论钢琴伴奏对声乐演唱的重要性--《艺术教育》2014年08期
论钢琴伴奏对声乐演唱的重要性
【摘要】：钢琴伴奏是一门音乐表演艺术,钢琴伴奏对于钢琴演奏者的音乐感、应变能力、反应速度和默契的配合度都有很高的要求。钢琴伴奏不仅仅是弹奏出谱面上的东西,更深层次的意义是为广大演唱者提供完美的合作和及时的帮助与协调。
【作者单位】：
【关键词】：
【分类号】：J624.1【正文快照】：
弹声乐与钢琴的二重唱奏,对于钢琴演奏者音乐感的培养,以及与人配合的精神有重要意义。此处没有用钢琴伴奏来描述,因为习惯上大多数人认为,钢琴伴奏像“绿叶衬托红花”一样对演唱者的旋律起到烘托和陪衬的作用。但是从更深层次的意义来说,钢琴伴奏是整个音乐作品表现过程中不
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【名词解释】　
　　声乐是指用人声演唱的音乐形式。声乐包括：美声唱法、民族唱法和通俗唱法，现在中国又出现了原生态唱法。
　　人声按音域的高低和音色的差异，可以分为女高音、女中音、女低音和男高音、男中音、男低音。每一种人声的音域，大约为二个八度。
一、女高音
　　女高音的音域通常是从中央c即小字一组的c到小字三组的c 。演唱女高音的歌手，由于音色、音域和演唱技巧的差别，又可以分为抒情、花腔和戏剧三类。抒情女高音的声音宽广而清朗，擅于演唱歌唱性的曲调，抒发富于诗意的和内在的感情，冼星海的《黄河大合唱》中的《黄河怨》就是一首抒情女高音独唱曲。花腔女高音的音域比一般女高音还要高。声音轻巧灵活，色彩丰富，性质与长笛相似，擅于演唱快速的音阶、顿音和装饰性的华丽曲调，表现欢乐的、热烈的情绪或抒发胸中的理想。如意大利作曲家贝内狄克特的声乐变奏曲《威尼斯狂欢节》就是由花腔女高音独唱。戏剧女高音的声音坚强有力，能够表现强烈的、激动的、复杂的情绪，擅于演唱戏剧性的喧叙调。意大利作曲家威尔第的歌剧《阿伊达》第一幕第一场中的《胜利归来》就是一首典型的戏剧女高音独唱曲。
二、女中音
　　女中音的音域和音色都在女高音和女低音之间。音域通常从中央c下面小字组的a到小字二组的a 。法国作曲家比才的歌剧《卡门》中的女主角卡门是一个放荡、泼辣的吉普赛女郎，运用女中音演唱恰好表现了卡门的野性。
三、女低音
　　女低音是女声中最低的声部，音域通常从中央c下面小字组的f到小字二组的f 。音色不如女高音明亮，但比较丰满坚实。俄罗斯作曲家柴可夫斯基的歌剧《叶甫根尼&奥涅金》第一幕第一场的《奥尔伽的叙咏调》就是由女低音独唱。
四、男高音
　　男高音是男声的最高声部，音域通常从中央c即小一字组的c到小字三组的c 。按音色的特点可分为抒情和戏剧二类。抒情男高音也象抒情女高音一样明朗而富于诗意，擅于演唱歌唱性的曲调。戏剧男高音的音色强劲有力，富于英雄气概。擅于表现强烈的感情。柴可夫斯基的歌剧《黑桃皇后》中的男主人公格尔曼，就是典型的戏剧男高音。
五、男低音
　　男低音是男声的最低音。音域通常从小字组的e到小字二组的e 。按音色的特点还可细分为抒情男低音和深厚男低音等。男低音的音色深沉浑厚，擅于表现庄严雄伟和苍劲沉着的感情。马可等作曲的歌剧《白毛女》中的杨白劳就是男低音，浓重的歌声倾诉出心头的满腔悲愤。
