摄影中的“白加黑减”具体指的是什么？
摄影中的“白加黑减”具体指的是什么？ 5
希望解释的简单易懂……
曝光正确是一张好照片的必要条件之一，如何才能做到曝光正确？相机的测光？自己的经验？相信每个人都有自己的体会。

其中有一条法则相信大家都听过，就是“白加黑减”！什么意思呢？就是说，画面里白色比较多的时候，要曝光正确就有加补偿；而画面里黑色比较多的时候，要曝光正确就有减补偿。

有人就奇怪了，白色比较多的时候还加？不过曝了？黑色比较多的时候还减？不欠曝了？怎么恰恰相反的呢？但是事实的确就是这么奇怪，不信你可以试试看。
相机的测光表对它所“看”到的任何景物都会告诉相机说：“你给我把这张图象调整成为18%灰。”于是相机调整快门和光圈到达那个组合。

例如，极端一点，“看”到全白的纸，相机也会调整快门光圈使白纸成为18%灰图像，（由于白纸反光强烈，光圈快门自动减少曝光使用小光圈和高速快门，）白纸拍成了“灰”纸，相当于欠曝，想拍成白色，就需要人为增曝光补偿。

“看”到全黑的纸，它也会要相机把黑纸拍成18%灰，（由于黑纸没有光线，快门和光圈就要自动增加曝光使用大光圈和慢速快门，）黑纸也拍成了“灰”纸，相当于过曝了，若想拍成黑色，就需要减曝光补偿。

“看”到18%灰的纸，它会告诉相机这就是18%灰，灰纸拍出来还是灰纸，当然就不加不减曝光补偿。这就是“白加黑减”说法的由来吧。
其他回答 (13)
　在影像构图中搞好明暗配置是非常重要的，当我们在画面中选择拍摄对象时，在大面积的亮影调中安置一小块暗影调，或是在大面积的暗影调中出现一小块亮影调，都能够吸引观众的视觉注意力，有利于表现所要强调的对象或主体。明暗配置在画面构图中还可以用来均衡构图，如果画面一侧是很浓重的暗调，而另一侧是很轻淡的明调，利用构图适当地调整明暗关系，就能够改变这种不均衡的情况，使画面的结构形式稳定、均衡。
拍白色的要加，拍黑色的要减
通俗一点就是白加曝光，黑减曝光。
看自己的喜欢调的色彩
白加曝光，黑减曝光。
百天和黑天啊
白是白，黑是黑。
拍白要加黑?
最近又翻看了很多大师的作品，又结合了自己最近的拍摄，对白加黑减和曝光补偿又有了些新的认识，当然这些认识还只是停留在意识阶段，并没有到具体量化阶段。简要说一下吧。

白加黑减的道理就不说了吧，百度一下，解释会很明白。如果环境很亮，发白（如雪景），那么相机测光时会觉得环境光线很足，测光数据（光圈＋快门）就会比实际偏低，所以我们在照相时就要正补偿。相反，黑减的道理。

但在实际应用中，并没有大黑大白的场景，补偿也往往只是0.3，0.7这样的小补偿，这个时候我们什么时候加什么时候减呢？我总结了一下拍摄人像的一些经验。

人像照，那么主体是人像（脸），还有背景，这个时候的白加黑减的运用，应该转换为人像（脸）和背景颜色之间的大小和反差关系来确定正补偿还是负补偿。比如一张逆光场景，往往背景会很亮，而脸很暗，那么很多人会说要正补偿，多给脸上打光。但我认为，这个不是完全正确，这个要看情况，一般有2种情况：1.给正补偿。就像大众想的一样，正补偿，但这种情况是有特定条件的，就是一般全身，半身人像，背景的面积远大于人脸部的面积，这个时候（也是大家经常拍摄遇到的场景）才使用正补偿；2.负补偿，这种情况，同样是逆光的情况，但是拍摄人物脸部的大特写，人物脸部的面积远远大于背景的面积，此时人物脸部是暗的，此时给稍许的负补偿，因为整个画面暗部面积远远大于亮部的面积，机器测光值会偏高，我们就给负补偿。

