2011年，当周杰伦《惊叹号》那张专辑发出以后，“江郎才尽”的质疑纷至沓来。大家一边看着天王卖萌，一边吐槽：这不是我认识的那个周杰伦！“没内味儿”了！为了解开这个秘密，我仔细看了看周杰伦出道以来的专辑，发现从《跨时代》后，周杰伦专辑的编曲阵容就开始大换血！神专《范特西》的阵容：

《周杰伦的床边故事》的阵容：

我们知道一首歌曲诞生的背后要经历作词、作曲、编曲、录制、混音、母带这些个环节，而且每个环节都需要浸入心血，缺一不可。

虽说周杰伦的原创能力毋庸置疑，但一首作品成功的背后离不开幕后团队的共同努力。

这其中对周杰伦帮助影响最大之一的就是他曾经的御用编曲人——钟兴民。

他用强大的弦乐和声、如神来之笔的民乐配器，为周杰伦打造了一批又一批金曲。

没有退路的“Baby”老师

本以为像钟兴民这种业界大佬，肯定出生在一个音乐世家，从小耳濡目染学习音乐。然而实际上的钟兴民其实是野路子出家，小时候并没有接受过长期系统的音乐训练，而是通过短暂的学习和自己的摸索，逐渐成为了业界天花板！1966年1月26日，钟兴民出生于台湾台南。小时候，家里没有条件让他学习音乐，只能吹父亲送的口琴自娱自乐。软磨硬泡下，母亲才送给他了一把玩具似的小风琴。

但是音乐的种子一旦埋下，就很难被拔除。高中时，钟兴民参加了学校的军乐团，跟着老师学习小号。也正是这段经历，让钟兴民深入理解了各种乐器，掌握了一定配器的知识，为以后做编曲事业打下了基础。横下心来做音乐，钟兴民读书读到高二，就肄业玩音乐去了。

18岁那年，他担任乐队“红蚂蚁合唱团”键盘手，因为不管在哪演出，他的年龄总是最小的，就被戏称为“Baby”，时至今日，“Baby”仍是他的外号，只不过，后辈总要在后面加上“老师”这两个字。

25岁那年，钟兴民跟着台湾殿堂级乐队虹的鼓手徐德昌学习编曲，自此打开了新世界的大门。

当年的编曲并不像现在这样一台电脑一个midi键盘基本就可以搞定。那时候，midi才刚刚起步，业界还没有统一的标准，尤其是在音色排列的方式上更是“随心所欲”。也就是说你在这台琴上制作完成的音乐拿到另一台不同型号的琴上播放时会变得面目全非，小提琴可能会变成小号，长笛可能会变成吉他，钢琴可能会变成大鼓……

因此，这就非常依赖录音室固定的设备和音乐人对各种音色良好的感知能力。钟兴民泡在录音室里，不断地学习乐理知识，感受不同的和弦曲式，摸索配器，逐渐有了做编曲人的实力。对钟兴民来说，从高中肄业一意孤行走音乐道路，是只能前进且没有退路的，他只有不断地琢磨技术，适应市场，才能生存下来。

中国风一直是周杰伦作品的一大特色。在这一点上，钟兴民非常注重从古典乐和民族乐里汲取养分，为周杰伦编配的作品都非常的耳目一新。

《青花瓷》被称为中国风歌曲最标致的教科书典范，周杰伦在作曲上整首用的都是五声音阶，钟兴民在编曲上又加入了大量的民族乐器做铺垫，利用不同乐器音色的特点，渲染着方文山词中所体现的意境。可以说是一首非常有代表性的中国风作品。

▼《青花瓷》伴奏完全拆解：

除了《青花瓷》之外，最典型的例子还有给周杰伦编的这首《双截棍》。

仔细听，曲子一开头就是New Metal风格十足的电吉他solo，随着人声渐渐加上了贝斯和鼓点，吉他的节奏型又带着Funk的律动感，甚至还加上了铜锣，和周杰伦rap的停顿相得益彰。而到了副歌部分又是金属电吉他，带一点林肯公园的味道，十分抓耳。你以为这就结束了？副歌后，钟兴民在加强歌曲Funk味道的同时，还配上了二胡！双截棍本来就是中国古代流传下来的短兵器，二胡的加入和歌曲的主题完美契合，而二胡较亮的音色又弥补了摇滚带来的沉闷。

你以为这就完了？对大众来说，这样的编曲已经足够完美，但对周杰伦和钟兴民来说，还不够。钟兴民认为曲子还是有点无聊，又在中间加了一段模仿巴哈的钢琴乐段，不仅呼应了周杰伦弹钢琴的背景，又让整个曲子更加刚柔并济，更耐听，与周杰伦的想法一拍即合。铺垫过后，高潮部分的“哼哼哈兮”直接与二胡声融为一体，此时，旋律和人声共同推动着乐曲的进行，直到曲末雄浑的锣声响起，人们顿悟：自己刚刚听了一首华语巅峰之作。

直到今天，我们大部分的流行歌去掉歌词后，更多听到的还是在模仿西方，真正属于我们的中国风音乐并不多，为什么我们总说日本歌一听就一股日本味，印度歌一听就一股印度味？因为他们非常擅长将自己的传统调式音阶和乐器编配到现代作品中，而不只是当作元素给作品加了个花。