六、男中音
　　男中音的音域和音色介乎男高音和男低音之间，在一定程度上兼有两者的特色。音域一般从小字组的降A到小字二组的降a 。冼星海的《黄河大合唱》中的《黄河颂》，就是著名的男中音独唱曲。这首歌以宽厚的曲调，雄浑的气魄，展现了一幅气象万千的黄河的壮丽图景，它象征着我们民族伟大而崇高的精神。
【发展历史】
一、圣咏音乐是美声唱法的萌芽
　　美声唱法起源于欧洲，它的产生不仅与欧洲音乐的发展过程有着密切联系，而且作为人类文化意识形态的一部分，它同样也是社会、时代发展的产物。13世纪前的欧洲音乐均为单声部音乐，其中，古希腊的声乐也以单声部为主，并受到严格的诗歌韵律的支配，主要以独唱、齐唱、领唱、说唱和吟唱为歌唱形式。在这一时期产生了诸如《荷马史诗》、《伊利亚特》、《奥德赛》这样出色的作品，它们是由盲人诗作者荷马创作并以说唱的方式演唱的。
　　可以说这就是比较初期的声乐表现形式。随着古罗马帝国不断对外扩张，欧洲进入了长期的教会统治的时期，在历史上被称之为&中世纪&，教会教义几乎垄断了一切思想意识领域，歌唱同样成为各种宗教的附属品。古罗马帝国扩张不仅带来了领土的扩大，也为音乐世界带来了许多来自亚洲、非洲、欧洲的优秀艺人及丰富的音乐文化，他们聚集到罗马并使之成为当时欧洲最大的音乐中心。当时的教会演唱圣诗和朗诵《圣经》，这就成为了最早的合唱形式。教堂中用拉丁文演唱与宗教相关的内容即为被称咏的音乐形式。
　　公元590年，罗马教皇格里高利一世选编、修订了配合教仪的《唱经本》，即著名的《格里高利圣咏》，实际上相当于规定了教堂中演唱教义的歌调。圣咏是欧洲声乐艺术的萌芽，它要求庄严、肃穆的演唱配合教堂的氛围。虽然圣咏有宣叙性和旋律性两种歌调，但由于它只是单旋律音乐，使人乏味。随着发展，演唱者将它作了一些华丽、流畅的&再创造&，形成了新的、更好的演唱方法。
　　在圣咏音乐流行的时期，从11世纪起出现了一些促进音乐艺术的发展、丰富声乐艺术内容的音乐形式。由于当时手工业和商业得到了发展，城市开始出现了针对宗教音乐的世俗音乐，它要求人们用音乐反映生活和世俗的情感。此后，又相继出现了游吟歌手、恋诗歌手、民歌手等专业的歌唱者，他们虽无法完全摆脱宗教的浓厚色彩，但已可堪称为对宗教音乐的大胆突破。
二、阉人歌手促使歌唱技巧的发展
　　13世纪中期的欧洲音乐逐步突破单声部，开始进入复调音乐时期，声乐演唱也为多声部合唱形式，分别由女高音(soprano)和女低音(Alto)担任，圣咏旋律则由男高音(Tenor)担任，后来又加入了男低音声部(Bass)。由于圣经的古训规定&妇女在教堂中应保持缄默&，因此，演唱中的女声部均由男童声代替。这些男童是被阉割的男童声歌手，在声乐发展史上被称作&阉人歌手&。他们的出现曾为欧洲声乐艺术的发展做出了巨大的贡献，并奠定了&美声唱法&的基础，也在一定程度上推动了歌剧的产生与发展，他们盛极的时代同时也带来了美声唱法的黄金时代。
