性段落。
第14章 晚期巴洛克 亨德尔
旋律：更长、更扩展和更不对称，惯用的器乐风格影响了声乐旋律。
和声：功能的和弦进行支配了和声的运动，和声有目的地从一个和弦移动到下一个。通奏低音继续提供强有力的低音。
节奏：激动的、驱动性的、有活力的节奏推动着音乐向前，“行走”低音造成节奏有规律的感觉。
色彩：器乐为主，一种音色在一个乐章或乐章的大部分贯穿使用。
织体：主调织体仍然是重要的，复调织体再次出现。
形式：奏鸣曲和管弦乐组曲中的二部曲式，咏叹调中的返始咏叹调，赋格曲中赋格手法的运用。
第15章 古典主义风格
把一个特定时期（）的音乐叫做“古典主义”音乐(Classical)。
一种新的歌剧形式—喜歌剧成为了社会变革的有力工具（comic opera）。公众音乐会出现，中产阶级从贵族手中取得了对高雅文化的控制权，古典音乐成为了公众的娱乐。钢琴出现了。
旋律：主题经常是优美的，动人的，甚至是如歌的。不仅旋律简单而短小，而且乐段喜欢用上下句或“问答式”的成对乐句加以组织。
和声：主调更多，复调更少。
节奏：更加灵活，使古典主义旋律与和声停停走走的特点变得生动起来。
织体：更关注创作迷人的旋律，不再有独立的复调线条层层叠加。对位的减少造成了一种更轻的、更透明的音响，特别是在织体的中间区域。
古典主义音乐的戏剧性：一部作品的情绪在几个短小的乐句中就可以迅速的改变。
第16章 古典主义作曲家：海顿与莫扎特
维也纳当时是古老的神圣罗马帝国的首都。由于有很多赞助人，维也纳吸引了来自整个欧洲的音乐家。
接下来介绍海顿和莫扎特。
第17章：古典主义的曲式：三部曲式和奏鸣曲-快板
如果一首三部曲式的作品是小调的，对比的B段通常在所谓的关系大调（relative major）上。
小步舞曲（minute）不是一种曲式，是一种舞蹈体裁。
三部曲式： A(小步舞曲) B(三声中部) A(小步舞曲）
具有戏剧展示、冲突和解决的潜力。奏鸣曲是多乐章的体裁，奏鸣曲-快板形式是一个乐章。
||引子||呈示部:主部-连接部-副部-结束部||展开部:任何或全部主题的发展-第二连接部|再现部:主部-副部-结束部||尾声（可选)||
呈示部（exposition），作曲家提出乐章的主要主题。以主部主题（或主题群）开始，而且总在主调上。然后出现连接部（transition或bridge），把音乐从主调带到属调（如果乐章是小调，则从主调带到关系大调），并准备好副部主题的到来。呈示部通常包括一个结束部（或主题群），经常只在主和弦和属和弦之间摆动。和声的稳定说明呈示部已近尾声。在最后的终止式之后，整个呈示部需要反复。
展开部（development）：主题材料的进一步展开在这里出现。主题可以被扩展或变化，或者缩减成几个音。当一个以上的主题同时出现时，戏剧性的冲突可能发生。不仅戏剧性得到发展，和声上也经常是不稳定的，因为音乐要迅速从一个调转到另一个调。只是到了展开部的结尾，调性的秩序才得到恢复，经常出现属持续音。当属和弦（V）最后让位于主和弦（I）时，再现部就开始了。
再现部（recapitulation）不是呈示部的精确的反复，但用同样的顺序演奏了同样的音乐材料。经常发生变化的只是连接部的改写。
引子、尾声是可选部分。
第18章 古典主义曲式：主题与变奏，回旋曲式
变奏的两种方式：（1）改变主题自身。（2）改变主题周围的因素（伴奏）。
回旋曲（rondo）有一个单独的、不变的主题（叠句）在一遍又一遍地返回。
第19章 古典主义体裁：器乐
体裁指音乐风格的特殊性质、表演的手段，甚至与一类音乐相联系的演出场所。