所以我们的流行音乐想要在世界立住脚，一定要有更多自己的声音在。

到了《布拉格广场》，钟兴民编曲的巧思又显示出来了，这一次，突出的是他对各种当地乐器和弦乐的应用。

自从27岁的钟兴民发现陈志远的专辑《心痛的感觉》，他感到了弦乐四重奏无与伦比的魅力。于是，就学了半年的大提琴，自此，弦乐成为了钟兴民编曲风格的一个标签。《布拉格广场》是钟兴民的第二座金曲奖最佳编曲人。

为了呈现歌曲的“东欧风”，钟兴民就地取材，前奏采用了有“液体滑动感”的竖琴，在间奏中加入罗马尼亚手风琴，伴着踢踏舞的“哒哒声”当古典节奏。为了歌曲的丰富性，钟兴民必须在流行曲调和古典乐曲之间来回跳脱，于是，他极其罕见地在流行歌中运用了“穿梭”的音效，以及各种提琴的快速切入切出，极具画面感，让人从东欧的浪漫诗篇中走出，步入忧伤的现实世界。

《夜的第七章》是周杰伦公认的“神曲”，这首歌的编曲同样出自钟兴民之手。

这首歌可以说是钟兴民职业生涯的一个瓶颈，他前前后后编了七个月才完工。当周杰伦把demo交到他手上时，告诉他这次要去英国拍MV，侦探悬疑风。于是钟兴民就从“英国”入手，他首先听了《魔戒》、《哈利波特》等电影的配乐找灵感，为了最大化地保证风格纯正，他还从美国订来了原版总谱研究，这一来，就是三个月。

这三个月的成果就是《夜的第七章》那带有霍格伍兹味道的前奏。

为了符合MV中发报员的设定，钟兴民专门录制了打电报的声音营造气氛，再配合弦乐制造恢宏大气的感觉。为什么《声入人心第二季》不好看了？这也可能和钟兴民有关系。在第一季中，钟兴民担任音乐总监，黄韵玲担任声乐指导。一首《鹿 be free》，帮助“阿龙川菜”踢馆成功。

在录《声入人心》的同时，钟兴民还担任《歌手2019》的编曲老师，为齐豫改编《最爱》。

大众对编曲人的印象是模糊的，常常以为作曲人就是编曲人，实际上二者相差甚远。华语乐坛中，绝大部分的作曲人是“写简谱的”，给歌曲定个调调，而编曲是“写总谱的”，需要考虑用什么乐器，用什么和声，用什么音色，哪个乐器从哪一小节进等等问题。当钟兴民凭借《双截棍》拿金曲奖的时候，台上的颁奖嘉宾F4就傻傻分不清编曲人和作曲人的区别，把获奖者错叫成“周杰伦”。

编曲人其实就像一位魔法师，可以化腐朽为神奇，因此在劳务费上也比较高，请一个好的编曲人，歌曲基本上成功了一半。钟兴民在一次采访中透露了他音乐之路，那就是“痛快爽美”，这也为广大志在靠音乐吃饭的人指了一条路。

什么是“痛”？痛在于学音乐的过程。

坚持学音乐、做音乐是一个需要下苦功的过程。每一个音乐人在成名之前都经历了一段不被人看好的时光。当一头长发的钟兴民把自己的首张专辑拿回家的时候，爷爷直接灵魂拷问：“你以为这样能养家活口吗？！”但钟兴民并没有放弃理想，而是更加笃定了自己要走的路。

“快”就在于要顺应市场。这是钟兴民对年轻人的忠告。钟兴民参与编曲的作品达三千多首。

就拿为周杰伦制作的歌曲来说：《爸我回来了》是嘻哈说唱，《夜的第七章》是古典结合说唱，《牛仔很忙》是美式乡村民谣，《逆鳞》是嘻哈结合电子。慢歌方面，有R&B抒情的《龙卷风》，有爵士味道的《迷迭香》，有抒情摇滚的《枫》；中国风方面，他不仅《菊花台》和《青花瓷》都是慢板抒情，但各具特色......如果不放下身段，顺应市场需求，戒骄戒躁，一个音乐人靠什么吃饭？

“爽”就是“痛”和“快”后的阶段，也是很容易“飘起来”和遇见瓶颈的阶段。对于钟兴民来说，瓶颈就等于兴奋。因为遇到瓶颈，就意味着可以寻找新东西，可以继续学习，完善自己的不足。

“美”就是追求美丽的境界。钟兴民常常检讨流行音乐发展制度，他希望能“不量化地量化音乐家”。

其实，这就是一种“推翻重复”。反复地用以前用过的手法可能会使你的音乐流行、“好卖”，但久而久之，就会让你在舒适圈里酣睡。要打破这种固化思维，就要不断提高审美，多听多尝试，从生活中寻找灵感。钟兴民在给《饮食男女2012》配乐时，为了贴合电影的感觉，就采样了厨房锅瓦瓢盆的声音，左敲敲右打打，寻找最佳的音色。

在李琦Vlog里，钟老师说了一番话，格外打动人心。《声入人心》播出后，成绩令业界振奋，甚至带动了音乐剧市场的发展。钟兴民和众人酒酣之后，大谈特谈音乐市场的曙光。

他满面通红又坦然无惧地说：

“我们为中国的音乐打开了一扇窗！”

可以说，华语乐坛的繁荣，不仅与台前的歌手有关，还得依靠幕后的编曲人、制作人，共同推动良曲的诞生。

希望这扇越开越大，让更多的阳光照进屋子！