　　早在4世纪，意大利就建立了专门训练童声演唱圣咏的歌唱学校，他们遵循古训，严禁妇女在唱诗班演唱，由于童声会随着年龄的增长而发生音色的变化，而不能唱出符合圣咏需要的优美自然的歌声，所以出现了这种不人道的&阉人歌手&现象。他们的声带及喉头不会随着年龄和身体的成熟而变化，阉人歌手具有女声的声带，同时又具备男子的体魄，所以，无需用假声就能发出悦耳的女声。虽然他们的声音不如真正的女声柔美，但他们华丽、轻巧、明亮的音色，宽广的音域，能令听众激动不已。
　　在阉人歌手兴起和盛行的时期，不仅排挤了女声，甚至在一定程度上几乎抢占了男声在歌坛上的地位。阉人歌手在欧洲盛行了近两个世纪之久，还有学校和教育机构专门训练阉人歌手。意大利著名阉人歌唱家法瑞奈里和卡法瑞里就是阉人歌手盛行时期的典范，他们的演唱技巧已经达到出神入化的地步。不容置疑，他们将欧洲的声乐水平推进到了一种较高的境界。18世纪末19世纪初，欧洲封建制度开始动摇，人们纷纷要求废除这种不入道的歌唱现象，同时妇女们也要求冲破封建束缚走上舞台，加上此时的男声也通过&关闭&的唱法提高了演唱能力，因此，阉人歌手在18世纪末开始走向衰落。
三、歌剧与美声唱法的产生
　　美声的发展与歌剧的诞生有密切的关系，如果说阉人歌手的出现奠定了美声唱法的基础，那么歌剧的诞生和发展又从更符合歌唱艺术发展的文化层面促使了美声的发展。歌剧诞生于文艺复兴运动的极大影响之中，当时，佩里、卡契尼、蒙特威尔第等作曲家，在歌剧创作中为了仿效希腊悲剧的朗诵调，他们使旋律与歌词内容、情绪变化，以及语言的起伏紧密结合，在歌剧中主要起着展开情节的作用。他们突破了传统和保守的束缚，创造了采用自然声音，由各角色来演唱自己段落的宣叙调演唱形式。为了使宣叙调的演唱更具有古希腊人在广场上演悲剧朗诵的那种声音效果，就不能采用声音微弱的童声和假声，而需要采用有足够气息支持，有丰厚声音共鸣，丰满宏亮而咬字清晰、真切、并富于穿力的声音。
　　&这些就促使佛罗伦萨小组的成员除了创作之外，还必须研究解决如何演唱的问题，于是就在前人，特别是维基的三幕仅供清唱用的16世纪恋歌剧《安菲帕那索》的演唱经验基础上，发展出了美声唱法&(摘自尚家骧的《欧洲声乐发展史》)。卡契尼提出要以宏亮致远的声音演唱歌剧的要求；蒙特威尔第则进一步使歌剧音乐戏剧化，写出了歌唱性的宣叙调和具有强烈感染力的咏叹调，这些都使得歌唱家们感到提高自己的演唱能力和技艺是良好表现音乐作品的基本保障。同时，蒙特威尔第在威尼斯建造了世界上第&座歌剧院，使歌剧从最初的宫庭和贵族的厅堂走入了正规的歌剧院，也为社会各阶层的观众提供了良好的欣赏场所。
　　这样，随着观众层次的扩大，欣赏要求不断提高，必然地促使歌唱家们开始研究训练完善他们的歌唱技术，以便自己的演唱能达到卡契尼、蒙特威尔第所提出的宏亮、致远、富于戏剧性的声音要求。于是，许多卓越的歌唱家以他们高超的演唱技巧、华丽的嗓音，穿过庞大的乐队&音墙&，清晰地把歌声送到剧场的每个落，征服了观众，使歌唱艺术达到了新的高峰，所以可以说&美声&随着歌剧而得到极大的发展，是文艺复兴时期人文主义思想在音乐艺术上的表现；它不仅是一种歌唱技术和一种演唱网络，而且还是一定美学原则和艺术思想的体现。
　　透过17世纪欧洲诸多乐派中最具影响力的四大歌剧乐派佛罗伦萨乐派、威尼斯乐派、罗马乐派、那波里乐派对演唱风格的要求，我们不难看出它们对&美声&的发展的重大意。
四、佛罗伦萨乐派
