电子琴lesson+part是什么中文?

第二次更新答案...以后会加一些例子进去来说明一些问题。以下是答案。


直觉得引领着知识,但是不会凭空冒出来。—— Bill Evans

概括一下整个爵士钢琴学习的难度:和学其他东西一样,入门简单精通难

提醒:和古典、流行其他乐派相比,即兴是爵士乐的灵魂。但是,如果你的目的仅仅是给即兴里面加一些爵士元素的话,你就不必那么较真了,这个回答里很多练习都不是“必需”的,可以精心编好谱子(就像Nicolai Kapustin的作品一样)。

学习爵士钢琴的有两类人比较适合:有古典钢琴基础的和有流行钢琴基础的。中国大多数在正规教育机构学习钢琴的人有古典钢琴基础。流行钢琴基础更多见于自学的钢琴基础。对于爵士乐这种相对于流行音乐更加“复杂”的音乐流派,你在有乐理知识演奏技能的支持下,学习效率是远远高于一个没有基本功的人的。所以如果你完全没有钢琴基础的话,不要浪费时间,先花必要的时间练练基础吧!(不要拿业余的考级当作衡量标准!)

通常来说,系统学习了古典钢琴的人在以下方面比学习流行钢琴的人要好一些:

  • 识谱:能够识谱,会规范地记谱,有视奏能力。
  • 音感:有相对音感,能够听辨音程、和弦。有首调思维。
  • 节奏:能准确判断和表现不同节奏型。
  • 演奏/演唱:能完整地演绎一些作品
  • 分析:能够感性和理性地分析音乐作品,分析动机发展、曲式、和声、织体、情感倾向等。
  • 音乐素材:在练习中积累了音乐的基本形式

其实在国内,科班出身的以上都能基本做到。这些音乐素养当然也是一个好乐手该有的。

在这里我默认大多数读者有古典钢琴基础。论演奏技巧,国内按业余的考级来说,入门爵士钢琴的话最好在7级以上(有的最高是8级,有的是10级。我指的是国内业余钢琴考级的中高级,这是我估计出来的门槛,没什么依据)。所以演奏能力大概有:

(没有这些的一定要练习啊,弹不清楚怎么能行)

如果你有这些技能,请注意,学习爵士钢琴并不是和古典钢琴矛盾对立的,只是会有习惯上的不同,所以一开始有点难适应。你要熟悉每个大小调的音阶、和弦。基础乐理知识是必要的!国内业余钢琴考级的时候,经常出现每一级在演奏曲目前考音阶和琶音,都是同一个调性!这个考试模式里,有很多学生通过机械地记忆、靠手指肌肉记忆弹得很快,而并不知道自己在弹什么,不知道音阶和琶音的构造方式。这个对 “学习所有的调(Tonal)”没有一点好处。

乐理很关键,学乐理重在理解而不是死记硬背。

乐理基础薄弱的同学我建议最好找书看。如果实在看不进书,可以找些优质网络资源(文末附有资源列表)。基本的乐理概念不能弄混。进阶的爵士乐理、爵士钢琴的演奏都可以看对应的专门的书。我不敢说有哪一本书能解决所有问题。

在古典音乐、流行音乐建立的乐感的基础上,有必要继续培养一个“爵士耳朵”。“”在学习爵士乐里至关重要。听的作品多了理解才会多。

推荐一本 Ted Gioia 的 “How to Listen to Jazz”(有 孙新恺 的中译版),书里面有爵士节奏、和声、结构、爵士史等等,适合入门选手先看看。

以下是聆听的时候可以有意识地锻炼听觉的几个角度,以及它们的递进关系:

  1. 让耳朵习惯各种音程(基本练耳)
  2. 习惯各种七和弦的感觉(爵士入门)
  1. 习惯各种调内和弦的和弦内音(从根音到十三音,都能马上反应出。练习过程会比较漫长)
  2. 能听出一些色彩音/变化音,像是#9、b9、b5、b13这种
  3. 能听出一些四度、五度堆叠出来的和声
  1. 能很自然地听出V-I的进行,以及你所熟知的大小调的II-V-I和变种
  2. 听得出转调、离调、模进(Modulation)

其中3和4、5和6没有必然的优先级。

  1. 时值变化(变长?缩短?)、节奏变化(连音化?复节奏?)、和声变化、音高变化(模进?反向?倒影?)
  1. 常见的曲式类型(AB、ABA、ABAC、12小节Blues之类的)
  2. 小节数、乐句长短、乐句进出的位置。