交响曲（symphony）：采用快-慢-小步舞曲-快的形式。
弦乐四重奏（string quarter）：每个声部只有一个演奏者，第一小提琴、第二小提琴、中提琴、大提琴。
奏鸣曲（sonata）是一种三个乐章（快-慢-快）的作品。
协奏曲（solo concerto）：为广大听众而创作的一种大型的、三个乐章的作品。
 华彩乐段（cadenza）：独奏者单独演奏各种快速的音阶、琶音、以及前面出现的主题片段，构成一段幻想曲式的即性演奏。
第20章 古典主义体裁：声乐
歌剧是戏剧，但是戏剧靠音乐来推动。喜歌剧引进了声乐重唱（vocal ensemble），它允许情节更快地展开。不是等待每个角色相继演唱，而是三个或更多的角色同时表达他们自己特定的情感。
第21章 贝多芬：通往浪漫主义的桥梁
旋律：短而均衡的乐句建立调性旋律；声乐对旋律的影响比器乐的影响更大。经常出现的终止式带来轻松、愉快之感。
和声：和弦变化（和声节奏）比率的戏剧性变化，产生力度的改变和流动；阿尔伯蒂（Alberti）低音的简单和声进行，产生更多的活力。
节奏：更多样式的休止和进行节奏；单一乐章中有更大的节奏变化。
音色：乐队规模更大，新的乐器。
织体：主调；薄而淡的中低音区，因而轻而透明；复调风格退居次要地位，主要是对比。
形式：一些标准的曲式出现在很多古典音乐中：奏鸣曲式-快板，主题与变奏，回旋曲式，三部曲式（为小步舞曲和三声中部），以及双呈示部（为独奏协奏曲）。
第22章 浪漫主义导论
对自由、对大胆的行为、炽热的情感和个人表现的新的渴望。
浪漫主义经常被定义为对古典主义的理性、法则、形式和传统的反抗。艺术家们关注人类的想象力和大自然的奇迹。
19世纪中叶，有创造力的音乐家的地位达到了空前的高度。他们创作的音乐也因此从娱乐转变为艺术。音乐不是给欣赏者带来即刻的欢乐，而是要满足作曲家深层的创作冲动。他们成了艺术家内在个性的延伸。
我们对作曲家的看法，怎样看待艺术作品，能够期待在一场音乐会上期待听到什么，甚至在一场演出中的举止，都并非古已有之的永恒理想，而是浪漫主义时期所创造的价值观。在许多方面，19世纪早期兴起的对艺术和音乐的看法，至今依然支配着我们的思想。
旋律：变得宽广，强有力的音流好像要把听众卷走似的。变得更长，更加灵活，形式更加不规则。
和声：创造了半音和声（chromatic harmony），是在全部12个音的半音音阶内部的另外五个音（半音）上建立的和弦，产生了使我们联想到浪漫主义音乐的丰满而华丽的音响。鼓励大胆的和弦转换。通过新的、惊人的不协和音将“浪漫的”情感注入他们的音乐。延长的不协和音，适合于常见的爱情题材的音乐。
结构：向大型和小型发展。
音色：有表情，更大规模，更大音量。
指挥家和演奏家：较之前更加重要。
第23章 早期浪漫主义音乐：艺术歌曲
艺术歌曲（art song）：为独唱和钢琴伴奏而作的具有很高的艺术灵感的歌曲。
声乐套曲（song cycle）：许多首单独的歌曲紧密地组合起来，讲述一个故事或者表现一个主题。
通谱体（through-composed）以旋律与和声材料总在变化为特点的音乐作品，从头至尾一直是在发展着，没有明显的重复。
第24章 早期浪漫主义音乐
标题音乐（program music）是器乐曲，为交响乐队创作，寻求对一些非音乐素材中描绘的事件和情感进行声音再创造。
交响诗（symphonic poem）：单乐章的管弦乐作品，用音乐来表现与故事、戏剧、政治事件或个人经历有关的情感和事件。