　　在佛罗伦萨歌剧乐派中有&个小组，他们突破传统的演唱形式，采用自然的声音，男演男角，女演女角。在贵族的宫庭里，在文人的聚会上他们都会尽情地演唱，弗朗西斯科&卡契尼就是当时最早、最优秀的女歌唱家之一。为了能使演唱再现古希腊人在广场上演出的悲壮效果，佛罗伦萨小组的成员开始了对声音及唱法的探究。传统的童声或假声已不能满足现实的需要，一种强调充分的呼吸，丰满、明亮的共鸣，清晰真切的咬字及宏亮而致远的音质的演唱要求被提出。他们不仅创作歌剧，而且还要不断地对演唱、发声的技巧进行研究。于是，随着《达芙妮》、《犹丽狄契》等抒隋音乐剧的诞生而产生了代表佛罗伦萨乐派风格的演唱要求：在自然、朴素的演唱基础上要求甜美、柔和、典雅，旋律优美抒隋给人以舒适之感。
五、威尼斯乐派
　　在17世纪的歌剧史上，蒙特威尔第创立了威尼斯歌剧乐派，为早期意大利歌剧奠定了基础。如果说佩里和卡契尼是歌剧音乐抒隋的创始人，那么蒙特威尔第则是音乐戏剧性的创始人，可以说歌剧诞生在佛罗伦萨，发展在威尼斯。蒙特威尔第创作的宣叙调加大了乐队伴奏的比例，丰富和烘托了独唱的气氛，他的第一部歌剧《奥菲欧》与佩里和卡契尼的《犹丽蒂契》来自于同&题材，而他写出了戏剧性的悲剧效果。在歌剧的创作上，蒙特威尔第首先使用了减七和弦，大胆地使用了转调和半音音阶，在乐队伴奏上，他首创了弦乐器的拨弦和揉弦的技巧。威尼斯乐派使歌剧走向社会，并使其走上了&花腔&&&加花演唱的道路，他们追求华丽的演唱技巧和声音效果，他们以高超的声乐技巧出现在舞台上，引起了阵阵狂热。这种戏剧性的宣叙调和咏叹调使Bel canto的演唱获得了更大的表现力。
六、罗马乐派
　　作曲家卡瓦里埃原是佛罗伦萨人，后定居罗马，成为了罗马有名的作曲家，同时也成为了罗马乐派的代表人之一。歌剧这种体裁在罗马乐派中成了宗教的附属品。卡瓦里埃在宗教的气氛包围中，创作了寓言性的，颂扬封建道德的歌剧《灵魂与肉体》，以他为代表的罗马乐派的歌剧创作虽然在题材和形式上模仿佛罗伦萨乐派，在演唱上局限于宗教风格，但同时也具有自己的特点，在舞台布景、装置、服装上追求富丽豪华的场面。
七、那波里乐派
　　17世纪下半叶，意大利的歌剧被那波里歌剧乐派所取代，同时也为Bel canl0的演唱提供了更广阔的天地。其中包括A&斯卡拉蒂。A&斯卡拉蒂是一位颇有才能的作曲家和歌唱家，他创作的歌剧具突破性，使美声从此走向一个新的发展阶段，而且也逐渐形成了那波里的美声风格：重视声音的明净、优美的音质和华丽的声韵效果。同时，他还为社会培养出了许多教授美声的教师。
【艺术学校】
　　开设声乐的艺术院校：中央音乐学院、中国音乐学院、上海音乐学院、四川音乐学院、星海音乐学院、武汉音乐学院、天津音乐学院、沈阳音乐学院、西安音乐学院、宁夏大学音乐学院、北京师范大学、首都师范大学、解放军艺术学院、中央民族大学、东北师范大学、西北师范大学、长春师范大学、山东师范大学、西南交大艺术与传播学院等。
　　专业培训：中音艺校、西南交大星火艺校、北京风华国韵音乐教育中心、奥音艺校等。
【演唱方法】