先是针对非常初学者的日常练习。音阶和和弦至关重要。先练到一定水平,能够在看到和弦代号的时候几乎不废几秒钟的时间反应过来有哪些音的时候,这才能往下练。可以说是"门槛"。

先提一下我觉得是误区的地方:

  1. 单纯的肌肉记忆。如果你脑子里想不出来你按下去的究竟是什么的时候,说明要么是水平不够,要么是水平太高(误)。虽然大师们不一定能知道他们演奏的时候每一个音是什么,但是他们对于键盘的熟练程度是远超我们的。尤其是初学者,如果对于某一个或者某几个“把位”的voicing不熟悉,只靠肌肉记忆却不熟悉组成音的话,不利于在不同voicing之间切换,也不利于在各声部之间实现“voice leading”,也就会使中间声部“inner voices”欠考虑,听起来会单薄。
  2. 不在所有调性上练习。这个“在所有调性上练习”的说法也不是绝对的,但是大多数的voicing、和声进行、句子都应该在所有调性上练习,来减小键盘上不同调性之间的差异性。钢琴键盘布局造成的“近关系调指法接近、远关系调指法差异可能较大”的现象,可能使Eb调学来的东西在A调上难用上。这是要尽量克服的。
  3. 每次都从C大调c小调开始练习。由于(很多谱子从C开始写从而)很多人这么练,导致E、B、Gb、Db这几个调性不太熟悉,很多voicing没法立刻用上。建议学习一段时间后从E或者Db开始朝着另一个方向按照五度圈练。感到越是不熟悉的越是要针对练习。
  4. 不练rootless voicing或者不练转位和弦。其实转位和弦练习的时间比重没有那么大,但不至于完全忽略。很多转位的三和弦、七和弦用于过渡(Passing chord)的时候效果非常好。Rootless voicing通常突出色彩音(九十一十三音这种)。
  5. 不使用减七和弦。同第4条,这会少一种“味道”。
  6. 左手不会伴奏,只有comping,会显得过于单调,而且长期下来会弱化左手。

纵向练习——排列(入门)

这些练习可能是学习爵士钢琴最开始一段时间练习的重点。熟练之后不用作为日常练习。

  • 向上向下构造任意音程,直接弹出来(不要忽略向下的构造练习)
  • 这个音作为低音(不一定是根音)的某个三和弦/七和弦原位、转位。
  • 其他和弦的“根音不在最下”的排列,可以按需求练习。

这里“所有的”在下文中就指所有的调性了(12个主音)。也就是把一个pattern(一个模式?可能指一个指定根音的和弦的排列、一个乐句,甚至是一首曲子)不断移调,遍历所有的调性。为了减少练习不同调性练习的枯燥性(其实不枯燥啊),可以选择不同的遍历方式:

  • 按照五度圈顺序取:相邻两个voicing的 指法 以及 形状 差异较小,便于平移手型,便于“渐变地”练习一些复杂的东西。
  • 也可以按照半音阶的顺序:便于熟悉不同的形状,可以用来检验指法是否灵活。
  • 两个全音音阶(大二度模进)的顺序:大多数情况上下文连接起来很符合听觉习惯。
  • 三个减七和弦(小三度模进)的顺序:上下文听起来通常是远关系调。

以下开始的是进阶的练习。

  • 自然音级上的 七九十一十三和弦的原位排列(Diatonic chords):建议用在中高音区上
  • 四度排列(Quartal voicing):可以作为中间声部的填充物
  • 开放式排列(Open voicing) :顾名思义,高低跨度大且明亮。
  • 无根音排列(Rootless voicing):在不演奏根音的时候用。

对于一系列属和弦和其他复杂的和弦,还有个“上层结构(Upper structure)”,是一类voicing,便于记忆,强烈建议掌握,这里不赘述。

Cmaj7 及其变种的一些常见排列

可以说,纵向练习主要分两个阶段:

  1. 入门时练习音程和和弦的构造,如果对音程和和弦的构造本身不熟悉,就没法快速计算出一个音程有哪两个音、一个和弦由哪些音和哪些音程,每次用到的时候都要查表、看谱子,严重影响即兴流畅程度。
  2. 进阶练习voicing是为了更好安排和声以及声部进行(Voice leading)。