所以总结下来，白加黑减不是绝对的，还是要看你拍摄的主体和背景，他们二者的相对面积和反差。换句话说，“白加黑减”中的“白”和“黑”往往被人单纯的以为是“背景”，但这个“背景”往往是相对的，有可能主体变成了“背景”（例如脸部大特写），即这个“背景”就是指占整个照片幅面较大的部分，可能是背景，可能是主体。所以，在应用白加黑减的时候，要剖开背景和主体的概念，而是应该着眼于相片中幅面较大的区域的亮度来运用白加黑减。
我以为是相机测光范围上的偏差。白占大比例和黑占大比例，测光表都会有偏差。还跟相机显示屏有关。
　在影像构图中搞好明暗配置是非常重要的，当我们在画面中选择拍摄对象时，在大面积的亮影调中安置一小块暗影调，或是在大面积的暗影调中出现一小块亮影调，都能够吸引观众的视觉注意力，有利于表现所要强调的对象或主体。明暗配置在画面构图中还可以用来均衡构图，如果画面一侧是很浓重的暗调，而另一侧是很轻淡的明调，利用构图适当地调整明暗关系，就能够改变这种不均衡的情况，使画面
曝光正确是一张好照片的必要条件之一，如何才能做到曝光正确？相机的测光？自己的经验？相信每个人都有自己的体会。

其中有一条法则相信大家都听过，就是“白加黑减”！什么意思呢？就是说，画面里白色比较多的时候，要曝光正确就有加补偿；而画面里黑色比较多的时候，要曝光正确就有减补偿。

有人就奇怪了，白色比较多的时候还加？不过曝了？黑色比较多的时候还减？不欠曝了？怎么恰恰相反的呢？但是事实的确就是这么奇怪，不信你可以试试看。
相机的测光表对它所“看”到的任何景物都会告诉相机说：“你给我把这张图象调整成为18%灰。”于是相机调整快门和光圈到达那个组合。

例如，极端一点，“看”到全白的纸，相机也会调整快门光圈使白纸成为18%灰图像，（由于白纸反光强烈，光圈快门自动减少曝光使用小光圈和高速快门，）白纸拍成了“灰”纸，相当于欠曝，想拍成白色，就需要人为增曝光补偿。

“看”到全黑的纸，它也会要相机把黑纸拍成18%灰，（由于黑纸没有光线，快门和光圈就要自动增加曝光使用大光圈和慢速快门，）黑纸也拍成了“灰”纸，相当于过曝了，若想拍成黑色，就需要减曝光补偿。