　　按字义讲，&bel canto&即优美的歌唱,并兼有美丽的歌曲的含义。它不仅是一种发声方法，还代表着一种演唱风格，一种声乐学派，因之通常又可译作美声唱法、美声学派。 美声歌唱不同于其他歌唱方法的特点之一，是它采用了比其他唱法的喉头位置较低的发声方法，因而产生了一种明亮、丰满、松弛、圆润，而又具有一种金属色彩的、富于共鸣的音质；其次是它注重句法连贯，声音灵活，刚柔兼备，以柔为主的演唱风格。
二、原生态
　　原生态指没有被特殊雕琢，存在于民间原始的、散发着乡土气息的表演形态，它包含着原生态唱法、原生态舞蹈、原生态歌手、原生态大写意山水画等。
　狭义上的中国民族音乐指的是汉族音乐，简称&民乐&。中国的少数民族音乐却有着更多的样式和内容，如藏族音乐、蒙古族音乐、壮族音乐等。
　　通俗唱法(又名流行唱法)始于中国二十世纪30年代得到广泛的流传。其特点是声音自然，近似说话，中声区使用真声，高声区一般使用假声。很少使用共鸣，故音量较小。演唱时必须借助电声扩音器，演出形式以独唱为主，常配以舞蹈动作、追求声音自然甜美，感情细腻真实。
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杨丽萍，1958年生于云南，洱源白族人，自幼...
徐琳是90后，而且几乎所有的愿意学习钢琴的...
家乡是一个小山村，那里最大的财富就是一望...　　摘要：钢琴作为一种艺术形式，我们不仅能看到钢琴艺术家们在各个场合中的独奏表演，也可以看到钢琴作为声乐等其他形式的艺术的一种伴奏乐器。所以，钢琴伴奏也是钢琴演奏形式中一种较为实用的演奏技能。在声乐的演唱和教学中有着不可或缺的位置。一个好的声乐作品不仅需要演唱者的技巧以及情感，同时需要一个好的钢琴伴奏作为烘托。本文从钢琴伴奏可以帮助演唱者更好地把握一首作品的音准、节奏、速度，钢琴伴奏可以将演唱者带入作品的情感中，钢琴伴奏时常作为一种补充，丰富情感，钢琴伴奏可以带动演唱者的情绪这四个角度来浅要谈谈钢琴伴奏在声乐艺术中的作用。 　　关键词：配合；平衡；带动；衬托；补充 　　钢琴作为一种艺术形式，我们不仅能看到钢琴艺术家们在各个场合中的独奏表演，也可以看到钢琴作为声乐等其他形式的艺术的一种伴奏乐器。所以，钢琴伴奏也是钢琴演奏形式中一种较为实用的演奏技能。并且在声乐的演唱和教学中有着不可或缺的位置。我们也可以看到，在许多声乐教学及实践中、音乐会的舞台上，甚至是许多国内外的声乐比赛上，我们都可以看到在声乐演员背后钢琴伴奏家的精彩表演。钢琴伴奏不仅仅是人们常说的“红花还待绿叶扶”的烘托陪衬作用，更重要的是离开了钢琴伴奏的声乐不能称之为完整的声乐艺术。这也是笔者在声乐学习过程中一直强调的事情！歌唱与钢琴伴奏两者不但有各自的特点，而且它们也是一种平衡的关系。只有处理好这种平衡关系，我们才能更好地去共同完成一个声乐作品。 　　一个好的声乐作品不仅需要演唱者的技巧以及情感，同时需要一个好的钢琴伴奏作为烘托。只有声乐与钢琴伴奏完美结合起来，才能称之为声乐艺术。只有这样，才能更好地诠释一首作品。这就需要演唱者和钢琴伴奏者在表演前都进行充足的准备和沟通，要了解这一首歌的情感、共同分析曲谱中的强弱力度、快慢节奏、体会作品要表达的意境，应对演唱者进行二度创作的地方加以沟通，才能完成一个好的作品。