Voicing(排列)是无论古典钢琴还是爵士钢琴都重视的东西。Voicing考虑一个和弦、特定的和声在同一时刻不同音处于什么位置(不仅仅是转位那么简单),决定了音响效果。在爵士音乐中,voicing算是一种语言素材库,不同场景下表达某一个种和声的不同的“表达方式”。如果演奏同一个和弦仅用同一种voicing的话,相当于你说英语的时候只会用“good”作形容词,“very”作副词,听上去相当枯燥无味啊。

Voicing练习的相关书籍如果有需要可以看附录。非必需。

这个阶段的练习就要考虑上下文(语境)了。不是机械地照搬voicing,而是根据旋律去配和声。考虑旋律线条、低音,然后用适合的voiding去填充。入门的时候,可能只估计得到“左手两三个音,右手一个单音旋律线”这样的和声。渐渐地,会加入更多的东西来填充中间的声部,使两个手之间没有巨大的空隙。

任取一音作起点,用多种voicing练习:

  • 这个音作为开始(二级)的大小调的二五一进行(II - V - I)。
    • 这是用的最广泛的爵士和声进行。
  • II V I 的和弦性质中,V通常以属和弦形式呈现。
    • 这个音作为开始的带有三全音替换的 II - V - I
    • IV 可以是大、小、属和弦。
    • bVII通常是属和弦。
    • I 可以是大、小,在blues里可能是属。
    • 如果每隔一个音用三全音替代,就是半音下行,可以体验一下。
    • 常见于旋律级进、琶音的时候。旋律跳进的时候效果不是很好。
  • 模进(Modulation)考验流畅度的时候,还有转调的反应能力。
  1. 和声进行的练习是为了优化演奏时的声部进行(Voice leading)。在演奏的时候声部进行要流畅(fluent)、顺畅(smooth)。如果不流畅,你们都知道效果的;如果不顺畅,问题也很严重,在此举例说明:

你初学的即兴伴奏,什么都不懂的时候看到一个教程这样教:2 - 5 - 1就是先弹2级(Dm7),再弹5级(G7),最后1级(Cmaj7)。很多教学视频会说,Dm7就弹DFAC,G7就弹GBDF,CMaj7就弹CEGB。

如果这个教学过程就这么结束了,说你学会了2 - 5 - 1,见到和弦也不怕了——这其实不太负责任,容易给没有系统学习乐理的人造成误解,忽略声部进行的顺畅。这样演奏,听着上下跳动,影响听觉体验,因此很少被采用。声部进行(voice leading)就是解决这一问题。古典音乐的大师们(比如巴赫)的作品就是很好的 voice leading 学习素材。同样是上面2 - 5 - 1的例子,我给周围的刚刚学乐理的朋友讲完和弦构造后,紧接着讲避免原位的2 - 5 - 1进行,而是这样:

等等。其实,好的voice leading不仅听起来自然,在钢琴演奏过程中,和声发生变化的时候移动的代价也很小。

  1. 对于声部进行,不同的声部之间的力度要控制好。爵士音乐虽然不是严格音乐,但是力度、表情仍然是关键要素。要考虑左手的低音音量、右手旋律的音量、中间声部的音量。对于特定的voicing可能有特殊的处理方式,要仔细琢磨。
  2. “Drop 2” 和 块状和弦:怎么达到丰富声部的目的?以 Fly me to the moon 的旋律为例,第一种是4-way-close,第二种是八度的块状和弦,第三种是“4 way close”的 drop 2 结果(略有调整)。

块状和弦(蓝色的音符是旋律音)

  • Drop 2,顾名思义,把第二高的音符(绿色标出)“掉”一个八度下去。 (图片里不应该是4 way close,忘记改成 Drop 2 了)
  • 上例在C调,计算起来比较简单。实际演奏过程中,有的时候因为计算可能没那么快,会省略一些中间的音。
  • 用这种 harmonization 技巧的时候,不一定是连续的和弦本身。有时候是 某个和弦 和 它对应的减七和弦(比根音高半个音) 的减七和弦的交替出现。如图。

要有“和弦 - 音阶”思想。一个和弦对应一些音阶,一个音阶对应一些和弦。比如,C maj9(#11,13)完美对应了C Lydian 音阶、G7(b5,#5,b9,#9)完美对应了G Altered 音阶。

C大十三和弦对应的利底亚音阶
C7 Alt对应的C 变化属音阶(降d旋律小调的第七个调式)