第25章 早期浪漫主义音乐：钢琴音乐
技术改进，使钢琴的表现力增强。19世纪中叶，钢琴装上两个踏板，左边是弱音踏板（soft pedal），主要是通过转换与琴弦相应的锤子的位置来弱化音量。右边的踏板是延音踏板（sustaining pedal），它能够使琴弦在演奏者的手离开相应的琴键后继续发声。
第26章 浪漫主义歌剧：意大利
19世纪常被称为“歌剧的黄金时代”。意大利作曲家将他们的精力集中在独唱中的旋律，即美丽的歌唱艺术，或美声（belcanto）上。威尔第通过创造一种新型的宣叙调和咏叹调来创作出强烈的激情和不停顿发展的情节。宣叙调仍然是叙述情节，咏叹调仍然是表现角色的感情状态。但威尔第用乐队伴奏的宣叙调取代了简单只用数字低音伴奏的宣叙调，这使得演员的表演更加顺畅地从乐队伴奏的宣叙调过渡到乐队伴奏的咏叹调或反之，而没有织体上的剧烈改变。至于咏叹调，威尔第带给了它一种新的张力。
卡巴列塔（cabaletta）是一种快速结束性的咏叹调，其中音乐的加速允许一个或更多的独唱者在一场或一幕的结束处，在舞台上竞相演唱到最后。
第27章 浪漫主义歌剧：德国
德语国家土生土长的歌剧统称歌唱剧（singspiel），是一种音乐喜剧或轻松的音乐戏剧。
瓦格纳的乐剧（music drama）是一种为舞台创作的音乐作品，其中所有的艺术—诗歌、音乐、表演、哑剧、舞蹈和布景设计—都作为一个和谐的整体而发挥着作用。这样一种艺术的联合体，瓦格纳称之为“整体艺术品“。
主导动机（leitmotif）：是一种短小而独特的音乐单元，代表着一个人物、事物或观念，它们多次反复出现，以便促进戏剧的进展。瓦格纳的主导动机通常不是被唱出，而是由乐队奏出的。
第28章 19世纪现实主义歌剧
19世纪下半叶在欧洲兴起了一种与当时社会的真实性更加一致，它被称为现实主义歌剧（realistic opera），因为这种题材用现实主义的手法探讨日常生活中的问题。
哈巴涅拉（Habanera）在音乐上是指19世纪在西班牙人所属的古巴发展起来的一种舞蹈歌曲，它在音乐风格上的来自非洲和拉丁的影响可以从下行的半音音阶和静止的和弦运动（每小节的强拍都落在低声部的D音上），以及不断重复的节奏型中看出。
第29章 音乐和民族主义
政治影响音乐，一些国家统一，一些小国取得独立，他们各自都通过艺术的表现来强调其文化个性。
介绍穆索尔斯基和德沃夏克。
第30章 晚期浪漫主义的管弦乐
在19世纪最后几十年，管弦乐逐渐成为欧洲音乐界的霸主。乐队规模不断扩展，演奏的音乐体裁的种类也越来越多。
浪漫主义交响曲的模式仍是古典主义时期的四乐章的结构模式：（1）快板、（2）慢板、（3）小步舞曲或谐谑曲、（4）快板。但交响曲规模上越来越大，其结果是作曲家创作的数量越来越少。
介绍勃拉姆斯、柴可夫斯基、马勒的音乐。
旋律：悠长而如歌的旋律线条，带有强有力的高潮和有表现力的半音。
和声：更多的半音使用使得和声更加丰富和色彩化；富有表现目的的突然的远关系转调；表现痛苦和渴望情感的更多的不协和音。
节奏：节奏灵活，但经常变化缓慢，因此节拍不清晰，速度可以波动很大（自由速度），速度也可以非常慢。
色彩：乐队规模变得非常大，乐器增多。表现力增强。
织体：主调织体为主，但由于乐队更大而变得密集而丰富，钢琴的持续踏板也增加了织体的浓度。
形式：没有新的曲式，而是传统曲式，但长度扩展了，传统曲式也运用于像交响诗和艺术歌曲这样的新体裁。
第31章 印象主义音乐
19世纪末在法国兴起的反对德国浪漫主义音乐的运动被称为印象主义（Impressionism）。在音乐家方面，他们从视觉艺术中找到灵感。