而现在许多学习声乐的学生都是在考试或表演前才临时找钢琴伴奏，没有进行充分的准备，没有进行沟通，那么在演出时就会出现合不上等问题，同时在感情方面也会差一些味道。 　　那么，作为如此重要的钢琴伴奏，在声乐艺术中又有哪些作用呢？ 　　一、钢琴伴奏可以帮助演唱者更好地把握一首作品的音准、节奏、速度 　　在一首作品中最重要也是最基本的三个方面就是音准、节奏和速度。如果连最基本的都没有，那么再动人的歌曲、再深刻的情感也没有一个可靠的寄托。因此，首先就要求演唱者在练习时就要认真读谱、唱谱子，把谱子中的速度变化、力度变化和节奏都要弄清楚。而且，在私下合钢伴的时候就要与钢琴达到一致，多加沟通。那么，在表演时，演唱者即便是因为某种原因音准不好，也可以借助钢琴来及时调整自己的音准。而速度、节奏有一些偏差也可以与钢琴配合来找准节奏。 　　二、钢琴伴奏可以将演唱者带入作品的情感中 　　首先一首作品创作出来都有自己独特的情感，有自己特定的要表达的思想。大部分的声乐作品在演唱之前都会有一段钢琴的前奏，这样的安排就有助于演唱者能快速进入歌曲的情感世界并融入其中。正如黄自的一首作品《思乡》中的伴奏就充分体现了这一点。 　　起初的时候，钢琴伴奏是特别流畅地带入了唱词，仿佛带领作者进入思乡的感情中一样。开始的升4用得很巧妙，不仅与唱句开始相同，更突出了这种思乡的情绪，让演唱者可以快速地进入到这种情绪中，流畅且衔接巧妙。 　　三、钢琴伴奏时常作为一种补充，丰富情感 　　在一首声乐作品中，钢琴伴奏时常作为一种补充，使得作品完整。比如，时常在句子之间加入如多小间奏，模仿前一句唱句旋律，强调情感，像是A?斯卡拉蒂的《紫罗兰》，每一个小间奏的跳音将作品显得更加灵动活泼。又或者钢琴伴奏常常与演唱者的唱句形成强烈的对比，此强彼弱、此消彼长，更突出声乐演唱部分的情感等等。无疑钢琴伴奏为声乐演唱进行了补充，也更丰富了整个作品的情感。钢琴伴奏时常还模仿其他乐器的声音，比如黄自《思乡曲》中钢琴伴奏的旋律就仿佛唱词中的“鹃啼”一样。 　　四、钢琴伴奏可以带动演唱者的情绪 　　一个好的钢琴伴奏是要“托”着你，而不是“拖”着你。钢琴伴奏者要把自己放到次要的位置，去带动演唱者的情绪，而不是把伴奏当成独奏，反而带着演唱者走。这也要求钢琴伴奏者要掌握情感思想，吃透谱子，对于何时该突出、何时该衬托有明确的把握。并且能带动演唱者的情绪，让演唱者迅速地投入到歌曲中来，“托”着演唱者走。这样，才能与演唱者共同完成一个完整的声乐作品。 　　总而言之，只有声乐部分没有钢琴伴奏，那不能称作为是完整的声乐艺术。声乐勾勒出线条就需要钢琴伴奏为其渲染色彩，这样才能共同完成一幅声乐大作！单旋律的歌曲就需要伴奏用和声来丰富歌曲的情感。世界上许多有名的经典声乐作品都是配有钢琴伴奏的，许多更是不允许随意改动的。只有演唱与钢琴伴奏相互协调配合，才能使作品最终与听众形成共鸣。如果配合得不好，那么演唱者难以发挥，整个歌曲也就被破坏。因此，钢琴伴奏在帮助演唱者更好地把握歌曲，带动歌唱者的情绪，补充渲染作品等方面都发挥着举足轻重的作用。所以，我们一定要平衡好钢琴伴奏和声乐演唱，让钢琴伴奏这一片绿叶更好地衬托出声乐这一朵红花。
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