练习某个和弦对应的音阶和琶音,用多种弹法来熟悉键盘。在对应的音阶上即兴便能听上去符合这一和弦。

下面是爵士乐里能用到的音阶:

  • 旋律小调极其衍生的7个调式。每个调式都有自己的名字。几个有名的:
  • Lydian dominant 常用在比较“亮”的属和弦,比如带有 9、#11、13的属和弦,可以往下半音解决到一个比较“暗”的属和弦。很常见于小调的属和弦之前。[*]
  • Altered dominant 常用于比较“暗”的属和弦。比如带b9、#9、b13的属和弦,有倾向解决到小和弦。
  • 和声小调极其衍生的7个调式。(名字太多了,详情看wiki)
  • 大小五声调式音阶 (适用广泛)
  • 增音阶 、全音阶(用在大和弦、增和弦之类的)
  • 半-全 减音阶、全-半 减音阶 (常常用于增添减七、属和弦的紧张感)
  • 其他的人造音阶、对称音阶。

[*] 注:这里的属和弦“亮” “暗”只是从voice leading上反映了它的倾向性,实际使用的时候不能教条,不要看到小和弦就盲目的在前面放“暗”的属和弦。况且属和弦的变化方式实在太多(变化音和和弦内音的多种组合),色彩不一样会产生不同的感受的。仔细听经典作品里的这个现象,可以试着自己总结一下各种变化属和弦的性质。

音阶在使用的时候也是,不能由“调性”把音阶框死。一个越是简单的和弦(音越少的)能对应的音阶就越多,如果能在演奏的时候 改变调式,甚至交替调式,就是所谓的“调式交替”——如果两个调式共同音越少,色彩差异就越大,反正越小。

如果用调式(Modal)思维来考虑问题的时候,可以选择不用功能和声的角度来思考,而是侧重每个调式的特色音,来渲染某个气氛。

【待更新:不同的风格、练习形式】

节奏练习其实是横向练习的一种,不过应该单独讨论。Swing(摇摆) 是爵士乐具有特色的律动。(Keith Jarrett 后出现了“平均八分音符” even 8th notes) 。Swing 的特征是拍子不均匀。8分音符正拍弱,反拍强。前长后短。易错点是,如果前重后轻的话完全不是swing,还会很别扭:

Standard是爵士流传的经典,每首standard后都有大师的精彩演绎,因此叫做“标准曲”。你可以在一种叫Real book 的书上找到这些曲目。大多数都是lead sheet,(也就是所谓的功能谱,不过我不习惯这么叫,毕竟与“和声功能”关系不是特别强)。

Standard 不在多,而在精。用有限同样的技术流水账般地应付standard,不如精心打磨standard,把学到的东西用上,丰富自己的风格、锻炼用爵士语言表达的能力。比如我听到了一首standard,对它有兴趣,我会这么练:

  1. 分析曲式、调性、旋律起伏、紧张程度的变化。给每一段选择相应的伴奏织体、和声。
    这个时候左手就不能死板(comping)了,得配合着右手互动(accompany)!只要你左手不是持续的walking bass line的话,渐渐地做一些填充,
  2. 在曲子原本的和声基础上reharmonize,替换、添加一些和弦,然后考虑内在声部进行
  3. 听听大师的版本有没有可以用的技巧(和声、节奏、动机的发展变化),选一些明显的,有特色的,容易模仿的,用上。
  4. 从这个standard里挖出几个能用的“素材”(和声、节奏、动机的发展变化),记下来(可以简单的记在笔记本里),试着用到其他的standard里恰当的部分。如果效果不错,坚持“滥用”,成为一种习惯。
  5. 接着就开始练习即兴段落。左手comping,从很简单的动机开始,变化发展,按照lead sheet上的和弦进行,不在和声上改动。分多次,每次练习的时间不能太长,要及时停下来思考“某个地方在听觉预期中是什么感觉”。这样就能让耳朵熟悉这个standard的进行。反复练习,直到“即兴能符合听觉预期”的熟练程度
  6. 即兴第二步,运用reharmonization的知识,试着加入听觉预期之外的东西来制造紧张感。这一步很考验创新,但最好也不要完全脱离约束。如果你已经和原曲十万八千里了,走火入魔了,一定要停下来。即兴的时候还是要保持一些的理性成分,一些的思考时间的。否则的话,很容易形成手癖减少创新成分,或者过于即兴,失去美感。(Bebop的即兴和free jazz的即兴是两个不同的感觉,注意以下区别)
  7. 试着加入一些之前学过的素材,可以是来自其他曲子的动机、句子之类的。
  8. 从多到少,把前几个步骤中好部分的留下来,体会这个曲子的即兴感觉。
  9. 如果有条件,尽量找几个人一块jam这首曲子,在comping的时候听听别人的爵士语言:可以是别的钢琴,也可以是bass、saxphone,甚至是鼓。可以模仿这些乐器(bass的律动、saxphone的线条、鼓的节奏等),也可以和它们互动。(“问答”之类的)