“看”到18%灰的纸，它会告诉相机这就是18%灰，灰纸拍出来还是灰纸，当然就不加不减曝光补偿。这就是“白加黑减”说法的由来吧。


他說的對
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摄影摄像领域专家儿童摄影中安全快门指的是什么？
&&& 在使用数码单反相机拍摄的过程中，我们会发现，在使用闪光灯并且光线昏暗的情况下或者采用镜头的长焦拍摄时，都会容易产生图像模糊不清的现象，这可能是因为快门速度没有达到安全快门而导致的。那么什么是安全快门呢？通俗的说，安全快门就是保证手持相机拍摄稳定的快门速度。比如我们在使用镜头的100mm焦距进行拍摄时，那么安全快门就是1/100s,选择1/100s以上（最好再高两档）的快门速度才可能避免因手颤动而造成的图像模糊。简单地说，安全快门的计算公式：安全快门＝1/镜头的焦距。
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什么叫意境意境指的是什么?
　　意境是指抒情性作品中呈现的那种情景交融、虚实相生的形象期铜机器所诱发和开拓的审美想象空间.　　如果典型是以单个形象而论的话,意境则是由若干形象构成的形象体系,是以整体形象出现的文学形象的高级形态.　　文艺理论界对“境界”说的阐述虽然众说纷纭,为轩为轾,但有一个地方却出人意外,这就是绝大多数评论者都把“境界”和“意境”等同起来.称之为“文学形象”、“作品中的世界”.这种看法无疑是片面的.　　“境界”一词作为一般习惯用法,如云“境界有二,有诗人之境界,有常人之境界”,此所谓境界,便当是泛指作品中的一种抽象界域而言者.又如云“古今之成大事业、大学问者,必经过三种之境界”,此所谓境界,便当是指修养造诣之各种不同的阶段而言者.又如云“‘明月照积雪’、‘大江日夜流’、‘中天悬明月’、‘黄河落日圆’,此种境界,可谓千古壮观”,此处之所谓境界便当是指作者所描写的景物而言者.　　中国传统美学思想的重要范畴,在传统绘画中是作品通过时空境象的描绘,在情与景高度融汇后所体现出来的艺术境界.　　意境理论最先出现于文学创作与批评.三国两晋南北朝时代文学创作中有“意象”说和“境界”说.唐代诗人王昌龄和皎然提出了“取境”“缘境”的理论,刘禹锡和文艺理论家司空图又进一步提出了“象外之象”、“景外之景”的创作见解.　　明清两代,围绕意与境的关系问题又进行了广泛探讨.明代艺术理论家朱存爵提出了“急境融彻”的主张,清代诗人和文学批评家叶夔认为意与境并重,强调“舒写胸臆”与“发挥景物”应该有机结合起来.近代文学家林纾和美学家王国维则强调“意”的重要性.林纾认为“唯能立意,六能创建”；王国维认为创辞应服从於创意,力倡“内美”,提出了诗词创作中的以意胜的“有我之境”和以境胜的“无我之境”两种不同的审美规范.　　意境概念运用到绘画上,主要是在山水画得到迅速发展的五代和宋、元,但早在三国两晋南北朝时代,受道家思想和玄学的影响,山水画创作已经从地图制作式的幼稚阶段,跨进了讲“实对”,重“写生”的时期,画家们开始注重了实境的描绘,并提出了“澄怀味象”、“得意忘象”的理论和艺术创作旨在“畅神”、“怡情”的思想.这种理论和实践是后来传统绘画强调意境构成的先导,唐代美术史家张彦远提出了“立意”,五代山水画家荆浩提出了“真景”说,宋代画家郭熙提出了山水画创作“重意”问题,认为创作应当“意造”,鉴赏应当“以意穷之”,并第一次使用了与“意境”内涵相近的“境界”概念.宋、元文人画的兴起和发展,文人画家的艺术观念和审美理想,尤其是苏轼在绘画上力倡诗画一体的艺术主张,以及元代画家倪瓒和钱选的“逸气”和“士气”说的提出,使传统绘画从侧重客观物象的描摹转向注重主观精神的表现,以情构境、托物言志的创作倾向促进了意境理论和实践的发展.清代画家兼理论家笪重光在《画筌》一书使用了“意境”这一概念,并针对山水画创作提出了“实境”、“真境”和“神境”的理论,对绘画中意与境的涵意和相互关系作了较深入的分析,对绘画中的虚实、形神、情景等问题,亦即意境的表现问题都作出了有益的探索.　　意境理论的提出与发展,使中国传统绘画,尤其是山水画创作在审美意识上具备了二重结构：一是客观事物的艺术再现,一是主观精神的表现,而二者的有机联系则构成了中国传统绘画的意境美.为此,传说美术所强调的意境,既不是客观物象的简单描摹,也不是主观意念的随意拼合,而是主、客观世界的统一,是画家通过“外师造化,中得心源”,在自然美、生活美和艺术美三方面所取得的高度和谐的体现.　　意境的构成是以空间境象为基础的,是通过对境象的把握与经营得以达到“情与景汇,意与象通”的,这一点不但是创作的依据,同时也是欣赏的依据.绘画是通过塑造直观的、具体的艺术形像构成意境的,为了克服造型艺术由于瞬间性和静态感而带来的局限,画家往往通过富有启导性和象征性的艺术语言和表现手法显示时间的流程和空间的拓展.如中国传统绘画中的散点透视、虚实处理、计白当黑、意象造型等,就是为了最大限度地展现时空境象而采取的表现手法.这些手法一方面使画家在意境构成上获得了充分的主动权,打破了特定时空中客观物象的局限,另一方面也给欣赏者提供了广阔的艺术想像的天地,使作品中的有限的空间和形像蕴含著无限的大千世界和丰富的思想内容.从这个意义上讲,意境的最终构成,是由创作和欣赏两个方面的结合才得以实现的.创作是将无限表现为有限,百里之势浓缩於咫尺之间；而欣赏是从有限窥视到无限,於咫尺间体味到百里之势.正是这种由面到点的创作过程和由点到面的欣赏过程,使作品中的意境得以展现出来,二者都需要形像和想像才能感悟到意境的美.　　意境就是画家用所表现形象来表达胸中之意,对山水的情感,画家把这种情感写与笔端,让欣赏者他的作品丰富的内涵.
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北中康文，日本著名摄影家，日本摄影家资深。
1956年生于日本大阪。毕业于东京农工大学农学部，1986年以拍摄运动题，材出道，被誉为“摄影界明日之星”。早期主要拍摄举办的世界级体育赛事，活跃于专业的。1992年长女后，拍摄题材从体育转向自然风景，的那须是其主要拍摄地点。受益于担任体育时积累的经验，非常擅长通过拍摄、、等表现大自然的动感，其在历代年轻摄影师间传承。在PENTAX举办过摄影界一时的摄影展“水的样貌”和“风的回廊——那须连山”。写在前面
四季的音色
怎样拍出完美的风景摄影作品？
第1章　七大诀窍助你拍摄出完美
风景摄影实践入门
第1部分　的技巧
第2部分　怎样决定
第3部分　的表现
第4部分　速度的表现
第5部分　让景色随之改变的用光技巧
第6部分　不同风景的选择
第7部分　的效果和使用方法
第2章　了解拍摄完美作品的秘诀和基本技巧
不同主题的拍摄策略
第3章　、手持拍摄技巧及摄影的乐趣大公开
摄影之前与之后
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