旋律：从短小的音响敲击到悠长的、自由流动的旋律线条，十分多样，旋律很少是如歌的，经常在起伏波动的音型中快速地转动，半音阶、全音阶和五声音阶经常取代通常的大小调音阶。
和声：主调织体为主，三和弦被扩展为七和弦和九和弦，这些和弦经常平行运动。
节奏：通常是自由而灵活的，带有不规则重音，有时造成难以确定节拍，节奏的固定反复的运用带来静止而不是运动的感觉。
音色：旋律的主奏乐器多为木管和铜管乐器，很少用小提琴；被写出的独奏乐器更多表现的是自身的色彩，就像它演奏的旋律线一样重要。
织体：可以从轻薄到厚重产生很多变化，钢琴的延音踏板经常用于制造水波的音响，从低到高或从高到低快速跑动的滑奏。
形式：很少使用包括整齐反复在内的传统曲式，作曲家尝试发展出一个独特的并特别适合每部新的音乐作品的曲式。
作曲家受中国等亚洲国家音乐，还有西班牙音乐的影响。
第33章 音乐和艺术中的现代主义
20世纪早期的音乐风格：
1.旋律：更多的棱角和半音。
2.和声：不协和音的解放，新的和弦，新的系统（七和弦、九和弦、十一和弦）
3.节奏：新的不平衡的节奏与不规则的节拍。
4.音色：从新的来源获得新的音响。
第34章 20世纪初的现代主义
斯特拉文斯基的创新：令人震惊的管弦乐队、不规则的重音、多节拍、多节奏、固定反复音型、不协和的多和弦、情节。
第35章 俄国和东欧的现代派
普罗科菲耶夫、肖斯塔科维奇和巴托克的音乐。
第36章 三个美国人的声音
艾夫斯、科普兰和茨威利希的音乐。
第37章 后现代主义音乐
平等、多元的音乐世界。
电子音乐、偶然音乐、亚当斯与简约派、谭盾与全球化。
旋律：音域宽广的跳进旋律，经常通过八度移位的运用产生半音的、不协和的、棱角分明的重音。
和声：高度不协和，多调性，无调性
节奏：生动有力的节奏。
音色：本身成为形式和美感的动因。
织体：和作曲家创作的音乐一样富于变化与个性。
后现代主义：1945-今
风格倾向不能再辨别出来。高艺术和低艺术之间的界限消除了，所有艺术或多或少具有同等价值。用电子音乐和计算机进行实验。公认的音乐基本原则经常被放弃。叙述的音乐（有目标定向的音乐）被拒绝了。机遇音乐。西方古典音乐传统以外的乐器的使用。记谱方式的变革。
第38章 布鲁斯与早期爵士乐
布鲁斯（blues）是源自19世纪八九十年代的美国南方的一种黑人民歌。（所谓蓝调音乐吗？）布鲁斯通过口传方式流传：表演者直接从另一表演者那里学习而无需记谱的音乐。
爵士乐（Jazz）：是一种活跃的、精力旺盛的音乐，带有跳动的节奏和闪烁的切分音，通常由一个小型的器乐组合（小乐队）或者是更大型的组合（大乐队）演奏。
爵士乐更加抽象，更不悦耳，拍子更不清晰，逐渐远离大众关注。
第40章 叮盘巷和百老汇音乐剧
温什格和伯恩斯坦的音乐。
第41章 摇滚乐：叛逆的音乐
摇滚乐这种体裁在1950年前后出现于美国南部。
聆听练习答案（个人版，请指正）
4. 大小小小大 大大小大小
9.双簧管，大提琴，长笛，低音提琴，单簧管，大号，长号，法国号，小提琴，大管
10. 单簧管，单簧管，低音提琴，长笛，长笛，长号，单簧管，长笛，长笛，单簧管，单簧管，
11. 单簧管， 长笛， 大管， 大号， 单簧管， 单簧管， 长笛， 单簧管， 长号， 小提琴，中提琴，大提琴，单簧管， 大管， 长笛， 法国号，单簧管， 大管， 小提琴， 大提琴。
12. 单，复，单，主，单，复，复，单，复，主。
14. 复，圣，复，圣，复，圣，复，圣，复
42. 是是是否否否是否是 更多