注意事项:在保证了曲子的完整性后(就是相对熟练的程度),练习的时候可以用设备把练习过程记录下来。可以录音、录视频,甚至是midi轨道。练习之后自己听,给朋友听。也可以用做一些笔记写一些注意点提醒自己。这是在学习的过程中“反馈”的步骤,了解不足之处和已经掌握的东西,能提高学习的效率。

模进练习,最常见的也就是绕着五度圈轮流刷音阶琶音和弦了。这里强调用不同的方法模进旋律,从而尝试新的即兴可能。如果偶然间发现了或者创作出好的乐句,把他们加到“素材库”里,用“烂”掉一阵子,这样就不会忘记了。

建议你放伴奏轨(back track)(通常有爵士鼓和贝斯),左手rootless voicing,右手音阶与琶音练习。(参考Thumb rule,左手保持中音区的位置)

演奏的即兴是一层一层拼装起来的,就像上面,从音程到和弦,从voicing到进行,都是逐渐丰富的过程。

听听大师的作品,模仿一些你听得懂他在干什么的 lick(乐句)和进行。我个人觉得意识流的东西不要成为你学习Jazz的重点...这个是要靠基础和练习自然而然产生出来的,不是靠死背,(作为刚开始学习的人)更不要靠手癖。

(其他答主说的没错,英语挺重要。)

如果英语不错的话,给你列举一些 YouTuber,国外用心制作教程的真的很多...

官大为 的音乐频道,有乐理钢琴作编曲之类的免费课程,每周六18:00更新

每个视频大概是10分钟以内,有PPT展示,覆盖面比较广泛,可以用于补补理论知识。

神老头子,更新快。比较杂,大标题。还有钢琴/吉他演奏技巧、作曲编曲技巧之类的。建议有了乐理基础后挑一些看看。

不说了,你们懂的,得过格莱美奖的天才。(现代爵士、流行、Gospel)June Lee 有很多他的 transcription、采访什么的。

爵士钢琴公开课很多,讲师之一 Peter Martin 也是得过格莱美即兴奖的神级人物

韩国钢琴家。虽然是古典钢琴家出身,但是经常出分析现代音乐的技法的视频。

音乐人,贝斯手,Q&A 会有各种各样的东西。你也可以去评论去问问。

爵士钢琴、萨克斯主播。Youtube上人气挺高的。

爵士钢琴主播。和Jeff Schneider差不多关注量,视频很精致。

偏向细节的Jazz钢琴讲解。

基本是一个老师,爵士钢琴课程很具体,在 playlist 里面按需求找标题就行,有基础的可以从这学习技巧。

Jazz 钢琴老师,讲“曲子”比较多。

资源虽多,一口吃不成胖子,得慢慢消化。


我建议前期在没有了解爵士音乐体系、不清楚该做什么的阶段,侧重学习理论知识,尽可能学以致用。用(superimpose) 到即兴里、用于分析别人的作品。因为很多(大多数)专门讲某个曲子的视频挖的太浅,像蜻蜓点水一样,技术性的东西不会涉及太多。后期自己有了相对系统的练习方法以后,专门练习即兴的本领,这样效率会高很多。

这就是我一个年轻人自学爵士钢琴的一些过程和体会。欢迎在评论区里讨论不同的看法、提问、催更,以及来自专业人士的指正和建议。谢谢!

}

[版权声明] 本站所有资料由用户提供并上传,若内容存在侵权,请联系邮箱。资料中的图片、字体、音乐等需版权方额外授权,请谨慎使用。网站中党政主题相关内容(国旗、国徽、党徽)仅限个人学习分享使用,禁止广告使用和商用。

}

我要回帖

更多关于 great是什么意思中文 的文章

更多推荐

版权声明:文章内容来源于网络,版权归原作者所有,如有侵权请点击这里与我们联系,我们将及时删除。

点击添加站长微信